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LA NAVIDAD EN EL ARTE Y LA LITERATURA

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O Curioso Impertinente me envía una colaboración muy oportuna en estas fechas y que, de nuevo, pone en contacto el arte con la literatura. Los libros propuestos abordan dos cuestiones controvertidas: una está en relación con el origen de los Reyes Magos y su iconografía; la otra se compone de un conjunto de cuentos en los que se destaca el lado oscuro que encierran estas fiestas navideñas.
"Un par de libros axeitados, tamén oportunos, para ler e desfrutar nestas datas.O libro de Cardini é un ensaio erudito (etimoloxía, simbolismo, etc.) sobre a figura dos Reis Magos cun capítulo específico sobre a representación destas figuras nasartes plásticas (as láminas interiores reproducen pinturas, vidreiras, esculturas, tallas e códices iluminados). 
Agoraque andamos patidifusos coa pretensión da SúaSantidade de que os Magos de Oriente foron andaluces, viríanos ben ler este libro dun investigador máis rigoroso que o Papa, para confrontar teorías, non sexa o demo que, a próxima vez, aparezan as SúasMaxestades de Oriente tocados con sombreiros cordobeses en troques dos gorros frixios
A portada do libro reproduce o mosaico anónimo, I Magi, de Sant'ApollinareNuovo, en Rávena." O Curioso Impertinente
Cortejo de las Vírgenes de San Apolinar el Nuevo, Rávena, siglo VI)
El conjunto de Rávena fue declarado por la UNESCO, Patrimonio de la Humanidad.

Según Cardini, los Magos de Oriente que fueron a Belén a adorar a Jesús, no eran reyes ni eran tres, y ni siquiera viajaban en dromedario, sino que todas estas singularidades les fueron atribuidas en interpretaciones teológicas posteriores al Evangelio. De hecho, el único Evangelio de los cuatro canónicos que hace referencia a estos populares personajes es el de San Mateo, quien se limita a consignar que "unos magos que venían del Oriente", sin especificar cuántos, se presentaron en Jerusalén conducidos por una estrella. Los historiadores consideran que, con el término "mago", Mateo se refería a astrólogos o sacerdotes persas que profesaban el mazdeísmo.










Gentile de Fabriano: "Adoración de los Magos", detalle


Cardini afirma quelos Reyes Magos acabaron convirtiéndose en la tradición teológica e iconográfica occidental en «un símbolo de todos los paganos que se convierten al cristianismo sin pasar por la tradición judía». «Los tres Magos son los representantes de todos los pueblos de la Tierra y cada uno de ellos se convierte en rey de uno de los tres continentes conocidos y en encarnación de las razas humanas: hay un europeo, un asiático y un africano»,asegura el historiador italiano, quien precisa que, a partir, del siglo XII y XIII, se coloca ya habitualmente «un mago negro».
Trasposiciones iconográficas
A lo largo de la Historia del Arte se han representado las escenas de los Magos. Desde la antigüedad hasta la edad contemporánea múltiples versiones, en distintos estilos, han interpretado este modelo iconográfico. La trasposición de temas paganos o mitológicos a la iconografía cristiana ha sido una constante  a partir del arte paleocristiano. Numerosos motivos se han cristianizado adaptándolos a los contenidos bíblicos o evangélicos. El repertorio de imágenes se encontraba en el contexto grecolatino.

Como indica 
ANDRÉ GRABAR en su libro “Las vías de la creación en la iconografía cristiana”:
“Estas escenas se refieren a episodios descritos por los evangelistas, a textos que indudablemente conocían los artistas y cuya descripción siguieron. No obstante en la forma de interpretarlos se dejaron influir por la iconografía oficial, en particular por la muy oficial y simbólica de la ofrenda de coronas y presentes por parte de los orientales y los bárbaros vencidos por un emperador, y por la del ritual helenístico y romano del soberano visitando una plaza de su Imperio, o una ciudad conquistada. Las imágenes de este tipo, antes de que los cristianos se apoderaran de ellas, tenían valor de símbolos de la extensión del poder imperial sobre los adversarios vencidos y las plazas honradas por la visita del soberano.”
ANDREA MANTEGNA: “Adoración de los Magos”
Los Reyes Magos «son también símbolo del tiempo, del pasado, el presente y el futuro, y por eso sus figuras representan un hombre anciano, uno de mediana edad y uno joven»Cardini
"No outro libro, agóchase unha manchea de relatos a cal máis venenoso, ambientados todos, iso si, no tempo do Nadal anque non sexan aptos para espíritus pusilánimes ou ternuristas como ben advirte o seu título: NAVIDAD, HORRIBLE NAVIDAD.












"Avida LLadrós", "Avida Dollar's
El título del cuento "Avida LLadrós" juega irónicamente con la evocación del anagrama con que André Breton apodó a Dalí.

O autor é un dos máis importantes e interesantes guionistas e realizadores do cine español." O Curioso Impertinente





“Navidad, horrible Navidad”  obra en seis cuentos de José Luis Borau  en la que presenta una imagen terrorífica e irónica de unas fiestas en que se entremezclan sentimientos adversos.
Desde un Papa Noel que, amparado por su apariencia inofensiva, atraca a una viejecita -”Dame todo lo que tengas, vieja zorra”- hasta un padre abandonado por su hija que lo cree culpable de la muerte de su gato al que encontró “muerto en medio del asfalto, la tripa blanca reventada y una sonrisa estrábica
“Para mí la Navidad, como a casi todo el mundo, me remite a mi infancia. Yo no pasé unas navidades malas ni desgraciadas cuando era niño. La añoranza, la melancolía, hacen que por una especie de arte mágico se convierta en algo maravilloso aunque lo hayas pasado fatal.” J.L. Borau
“Hoy en día la Navidad se ha quedado reducida a una explosión comercial.” J.L. Borau
"Las historias que trato no tienen la extensión y la entidad suficientes para ser novelas, aunque he de decir que hay un cuento que es en sí mismo una novela corta, “Ávida Lladrós”, que narra la pasión de una persona por la cerámica.J.L. Borau
Borau  indaga en los dramas callados que hay bajo la apariencia festiva de los rostros. 

A pesar de esta imagen que presenta Borau de las fiestas navideñas no reniega de ellas sino que considera que son los hombres las que las hacen horribles. Los personajes que retrata son reales, no le son ajenos. Frente a estos prototipos, el autor muestra otro grupo de personas a las que estas fiestas  les producen rechazo.
"No creo que la Navidad sea horrible, sólo que ocurre fuera de temporada, ya que estas fechas sólo se viven de verdad cuando somos niños y no ahora, cuando vemos que combaten unas extrañas energías de feroz consumo, de gastar más como sea con todo lo que eso conlleva, un repertorio de horrores y de angustias".
"A portada amosaunha intervención sobre un grabado de Gustave Doré par os contos de Charles Perrault." O Curioso Impertinente


ARQUITECTURA GÓTICA

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Mont Saint-Michel: Abadía


Las peregrinaciones y las cruzadas contribuyen a la expansión del arte gótico




"Una estética pragmática edifica monumentos dónde, descartadas las superficies planas, se erizan de puntas, de calados, de proyecciones, se rompen en el juegocomplejo de los salientes y  las aberturas, dóndelas  líneastropiezan, se cortan,  se interseccionan con aspereza, dónde todas las previsiones de la inteligencia son derrotadas por el imperioso dictado de los hechos“  RENÉ HUYGHE 
Evolución del estilo 




..ELEVACIÓN Y MOVIMIENTO ASCENDENTE..
La sensación de movimiento ascendente que proporcionan los edificios góticos resulta tanto del sistema constructivo empleado como de una voluntad estético-simbólica.

La geometría de la arquitectura gótica
"Las formas supremas de lo bello son la conformidad con las leyes, la simetría y el orden, son precisamente estas formas las que se encuentran en las matemáticas, y puesto que estas formas parecen ser la causa de muchos objetos, las matemáticas se refieren en cierta medida a una causa que es la belleza” Aristóteles

“El arquitecto medieval se configuraba como un verdadero humanista, con conocimientos de filosofía, geometría, matemáticas, estética. Poseía además dotes para coordinar e incluso como director de marketing.” José Luis Corral
Los talleres de canteros




EL GÓTICO, UN ARTE RACIONAL E INNOVADOR

En el oriente los estilos duraron milenios, y no parecía existir razón alguna por la que debieran cambiar. Occidente jamás conoció esta inmovilidad; siempre estuvo inquieto, probando soluciones nuevas y nuevas ideas. El estilo románico no se prolongó más allá del siglo XII. Apenas habían conseguido los artistas abovedar sus iglesias y distribuir sus estatuas en forma nueva y majestuosa, cuando otra idea hizo que todas esas iglesias parecieran torpes y anticuadas. Esta nueva idea nació en el norte de Francia (...).”
                    ERNST GOMBRICH: “Historia del Arte”

ESCULTURA GÓTICA EN FRANCIA

PINTURA ITALO-GÓTICA: GIOTTO, UN ARTISTA INNOVADOR

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BASÍLICA DE SAN FRANCISCO DE ASÍS (1296-1300)



GIOTTO: FRESCOS DE LA BASÍLICA DE ASÍS from Ana Rey
 CAPILLA SCROVEGNI (1304 -1313) 
Conocida también como la Capilla de la Arena, por encontrarse cerca del anfiteatro romano, el promotor de la obra fue Enrico Scrovegni, una de las grandes fortunas de Padua, quien hizo construir la capilla, de carácter funerario, como un medio de expiar los pecados de su padre cuya fortuna provenía en gran parte de la práctica de la usura.

GIOTTO: CAPILLA SCROVEGNI from Ana Rey









Las artes figurativas
 Evolución del estilo
 Aparecen nuevos soportes

Historia de la Capilla Scrovegni

La utopía se vuelve realidad en la Basílica de Asís
Después del seísmo de 1997, una gran parte de las pinturas de la Basílica de Asís quedaron destruidas. Tras varios años de restauración en la que se aplicaron técnicas innovadoras, en 2002 se concluyeron las labores de restauración.
La Basílica de San Francisco está situada en Asís, en la región italiana de Umbría, y  es Patrimonio de la Humanidad desde el año 2000.  

ESCUELA FLAMENCA: VAN EYCK

POSTIMPRESIONISMO: CÉZANNE

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Postimpresionismo: Cézanne from Ana Rey


ALGUNOS PRECEDENTES DE LA SERIE "BAÑISTAS"
“Bañistas”, 1902-1906
“Tres bañistas” c. 1875-77

JASPER JOHNS: "Map", 1963
UN HOMENAJE DEL SIGLO XXI
Redes de color abstractas inspiradas por Paul Cézanne

SHERRIE LEVINE:”After Cezanne: 5”, 2007

XAIME QUESADA: "CUENTOS CRUELES"

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He recibido una nueva colaboración de "O Curioso Impertinente" sobre una obra literaria de Xaime Quessada: "Cuentos crueles" cuya portada está ilustrada por el propio autor. Resulta especialmente interesante la trayectoria de este magnífico y comprometido artista gallego cuya obra se desarrolla en diversos ámbitos, tanto en las artes plásticas -pintura, grabado, escultura- como en la literatura. Otras obras anteriores son: “La singular historia del Recristo de Baraña”, “Lucenza” y “El Olvido”.
“Cuentos crueles” se compone de cinco relatos: “Una noche en el Museo de Prado”, “Luzdivina”, “El Hombre de la Lluvia”, “El barquero” y “El Ataúdes”.
En su primer relato recrea un tema que ha seducido a varios escritores: el hacer revivir a los personajes de algunos cuadros en una noche de museo (Mújica Láinez, Zoe Valdés, Javier Sierra...).
Contraportada
BRUEGHEL: "El triunfo de la muerte", 1562



Transcribo literalmente esta colaboración para "Imágenes y palabras". La ilustraré con algunas de las obras que se citan.
"Este libro de Xaime Quessada, que podemos empezar a desfrutar dende a ilustración da portada, a cal, xunto coas ilustracións interiores son do propio pintor, compóñeno cinco contos dos cales o que nos interesa aquí é o primeiro deles UNA NOCHE EN EL MUSEO DEL PRADO. Como noutros libros xa comentados, a acción ten lugar no interior dun museu onde varias das personaxes dos lenzos materialízanse para, neste caso, levar a cabo unha requisitoria, esperpéntica e feroz, contra os desvaríos da arte nas últimas décadas, da arte e dos seus axentes: artistas, público, teóricos, galeristas, etc. E os críticos de arte, un deles cuio nome, Washington Serraller, e a cabeceira onde publica, EL TERRUÑO, son ben fáciles de descobrir, vai ser o "cabeza de turco" desta tremenda diatriba. 
Perseguido polas Gracias de Rubens ( "En aquel instante la gran sala se iluminó, al irrumpir gozosas, lozanas y dicharacheras las tres Gracias, seguidas de la Eva de Durero, la Venus de El Veronés y las irresistibles doncellas de la Bacanal de Poussin.


Todas ellas capitaneadas por la cimbreante y tremenda Maja desnuda de Goya.
GOYA: "La maja desnuda", 1795 - 1800

Y ya no hubo tregua. El pobre y desorbitado Manolo Serraller se negaba histérico a ver lo que estaba viendo."), acosado polos borrachos de Velázquez e os soldados franceses de Goya ("En consecuencia, los fusileros de Napoleón saltaron inmediatamente del lienzo y se llevaron a rastras al horrorizado director, volviendo otra vez al cuadro con aquel madrileño insolente para ponerlo entre las futuras víctimas de la montaña del Príncipe Pio") e derrubado e devourado, finalmente, polo monstruoso Saturno, tamén de Goya.
VELÁZQUEZ: "Los borrachos", 1629
GOYA: "El 3 de mayo  en Madrid", o "Los fusilamientos", 1814
GOYA: “Saturno devorando a su hijo”, 1820 - 1823
Quessada emprégase a fondo no seu ataque e arremete, con toda a incorrección política de que é capaz, contra un PSOE sen sustancia, contra a crítica de arte ensarillada e vendida, contra o mercantilismo do mundo da pintura e os artistas vacuos, e faino poñendo en boca do mesmísimo Francisco de Goya un par de peroratas demoedoras: 
"-Pero, ¿ cómo puede decir eso, si fueron ustedes siempre los grandes maniqueos y fariseos astutos ? Si, sí, venerable censor y lacayo. Fue toda esa mayoría de críticos, filósofos y teóricos, esos mismos sicarios al servicio ideológico de la sociedad capitalista, quienes en su metamorfosis mintieron y seguirán mintiendo ante la historia. Pues, si fue bien cierto que ese realismo socialista fue una basura, no lo fueron menos los movimientos que ocultaron y manipularon lo que ustedes estuvieron siempre glorificando en el siglo XX, desde el futurismo fascista al primer expresionismo, en el que figuraban muchos militantes nazis como Munch y los de la Bauhaus con Gropius a la cabeza. 
  ¿ Por qué ocultaron ustedes que hasta el mismo Kandinsky firmó manifiestos en París a favor de ese pintorzuelo llamado Adolfo Hitler ? ¿ Y qué me dice de ese prestidigitador y gran profeta de los resentidos, ese mediocre pintor y gran emperador de los teóricos que llamaban Marcel Duchamp, que con su objetualismo, con su Read-made degradó el arte para convertirlo en clónicos objetos escatológicos industriales en beneficio de toda esa plusvalía depredadora del arte del negocio ? Mas, sigamos con sus amigos ideólogos, los grandes apologistas de la sociedad de consumo como ese nuevo redentor del neocapitalismo, ese gran estratega del marketing, ese diosecillo del Pop-art y de la subcultura llamado Andy Warhol, el milpelucas exaltador de los mitos de la cultura capitalista." 

ou dándolle voz a unha personaxe da Extracción da pedra da tolemia de O Bosco: "(...) fíjese bien en El jardín de las delicias.

EL BOSCO: "El jardín de las delicias", 1480-1490
Le aseguro que ahí está toda la cosmovisión del mundo, todo el jeroglífico filosófico que estuvieron buscando ustedes, los teóricos tautológicos e invidentes, así como tantos críticos conceptuales y objetuales desde el suprematismo al Art Autre y, como no, los del concretismo a Fluxus. Esos infinitos pedantes son los mismos estrategas que en el pasado siglo XX, agrupados en mafias culturalistas y en nombre de la categoría del rechazo, sin duda provocado también por el ávido mercantilismo del arte, quisieron asesinar la realidad empírica y objetiva, degradándola burdamente a una representación mimética para monopolizar las formas inconmensurables de la belleza tan sólo con la clónica dimensión abstracta y decorativa. La decadencia creativa de la última mitad del siglo XX fue originada por ustedes con su reduccionismo estético, glorificando lo insignificante para silenciar lo trascendente en el arte." 


e consegue un relato absorbente, barroco e plástico. 
Xaime Quessada é outro deses pintores que escribe co pincel ou escritor que pinta coas palabras. " La prosa de Quessada, dixo Darío Villanueva, rezuma pintura. Tanto en un plano puramente estilístico como en el semántico, por los temas o asuntos que toca. Su adjetivación actúa como pinceladas desde su misma primera página ..." 
UNA NOCHE EN EL MUSEO DEL PRADO é un espléndido festín que podemos coroar xogando ás adiviñas cos nomes que aboian ó longo do conto: Ángela Piastras de Aizpuro, Rosamunda Gestión de Baeza, Marilyn del Corral, Maximiliano del Bozal, ...

XAIME QUESSADA PORTO, LA PASIÓN POR EL ARTE I

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"Polo Miño", 1957
“Quessada Porto, un pintor verdadeiro, diantedo que se poden acendertódalaschamas do amor e do odio e tódolossentimentos, menos as frases e os paralelismos. A terrible metafísica do ser foille desvelada para semprepolassoidades da néboae dos soles ourensánsmáisalá da paisaxe”. RAMÓN OTERO PEDRAYO


“La pintura es una ventana abierta al mundo” 
Xaime Quessada

PRIMERAS OBRAS: ENTRE 1950 Y 1970
La obra pictórica de Quessada es enorme. Sorprende su capacidad creativa. Haré dos o tres entradas para mostrar las distintas etapas por las que pasó su obra.  Abarca distintas corrientes artísticas, desde el impresionismo, el arte abstracto, el figurativismo o el expresionismo. Es discípulo reconocido por Picasso. Investiga en las diversas vanguardias artísticas sin olvidar los conceptos más clásicos del arte.
"Todo aquilo que parece modernidade, para minnon o é. Desta forma eu considéromeun artista multiforme. Para min os dous maiores pintores multiformes de todos os tempos foronGoya e Picasso. Considéromeun discípulo destes dous singulares artistas, pero non só destes dous...". Xaime Quessada.
"Aos 14 anos coñecin a Picasso e cambioume a vida. É un xenio. Eu definoo como o gran desertor porque cada día fai unha creación. O importante é que o home domine os estilos e non ao revés." X. Quessada
La influencia de Picasso tanto en las formas y colores como en el tema es muy clara. El propio Picasso llegó a afirmar:
"¡Venid, venid y ved!, por fin tengo un auténtico discípulo en España...PABLO PICASSO (Notre Dame de Vie, 1967. Francia)
"Arlequines", 1960
"Nai pobre", 1963
"Estío", 1960
Aínda que teña 22 anos este pintor, o seucadro“Estío” seguirá exposto entre os grandes da pintura española do século XX”. CHUECA GOITIA, 1961
"A pombiña", 1963

"A ceguiña", 1963

"Cabeza de Chus", 1966


 "El dictador", 1962
“De esquerda a dereita, coma na lectura dun verso localizado dentro da súa tradición; desde a violencia do trazo ata o etéreo dos corposque se disolvensen vida, ata a total permeabilidade da morte.. Transparencia da tea, pero tamén dos ollos que perderon, como o resto da figura, a harmonía, planetas desorbitados que aceptan o seusenrumbonaestraña violencia da duplicidade repetida no xogo cruel dos espellos. Un home abraza a súa amada xacente: o Amor sería o primeiro plano a pesar de que a morte confunde o vivo cooutro, a pesar de que o Amor o era, éo, impulso cara á sabedoría. Unha patética naialeita, nunaceno ritual, o seufillo: o feitosacralízasena precisión das ausencias. Coma o simulacro de bailarina –a mullernos brazos do amado, triste arlequín, o home- a naiignora se será posible continuar tralaescena múltiple narrada en tres espacios pero nasincronía dos tres tempos.
(…) Destacando sobre o demais, o touro, o Minotauro centro os pés do cal transcorre atemporal a barbarie: o crucuficado.”

Mª FERNANDA SANTIAGO BOLAÑOS: “Contemplo “O dictador”, e pensona“arte comprometida” (artículo en “Quessada. Arte e compromiso”)
 Se adentra también en el EXPRESIONISMO  

"Genocidio", 1964

"Holocausto", 1968













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PAISAJES Y ABSTRACCIÓN

Estas fermosas e turbadoras paisaxes son tan exquisitas que parecen estar pintadas con po de ás de bolboretas”. EDUARDO BLANCO AMOR,1974
"Paisaxe telúrico", 1960

Ya en esta primera etapa de su obra se adentra en la pintura abstracta. A pesar de su compromiso con la realidad no huye de las últimas tendencias. Nunca dejó de experimentar nuevas formas de expresión y de reinterpretar a los grandes maestros.
"Grises", 1961
 "Abstracción en rojos", 1958

"Materia", 1961
“Siendo siempre él mismo, poseía una de las personalidades más vigorosas y polifacéticas que puedan imaginarse. Era tal su versatilidad que, gracias a él, recreamos la pintura flamenca, el muralismo mexicano, el Renacimiento, el surrealismo, la pasión de Goya, el realismo mágico, el naif, el pop-art y el pop-ficción, el constructivismo, la figuración esquemática, el minimalismo o el informalismo. DARÍO VILLANUEVA: Xaime Quessada, ciudadano de la cultura.


XAIME QUESSADA PORTO: ARTE Y COMPROMISO

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"TORTURA POP-AMERICANA", 1968

En la pintura de Quessada además de apreciar una enorme variedad estilística, con numerosas referencias a grandes maestros de la Historia del Arte, se advierte un recorrido temático que va del lirismo al dramatismo más absoluto, de la complacencia en la belleza a la crudeza de unas imágenes que denuncian la crueldad del poder.
El artista llegó a implicarse en la política. Quessada fundó junto a MendezFerrín y Celso Emilio Ferreiro la Unión do Pobo Galego de Ourense. En 1968, abandonó la U.P.G. para ingresar en el Partido Comunista de Galicia. A la muerte de Franco, abandonó también el P.C. 

 "Terrorismo de estado",  2002
El arte como testimonio de la Historia
"Un día, sendo moi novo, e logo de abri-los ollos á realidade do mundo, o artista comprendeu que non podía ser un mero esteta, con ser tanto esa posibilidade, e decidiu loitar contra a inxustiza coa arma que posuía: o seu talento plástico. O esforzo, por intenso e continuado, é case que inabarcable. Os resultados, estarrecedores. De aí que a súa obra sexa referencia obrigada na historia sociopolítica contemporánea, tanto como da concreta da pintura. El é o que o pintor decidiu ser, ademáis de artista, algo para el irrenunciable, un home do seu tempo, namorado da liberdade, inimigo acérrimo da inxustiza, paladín da dignidade humana, por riba dos credos, sistemas, relixións.
Francisco Pablos. Catálogo, 1997-2000

"Palestina", 2002
Aunque muchas de sus obras tienen un claro sentido de denuncia política, el considera que por encima de todo reivindica la justicia y afirma:


Forma y contenido




“…Quessada responde ó retrato robot do artista que ó final do milenio segue a ser consciente da orixe das súascadeas e de tódalasmaneiras posibles de relativizalas, no país que acuñou o berro ¡Vivan as cadeas! Benvida sobre todo agora, ante a tentación rexeracionista do máis casposo retrogadismo, unha exposición que restablece a periódica necesidade de recuestiona-lo todo síndrome das cadeas”. MANUEL  VÁZQUEZ  MONTALBÁN, 2000 (Catálogo de la exposición en Barcelona: “Arte y compromiso”) 
La imagen frente al franquismo



Goya, Picasso o Bacon son clara referencia en la tendencia beligerante y comprometida de muchas de sus obras.

Durante la dictadura estuvo varias veces en prisiónen 1968 fue procesado por injurias al General Franco y al Tribunal de Orden Público (T.O.P.), siendo encerrado en Carabanchel.
"Los sótanos de la Gobernación", 1968


"A bandeira", 1969
"Protesta", 1976
Por los derechos humanos
Temas dramáticos relacionados con la pena de muerte y la tortura. Muestran la impotencia y el dolor del ser humano. Las figuras son anónimas, sufren, están solas, hundidas física y espiritualmente.





"Fundamentalismo islámico", 2002
Llega la democracia
En 1977 se celebran las primeras elecciones democráticas tras cuarenta años de dictadura. Comienza entonces la propaganda electoral. Quessada se implica de nuevo en la política y realiza una serie de carteles para el P.C. con un fuerte carácter simbólico.

Ya en democracia continua creando una serie de murales en los que se advierte su preocupación por el ser humano.




CIUDADES CON NOMBRE PROPIO

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OSKAR KOKOSCHKA: "Londres, vista del Támesis ", 1959
Más allá de la representación genérica de la ciudad, la creación artística se detiene en muchas de ellas que, a lo largo del tiempo, han adquirido una personalidad propia. Así son retratadas, poetizadas, fotografiadas o cantadas como si fueran un ser vivo con sus gestos, sus formas y su peculiar lenguaje.
Retratadas, poetizadas...
Dresde, Londres, Venecia, Madrid… Los retratos de ciudades forman un importante capítulo de la obra del pintor expresionista Oskar Kokoschka. Fue el único artista capaz de renovar en la edad contemporánea la experiencia de Canaletto, Guardi y Bellotto.
OSKAR KOKOSCHKA: "Dresde"
Boccioni, antes de convertirse en el impulsor del movimiento futurista, realizó parte de sus obras siguiendo la tendencia divisionista. Interesado por la vida moderna surgida con la industrialización, la temática urbana será uno de sus temas preferidos. En el caso de la pintura del Gran Canal, se aprecia la quietud y serenidad que desaparecerá en sus obras futuristas, en que el dinamismo será esencial.

BOCCIONI: Gran Canal", 1907
EDUARDO ÚRCULO: "Nueva York"

EDUARDO ÚRCULO: "Sky line. La gran tentación.", 1988

SALVADOR MONTÓ: "Nueva York"
La obra del pintor valenciano Salvador Montó se puede englobar dentro de la neofiguración, y se caracteriza por una pintura que juega entre el realismo y las manchas de color.

De lo genérico a lo particular: 
un ensayo sobre la ciudad


El pintor Ricardo Galán Urréjola refleja el mundo urbano con enorme sensibilidad. Funde la realidad con la pincelada expresionista. Las manchas de colores tenues muestran la ciudad solitaria, en penumbra. Londres y Madrid son sus protagonistas más frecuentes.
RICARDO GALÁN URRÉJOLA: "Vista sobre el Támesis"
Ricardo Galán Urréjola "Torre del Círculo iluminada"

Ricardo Galán Urréjola: "Así vi la Gran Vía"
ANTONIO LÓPEZ: "Gran Vía"

La ciudad: un organismo vivo
        
Metropolis by Rob Carter - Last 3 minutes from Rob Carter
You've Got to Love London from Alex Silver on Vimeo.
En la fotografía
HINE:Old Timer Keeping up with Boys, Empire State Building,1930



 
                                  Benedek Gabor,  BuranoIV y Venecia

ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO: BRUNELLESCHI

JACK VETTRIANO: LA OBRA ABIERTA

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"Mad-Dogs", 1992
"El artista y la modelo", 1998 
Jack Vettriano es un pintor escocés nacido en 1951. Se crió en la ciudad costera de Methil, File, Escocia. Dejó la escuela a los 16 años para convertirse en aprendiz de ingeniero de minas. De formación autodidacta, no empezó a pintar hasta la década de 1970, cuando una amiga le compró un conjunto de acuarelas por su 21 cumpleaños. Sus primeras pinturas, con el nombre de Jack Hoggan, eran copias o pastiches de las pinturas impresionistas. El pintor pasó de los 25 a los 39 años copiando a El Greco, Dalí, los impresionistas o cualquier gran nombre del arte que se le pusiera por delante.
"Copiaba a otros hasta que caí en la cuenta de que, al hacerlo, me estaba enseñando a mí mismo, no tengo reparo alguno en confesar que soy autodidacta y que durante años combinaba el arte con trabajos de todo tipo“ Jack Vettriano
En 1988, había comenzado a desarrollar su estilo, inspirado libremente en el cine negro. Su método de  pintura siempre comienza a partir de una fotografía.
Desde el punto de vista técnico quizá sea la luz con sus contrastes y el color lo que más llama la atención. Las composiciones son equilibradas y comprensibles.
 "Right Time, Right Place", 1993
"Bañistas narcisistas", 1992
Rechazado por la crítica y adorado por sus fans. Su obra”El mayordomo cantante”,1992, se vendió en una subasta en Sotheby's en 2004 por £ 744.800 

”El mayordomo cantante”,1992
Más de dos millones de carteles y tres millones de naipes que presentan las pinturas de Vettriano se han vendido por todo el mundo. En los últimos veinte años, el interés por el trabajo de Vettriano ha crecido de forma constante. Ha habido exposiciones individuales en Edimburgo, Londres, Hong Kong y Nueva York.


En febrero del 2009, Vettriano lanzó su propia editorial Heartbreak Publishing, para publicar y distribuir el trabajo de otros artistas y sus propias obras publicadas directamente para sus fans y coleccionistas. "Hay pocos artistas que controlan comercialmente su obra; todos mis ingresos van a una fundación, el día que muera se gastarán en becas para estudiantes necesitados", explica. Le importa el papel de los intermediarios, que otros hagan dinero con su trabajo. Sin embargo, zanja así la conversación: "Sé que ahora mismo, en China o en Tailandia están copiando mis cuadros, eso me da igual, si te plagian es porque gustas. En Nueva York vi la copia de uno de mis cuadros; se vendía por cien dólares". PÚBLICO


“Tension, Timing, Triumph”, 2008

“Tension, Timing, Triumph”, 2008
En 2009, el Yacht Club de Mónaco le encargó una serie de pinturas para conmemorar el centenario del yate de fama mundial, Tuiga. 
"Masthead", 2009
"Debajo de la Cubierta", 2009
"Luz del sol y Champán II", 2009


Cada obra tiene su leit motiv, son canciones de rock, arias de ópera y jazz, como en el caso de la ambientada en el Yacht Club de Mónaco en un velero de época, con tanto gramófono traído a bordo tocando las notas del boogie woogie Train Bleu. 
"El peso", 2010 (autorretrato)
En diciembre de 2011, Vettriano realiza un autorretrato,“El peso”, para la exhibición en la Galería Nacional de Retratos de Escocia en Edimburgo, cuando se volvió a abrir después de su remodelación.
"Las llamadas de la noche", 2010
La narración
Sus obras son como momentos atrapados en el tiempo. Escenas de elegantes hombres y mujeres en tránsito, que se insinúan. Invitan al espectador a completar la narración. 
"De vuelta a casa", 1996
"En mis pinturas quiero mostrar el momento en que todo queda por suceder." 
Al igual que en las pinturas de Edward Hopper, el relato siempre se concentra en unos pocos detalles reveladores. Sus cuadros cuentan la historia de una pasión inminente. El artista prefiere hacer hincapié en los primeros momentos del encuentro, dejando la historia en suspenso, para estimular al espectador.
"Mi trabajo se basa principalmente en la narrativa para permitir al espectador  componer sus propios escenarios, tal vez más personales.”

¿Sabor hopperiano?
La crítica de arte no ha sido muy favorable con Vettriano por su sabor retro, hopperiano.
La réplica de Vettriano no se hizo esperar:
"El modista Devoto II", 2010
"Los inocentes", 1993
"Es cierto, no traigo ninguna innovación en el lenguaje pictórico. Además, no tengo ningún deseo de ser "contemporáneo", la pintura debe ser un gesto con el corazón intacto, y es muy agradable ser seguido por la audiencia. 
Agradezco especialmente a la italiana: el amor a la sensualidad de la pintura ", 
Y si el reproche es seguir las huellas del pintor estadounidense Hopper, dice, 

"Elegía por el almirante muerto", 1994
“esto es una maravillosa coincidencia, pero he descubierto mucho tiempo después de “El mayordomo cantante” su pintura. 
En la obra de Hopper domina la desesperación del sentimiento, la soledad. Aunque en mis pinturas no hay felicidad, los hombres y mujeres tienen relaciones sexuales y viven una pasión desesperada ". Jack Vettriano

Vettriano representa el eterno tema de las emociones, el erotismo, la compleja relación entre el hombre y la mujer, haciendo que cada imagen pintada sea como un fotograma de una película, silencioso. Los protagonistas no hablan. "Mis pinturas son una cuestión de interpretación, de literatura, moda y música. “ J.V.

Los escenarios
Barras de bar y clubes, playa e hipódromos, salas de baile y dormitorios.
"The Twilight Zone", 1995 
Las mujeres de Vettriano
"Mujer de azul y negro", 2010
La misteriosa, seductora, bella, lánguida, apasionada y poderosa. La mujer ha sido la protagonista de muchas de sus obras más populares. Ya sea descansando en una playa, recostada en un bar o bailando.
"Sólo el más profundo rojo II", 2010
"La seductora", 2006
“Siempre he buscado la compañía de las mujeres sobre la de los hombres. Esto no es una tarea puramente sexual, como compañeras, poseen una serie de cualidades que superan con creces las de un simple hombre.
En la elección de las pinturas de “Women In Love”, he evitado deliberadamente mis mujeres fatales y su comportamiento manipulador. He elegido aquellas pinturas que creo que el mejor ejemplo de mi definición del amor y contienen los aspectos de las mujeres que me atraen” Jack Vettriano
"Días de vino y rosas II", 2010
"Días de café", 1995
"Morning News", 2010
"Morning News", 2010
"Baby, bye bye II", 2004
La imagen masculina
Representados en un contexto de bares, discotecas, pistas de carreras y dormitorios, los hombres son a menudo misteriosos, de aspecto duro y en ocasiones vulnerables. 
La pasión, los encuentros secretos y el hedonismo, donde los hombres apuestan fuerte en la persecución de los sueños.


"Incidente en el Paseo", 1992
"Una prueba de amor verdadero", 1992
"Autorretrato después de Swannell", 2004
Pintura y jazz

Paul Desmond (San Francisco, 1924 – Nueva York 1977) tampoco gozó en vida de los elogios de los articulistas especializados, aunque con el paso del tiempo se le ha ido haciendo justicia. Lo mismo que ocurre con Vettriano, el arte de Desmond es fácilmente asimilable por cualquier tipo de público que tenga un mínimo de sensibilidad o cultura artística, entre otras cosas porque en su modo de expresión prima el aspecto narrativo y comunicativo por encima de cualquier otra consideración estética. Los trabajos de ambos, creo yo, comparten un halo de glamour, de cierto misterio, de claro romanticismo y de turbia sensualidad. "Cosijazz mías"
The Singing Butler
Jack Vettriano ha realizado también numerosas colaboraciones, como el cameo realizado para el vídeo de la banda escocesa indie TheSinging Butler realizado por la BBC Escocesa. El vídeo fue filmado en Portobello Beach, en Edimburgo, e incluye referencias visuales a dos famosas pinturas de Vettriano: Elegyfor a DeadAdmiral y TheSinging Butler. La letra de la canción escrita por el miembro de la banda Grant Campell, refleja el estado de ánimo nostálgico al estar lejos de Rotterdam mientras ve las pinturas de Vettriano en la pared de un pub. El pintor se convertirá en un fan de la banda después de escuchar el primer álbum, y se inspirará en la canción Goodbye Jack Vettriano para crear una pintura que servirá de portada para su segundo disco.

En portada
"Billy Boys", 1994

"Valentinerose"

RAFAEL MONEO: DIÁLOGO CON LA HISTORIA

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                     PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS DE LAS ARTES


BIOGRAFÍA
Rafael Moneo Vallés es uno de los representantes más notables de la arquitectura española contemporánea. Nació en Tudela, Navarra, en 1937. Cursó sus estudios en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y colaboró en varios proyectos con Francisco Javier Sáenz de Oiza. Cuando obtuvo el título de arquitecto, trabajó con Jorn Utzon en Hellebaek (Dinamarca), el autor del famoso edificio de la Ópera de Sydney.
La concesión de una beca le permitió estudiar durante dos años en la Academia Española en Roma (1963-1965).
Durante 5 años se instala en Madrid dondecomienza su carrera en el mundodelartecontemporáneocomoarquitecto y comoprofesor en la Escuela de Arquitectura.
De 1970 a 1980, vive en Barcelona dondeabre su estudio de arquitectura.  Cuando regresa a Madrid ya es aclamadointernacionalmentepor sus modernosdiseños y ha sidoinvitado a dar cursos en las grandes universidades de Europa y EstadosUnidos.


Ex-decano de la Universidad de Harvard, ha sido ganador de diversos premios:


SU ESTILO
Museo de Arte Romano de Mérida, 1986
Aunque Moneo ha rechazado definir su propio estilo arquitectónico, en su obra aúna la tradición nórdica, posiblemente por influencia de Jorn Utzon y la grecolatina, la vanguardia y el clasicismo.
Su interés por la ciudad le lleva a realizar una arquitectura que enlace con el pasado, con el contexto urbano en que se encuadra. En este sentido se deduce que busca la armonía frente al contraste, intenta dar una visión personal de la edificación pero respetando el valor de las obras antiguas que han ido conformando la ciudad.En sus edificios se aprecian referencias de los grandes maestros de la historia de la arquitectura.
“Lo hermoso del trabajo del arquitecto es la capacidad de despojarse por completo de su obra. El arquitecto transfiere a su edificio una condición instrumental, de uso. 
(…) Creo que la grandeza de la arquitectura es la capacidad de dotar de vida propia a aquello que se construye”. Rafaeo Moneo
La arquitectura dialoga con la Historia...                                 Edificio Bankinter en Madrid
Ampliación de la sede principal de Bankinter, Paseo de la Castellana (Madrid),1972-1976 

"Quizá la más destacada de las constantes de mi trabajo sea la importancia que tiene el pensar que los edificios no son episodios aislados y que siempre viven en un marco más amplio que hay que tener en cuenta“ Rafael Moneo
“Esta obra, realizada junto a Ramón Bescós, ha de resolver el difícil encaje entre el protegido palacete decimonónico el Paseo de la Castellana y los edificios de vivienda posteriores con sus servidumbres obligadas. Moneo resuelve el problema con extraordinaria sencillez, con su acostumbrada lectura y respeto por el contexto urbano, al no abrumar a ninguna de estas dos construcciones, es más, da continuidad y dignidad a las viviendas posteriores respetando la altura y las hileras de balcones y ventanas, y recrea un muro-telón de fondo para el palacete principal. La sutileza con la que el edificio se dobla y se abre en su cara posterior, visible desde la calle del Marqués de Riscal, es un gesto preciosista que resume parte del carácter constructivo de Moneo, alejado desde siempre de la arquitectura espectacular y singular, para preferir "hacer ciudad". El Paseo de la Castellana en la web: http://www.madrimasd.org
Museo de Arte Romano de Mérida 

El Museo de Arte Romano de Mérida (1986) es un claro ejemplo de este modo de entender la arquitectura. Moneo quiso, desde el principio, crear un marco arquitectónico que compartiera su carácter con los objetos expuestos allí. 


Para ello da a su obra una atmósfera de romanidad eligiendo un modelo de edificación que recuerda a las basílicas romanas y un sistema constructivo también romano basado en los materiales clásicos: ladrillo y argamasa.

Estación de Atocha
Interior de la Estación de Atocha
Ampliación del Museo del Prado
La fórmula de ampliación ingeniada por Moneo propone, respetando el antiguo edificio, su entorno y las arquitecturas colindantes (la Iglesia de los Jerónimos y la Academia Española), unir el Museo con un complejo formado por una construcción de nueva planta y el Claustro restaurado de los Jerónimos.
Ampliación del Museo del Prado (Madrid), 2007

Gráfico interactivo                                  
Restauración del claustro de los Jerónimos, 2007

...con el vidrio
Además de la piedra y el ladrillo, el vidrio también está incorporado a su edificación. Así afirma:
“Tengo claro que el material del fin del siglo XX es el vidrio, porque es el que se ha adaptado mejor a lo que son las técnicas modernas de construcción que están ligadas al montaje".Rafael Moneo
Biblioteca de la Universidad de Deusto




Hospital Materno infantil Gregorio Marañon, Madrid



Estación de Atocha, terminal del AVE


L’Auditori, sala de conciertos y escuela de música de Barcelona, 1999



(…) Por mucho que se denigre, la ventana sigue siendo un elemento propio de los espacios en los que el hombre se ha sentido cómodo y sospecho que en el futuro se seguirá sintiendo cómodo. En el fondo esta dualidad de los edificios entre exterior e interior, encuentra su límite y frontera en la ventana y no me asusta el que mucha de mi arquitectura tenga que resolverse en un elemento tan tradicional y no recurra a visiones más abstractas de las figuras volumétricas”. Rafael Moneo

...y con la luz 
Kuursal (San Sebastián), 1999



"La arquitectura contribuye a que una ciudad se mantenga viva". "Quien quiera analizar la transformación social de España en las últimas décadas tendrá que estudiar cómo la arquitectura ha ido evolucionando al ritmo de la sociedad", Rafael Moneo

Iglesia de Riberas de Loiola (San Sebastián), 2010

"La luz filtrada a través del alabastro crea una atmósfera luminosa, difusa y envolvente, en la que flota lo construido, confiando en hacernos vivir una experiencia del espacio próxima a la que hay en algunas iglesias bizantinas". Rafael Moneo
Geometría y volumen

Sus edificios a menudo comprenden líneas rectas que se alargan en paralelo y forman una especie de enrejado. Sus conocimientos académicos y su creatividad se mezclan para crear edificios basados esencialmente en el grafismo.
Centro comercial L’illa Diagonal, 1993





LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS: AUGUST MACKE

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"La joven de la chaqueta amarilla", 1913
August Macke. Autorretrato, 1906
En un pueblo del valle del Rhin, en Meschede, región de Westfalia, nace, en 1887, un artista cuya vida creativa será breve debido a su muerte temprana en 1914, en el frente de batalla, durante la Primera Guerra Mundial. Se trata deAUGUST MACKE. Interesado por la pintura, estudia en Bonn en la Academia de Bellas Artes y en Düsseldorf en la Escuela de Artes y Oficios. Su vida transcurre en Bonn y ocasionalmente en el Lago de Thun, en Suiza. También realiza algunos viajes a París, Italia, Holanda y Túnez. 
Todos ellos marcarán su actividad artística  al tomar contacto con pintores de la talla de CezanneMatisse y Robert Delaunay en París en los primeros años del siglo XX. En 1910, a través de su amigo Franz Marc, conoce a Kandinsky y durante una época compartió la estética no-objetiva y los intereses simbólicos y místicos del movimiento expresionista Der Blaue Reiter ("El Jinete Azul").
La única obra expresionista concebida desde postulados más abstractos fue "La tormenta" realizada en 1911 y reproducida en el catálogo de la primera exposición del grupo Der Blaue Reiter: 
"La tormenta", 1911
Macke, frente a los demás artistas del grupo,  planteó la fusión entre forma y color en términos más plásticos que espirituales. 
El contexto histórico
Entre las últimas décadas  del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. El contexto histórico en que vivió Auguste Macke fue un período especialmente innovador del arte alemán con el desarrollo del Expresionismo y la llegada de los sucesivos movimientos de vanguardia que estaban apareciendo en el resto de Europa.

¿Cómo es su pintura? 
Pintura tranquila, amable, alejada de rasgo alguno de agresividad y tensiones propiciada por su espíritu optimista. Sin prescindir nunca de la figuración, salvo en alguna ocasión excepcional, sus creaciones se basaron en la materialización de acciones estrictamente cotidianas a partir de las cuales logró la definición de un estilo propio. La fuerza del color es vital en su obra. El artista afirmaba: "Lo que más valoro es la observación del movimiento de los colores" 
Las obras de Macke son una síntesis de todas las referencias asimiladas e interpretadas desde una óptica subjetiva y personal. 
Tras unos primeros cuadros de corte impresionista y postimpresionista, integró en su pintura aquellos aspectos que más le interesaban de las vanguardias:













"Naturaleza muerta con begonia, manzanas y pera en agosto"
EL FAUVISMO a partir de la obra de Matisse que conoció en París en 1910. Las palabras de Matisse sintetizan el objetivo de este movimiento que consiste en "trasponer los sentimientos en forma de color"
"Retrato de su esposa con sombrero", 1909
"Casa de Staudach en Tegernsee.", 1910
Como afirma Hauser, los grandes maestros independientes desde un principio frente a sus predecesores…“los jóvenes titanes y rebeldes, los precoces y autodidactas, se expresan primeramente en el lenguaje formal de la vieja generación. Esencial y decisivo para el papel de la convención en la historia del arte es que también la oposición tiene que servirse de los medios de expresión de las direcciones que combate para llegar a la formulación de sus objetivos e ideales.”
También Macke comienza su incursión en el arte mirando hacia atrás, evocando la obra de impresionistas, postimpresionistas y fauvistas. Incluso un puntillista como Seurat y  su obra "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte" le inspira en sus cuadros expresionistas de paseos por el parque.












"Dama con chaqueta verde", 1913
EL EXPRESIONISMO ALEMÁN:en 1911 fundó, en Munich, junto a Franz Marc, Klee, Kandinsky y Alexey von Jawlensky, la asociación expresionista Der BlaueReiter ("El jinete azul“) , grupo que celebró la primera exposición ese mismo año.
Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera.
La  meta de esta pintura es"hacer vibrar la secreta esencia de la realidad en el alma, actuar sobre ella con la pura y misteriosa fuerza del color liberado de la figuración naturalista"Marío de MicheliLas vanguardias artísticas del siglo XX
"Húsares al galope", 1913 
“Húsares al galope” nos muestra el fuerte impacto de la simultaneidad futurista en la pintura de AugustMacke. 
La imagen de jinetes en acción era un motivo especialmente apreciado por los futuristas, que en su manifiesto se referían al galope de los caballos con las siguientes palabras: «Por culpa de la persistencia de la imagen en la retina, las cosas en movimiento se multiplican, se deforman, sucediéndose, como si de vibraciones se tratara, en el espacio que recorren. Así, un caballo a la carrera no tiene cuatro patas, sino veinte patas, y sus movimientos son triangulares.» MUSEO THYSSEN
Aunque participó en las exposiciones de “El jinete azul”, Macke se mostró distante y opuesto a los planteamientos y supuestos teóricos y especulativos que manifestaban sus compañeros. 
El expresionismo perseguía hacer emerger la realidad interior, aunque para ello hubiese que deformar hasta el extremo la fachada externa.
Macke se aleja del dramatismo que la época convulsa del primer tercio del siglo XX  imprimió en la obra de los demás artistas expresionistas. Así podemos observar en el cuadro "Muchachas bajo los árboles" el tono alegre y distendido de una escena cotidiana.








Para Macke, la materialización de las emociones, la exteriorización íntima de sentimientos debía realizarse a través de la concreción de imágenes tomadas del mundo material, visible, cotidiano, El hombre expresa su vida en formas. Cada forma artística es la expresión de su vida interior.“Los sentidos son nuestro puente entre lo incomprensible y lo comprensible”.
"Gente que se encuentra"
"Camino soleado", 1913
"Muchacha con peces en un recipiente de cristal", 1914









La abstracción: "Formas coloreadas I-II-III", 1913
EL CUBISMO CROMÁTICO:el encuentro de Macke con Robert Delaunay en París en 1912, supuso una revelación para él hasta el punto de asimilar en su pintura los principios del Cubismo cromático -Orfismo- del artista francés. Así sus ”Escaparates de Tiendas” pueden ser considerados una interpretación personal de las ”Ventanas” de Delaunay, combinadas con las imágenes futuristas que vio en Italia. 
"Sombrerería", 1914

"Tienda de modas", 1913

































TÚNEZ, EL COLOR Y LA LUZ
En su etapa final muestra una serie de acuarelas en las que al color, protagonista en sus obras, se une la luz  del norte africano, del  ambiente exótico de Túnez que tanto le atrajo cuando lo visitó con Paul Klee en 1914. Ambiente en que se mueven unos personajes anónimos cuyo rostro se reduce a una simple mancha de color. Formas muy simples con volúmenes básicos.
"Kairuan III", 1914
 “El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre… el color y yo somos una sola cosa. Soy pintor”. Auguste Macke
"En el bazar", 1914
"El Café Turco", 1914
"Vista de una calle", 1914


"Mercado en Argel", 1914
El estallido de la Gran Guerra pareció dar un final brutal a lo que era en ese momento el movimiento de vanguardia más importante de Alemania, pero su influencia continuó imparable e inspiró a generaciones enteras de artistas internacionales a crear utopías similares.
“El pueblo de Alemania, embriagado por las ideas de victoria, no sospecha lo terrible que es la guerra”. AugustMacke.
De hecho la carrera de Macke fue interrumpida bruscamente por su temprana muerte en 1914, en el frente de batalla. Entre sus últimos cuadros se encuentra esta escena en los andenes de una estación antes de la salida del tren que llevará las tropas a pelear.
"Despedida", 1914
Lo llamativo y meritorio es observar cómo los cambios de estilo del artista se producen en una vida tan corta (vivió 26 años) y cómo logró crear un arte tan personal que uno, al contemplar una gran parte de su obra, pueda reconocerla como “un Macke”.

ALEXANDER DEINEKA: REALISMO SOCIAL

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A lo largo de la historia del arte son muchos los momentos en que la creación artística se convierte en vehículo de propaganda política, religiosa, de exaltación de la personalidad individual o colectiva. Nos hallamos entonces ante numerosas situaciones en que el artista no es plenamente libre y tiene que adaptarse a las prescripciones marcadas por los grupos de presión dominantes en cada  época y lugar. Grandes artistas como Miguel Ángel o Velázquez tuvieron que someterse a las imposiciones de sus mecenas, la Iglesia o la monarquía absoluta.
De algún modo, los artistas geniales supieron dar forma a los encargos con tal maestría que sus obras trascendieron a toda imposición.
Más tarde, ya en el siglo XIX, cuando los creadores se fueron librando de las imposiciones de los poderes dominantes, de sus mecenas, se encontraron con un nuevo condicionante, el mercado, cuyo sentido de la estética estaba condicionado por las normas del arte académico. El arte tuvo que luchar por emprender caminos nuevos.
El siglo XX trajo aires de libertad al arte, surgen las vanguardias, se rompe toda huella del academicismo pasado y se buscan nuevas vías para la creación. Ya no vale la mímesis pictórica. La fotografía comenzó a ocupar el papel de representación de la realidad que durante siglos se reflejó a través de la pintura y la escultura.
Pero en algún lugar, el arte estaba predestinado para convertirse en fundamental instrumento de exaltación ideológica utilizando la fuerza de la imagen. Para ello era necesario volver al realismo.
"Interrogatorio de comunistas", 1933







1917: LA REVOLUCIÓN RUSA
La Revolución Rusa marcará una nueva orientación estética oficial a los artistas, unas directrices y unas limitaciones censoras cuya finalidad no era otra que crear un arte revolucionario paralelo al nuevo gobierno. El arte reflejará las conquistas de la clase trabajadora, los logros del Partido Comunista y los éxitos militares del ejército. Surge un movimiento pictórico que vuelve de nuevo su mirada a la realidad: el Realismo Socialista. Uno de sus máximos representantes fue ALEXANDER DEINEKA (1899-1969), artista que compartió los objetivos del Partido Comunista pero que consiguió dar a sus obras un sello personal y diferenciador.



"En los talleres nuevos", 1926


                                   "Defensa de Sebastopol", 1942
"Donbas", 1947

                                               "Soberanía del koljós", 1934
El Estado se hace el socio comanditario y único juez de las obras de arte. Alexandre Deineka resuelve el problema más importante del arte soviético de la época: elabora la imagen del "héroe colectivo". 
                                             "As derribado", 1945

EXPRESIONISMO AUSTRÍACO: EGON SCHIELE

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Referencias con la pintura de Klimt
KLIMT: Judith II,
Schiele siempreadmiró aKlimt. Esto supuso una reacción frente al dogmatismo de la formación académica. En lugar del dibujo naturalista del cuerpo y un estilo pictórico en perspectiva, fue adoptando progresivamente los principios creativos de Klimt: la acentuación de la superficie pictórica, sirviéndose tanto del hermoso carácter lineal del dibujo, como de la utilización de ornamentos en sustitución del espacio.
ParaKlimt la línea es siempre la que define el espacio de los cuerpos, incluso cuando en su belleza se independice, se vuelva melódica o rítmica estilizando las figuras. La línea de Schiele, sin embargo, se convierte en un instrumento autónomo de la interpretación; en cierto sentido es inmaterial y en su angulosidad oculta valores emocionales y expresivos. La línea de contorno en la obra de Klimt es fluida y suave, fija el cuerpo como un todo y los dibujos raras veces tienen el carácter de un esbozo. La línea en los dibujos de Schiele, por el contrario, parece frágil y forzada, a menudo es quebradiza, casi nunca recta o curva, se interrumpe y se acentúa o debilita según se acentúe un detalle permaneciendo siempre tan segura y magistral que hasta los críticos más escépticos no pudieron dejar de reconocer la genialidad de los dibujos del artista.
E. SHIELE: "Retrato de Gerti Schiele", 1909            "Muchacha de pie con tela de cuadros", 1910

Las teorías de Kandinsky sobre el valor psicológico de la línea sirvieron para entender la importancia que Schiele dio a la línea y al dibujo. Para Kandinsky los grados de los ángulos (agudo, recto y obtuso) son como la propia actividad artística: la agudeza y la actividad suprema de la visión, la frialdad y la moderación de la realización de la debilidad al terminar el trabajo.
EgonSchiele, junto con OskarKokoschka, es el pintor que ha ejercido la influencia más larga y duradera en el mundo artístico de Viena después de que la gran época de Klimtfinalizara. Tras un leve flirteo con el estilo de Klimt, Schiele cuestionó pronto la orientación estética de la bella superficie del Art Nouveau vienés con sus pinturas escabrosas y difícilmente accesibles. REINHARD STEINER: "SCHIELE"
El narcisismo de Egon Schiele
Autorretrato con la mano a la mejilla, 1910
"En los primeros autorretratos, realizados entre 1905 y 1907, se expresa en principio el deseo imperioso de compensar la pérdida sufrida por la muerte de su padre, que siempre había alabado sus dibujos, mediante una exaltación grandiosa y exhibicionista del propio yo. La temprana admisión en la Academia de Viena a la edad de dieciséis años tuvo que haber confirmado sin duda alguna su ego artístico; consciente de sí mismo, aparece a partir de entonces con la paleta y el aspecto de un dandy. Tras la "Fase Klimt", a partir de 1910, aumenta progresivamente la tensión de los autorretratos. Desde entonces hasta 1913 la mayoría de las representaciones se caracterizan por el exceso de valores expresivos que dificultan su comprensión como simples autorretratos. Estas representaciones niegan el perfil claro de un individuo que siempre es el mismo a pesar de la apariencia múltiple." REINHARD STEINER: "SCHIELE"
                                                                         Profetas (Autorretrato doble). 1911
La duplicidad
"El espejo se convierte en espejo deformante, el reflejo de su propia imagen en un alter ego, en otro yo extraño. Los rasgos dominantes de esta nueva fase, son la delgadez de la figura, las contorsiones virtuosas del cuerpo, una mímica entre estrafalaria y tétrica que no está dominada por ninguna regla comprensible de la afectividad, y un cabello corto y rebelde que se levanta como electrizado. La pose ante el espejo ha desarrollado progresivamente una dinámica propia enajenadora que se corresponde con una forma en el medio dibujo y la pintura, la cual se aparta del modelo natural, es decir de la reproducción en sentido realista.  
Al margen de toda influencia directa, muchos de sus cuadros y poemas están muy cercanos a las ideas de Nieztsche. Por ejemplo, aquellas ideas sobre el cuerpo que se formulan en un capitulo de "Así hablo Zaratustra»: "Hermano, detrás de tus pensamientos y sentimientos se encuentra un poderoso soberano, un sabio desconocido que se llama Yo Mismo. Vive en tu cuerpo y es tu cuerpo." A partir de 1910 el cuerpo desnudo va adquiriendo importancia progresiva como tema central en los autorretratos de Schiele

Con su desnudo se enfrenta de forma programática al encubrimiento ornamental del cuerpo en Gustav Klimt y los partidarios del Sezessionismo lo convierte eb la forma expresiva más consecuente del
autorretrato, no como exposición del cuerpo desnudo, sino como renuncia completa al propio yo. 


El abandono y el aislamiento del yo representado por el propio cuerpo, se corresponde con una supresión radical de toda alusión espacial. Schiele neutraliza el "fondo" mediante superficies monócromas que hacen que el cuerpo se vuelva inestable y los movimientos parezcan erupciones o sacudidas nerviosas. El contorno irregular y anguloso de la figura, cuya aparición resalta todavía más expresiva en contraposición a la superficie neutra, contribuye a alejar la representación del aspecto natural de la imagen del espejo y permite que sobre la superficie del cuerpo aparezcan rasgos expresivos. REINHARD STEINER: "SCHIELE"
La técnica
HeinrichBenesch  conocía la forma de trabajar y el virtuosismo del dibujo de Schiele por haberlo contemplado personalmente y los describió con énfasis:  "La belleza que Schiele nos regala en la forma y el color, nunca existió antes de él. Su dibujo era algo único. La seguridad de su mano era casi infalible. (…) Si alguna vez cometía un fallo, lo que ocurría raras veces, tiraba la hoja; no sabía lo que era una goma de borrar. Schiele creaba sus dibujos solo del natural. En esencia eran contornos que adquirían su plasticidad a través del color. Realizaba el coloreado siempre sin modelo y de memoria.  Schiele, antiacadémico por completo y radicalmente subjetivo, "inventa" ángulos visuales y perspectivas que desfiguran las figuras desde el punto de vista compositivo, mostrándolas contraídas y deformadas.
Autorretratos realizados entre 1910 y 1914
"No hay arte nuevo. Hay artistas nuevos. El artista nuevo tiene que ser completamente fiel a sí mismo, ser un creador, ser capaz de construir sus propios cimientos directamente y solo, sin apoyarse en el pasado o la tradición.... la fórmula es su antítesis." EGON SCHIELE
Una especie de ...¿"sacerdote del arte"? 
"Cuando me vea en mi totalidad, tendré que verme yo mismo, saber yo mismo qué es lo que quiero, no solo lo que me ocurre sino hasta dónde llega mi capacidad de ver, cuáles son mis instrumentos, cuáles son las sustancias misteriosas que me configuran y cuáles son las que predominan, que es lo que reconozco y lo qué hasta ahora he reconocido en mí mismo. Me veo evaporarme y expirar cada vez con más fuerza, las oscilaciones de mi luz astral se aceleran, se vuelven más repentinas, sencillas y similares a un gran reconocimiento del mundo. Así produzco a partir de mi mismo siempre más, siempre cosas más amplias, ilusiones eternas, siempre y cuando el amor, que lo es todo, me enriquezca de este modo y me conduzca allí donde instintivamente me siento atraído, lo que quiero arrancar de mí mismo para aportar otra vez algo nuevo, lo que he percibido a pesar de mí mismo."
“¡Reprimir al artista es un delito, es asesinar la vida cuando germina!”, 1912
"La verdad se ha desvelado", 1913
Autorretrato como San Sebastián (Cartel), 1914-1915
"Mi ser, mi descomposición, trasplantado a valores permanentes, tiene que producir mi fuerza en otros seres desarrollados o más desarrollados, más pronto o más tarde como una religión aparente. Los más avanzados me prestarán atención, los más alejados me mirarán y ¡los que me nieguen vivirán de mi hipnosis! Soy tan rico que me tengo que regalar a otros." EGON SCHIELE
Figuras femeninas



"Los desnudos femeninos de Schiele sugieren al espectador una situación íntima en la cual las figuras se comportan como si en realidad estuvieran solas y nadie las observara. Relajadas por completo y en poses placenteras, parecen abandonarse a sueños y fantasías eróticas. Precisamente por ello el espectador se convierte en voyeur: penetra en la esfera íntima de una persona, ve algo que no está dirigido a él y, no obstante, permanece como espectador secreto." REINHARD STEINER: "SCHIELE"

Imágenes simbólicas: Eros y thanatos
El amor, el erotismo, la soledad, la muerte y la maternidad son representadas simbólicamente por Schiele. Representaciones como “El abrazo”, “La familia”, “Madre e hijo”, "Agonía" “La embarazada y la muerte”, "La doncella y la muerte" muestran el mundo de sus obsesiones.
“El abrazo”, 1917

"Madre con dos niños", 1917
"Cardenal y monja", 1912

"La doncella y la muerte", 1911
"Agonía", 1912

"Vidente" (la muerte y un hombre), 1911

Alejarse de Viena
A Schiele la ciudad le ahogaba. El ambiente puritano de Viena, lleno de prejuicios morales, no encajaba con su libertad expresiva. Necesitaba alejarse de vez en cuando:
“Quiero paladear aguas oscuras y árboles que se quiebran, ver vientos salvajes; quiero mirar asombrado verjas mohosas, Como viven todos ellos, escuchar bosques jóvenes de abedules y las hojas tiritando, quiero ver luz y sol y disfrutar al atardecer de los húmedos valles de color azul verdoso. Sentir como brillan los peces dorados, ver como se forman las nubes blancas, quiero hablar con las flores. Ver con cariño los prados y las gentes sonrosadas, conocer iglesias antiguas y dignas y pequeñas catedrales, quiero correr sin parar por redondeadas colinas y amplias llanuras, quiero besar la tierra y oler las suaves y cálidas flores del musgo; después crearé con tanta hermosura: campos de colores. . .»
Schiele plasma una naturaleza casi de carácter antropomórfico: “Ahora observo sobre todo los movimientos corporales de las montañas, el agua, los árboles y las flores. Por todas partes le recuerdan a uno movimientos similares a los del cuerpo humano, sentimientos similares de alegrías y penas en las plantas.”
Tras la Gran Guerra, realizará una serie de cuadros de vistas urbanas y paisajes en que muestra un modelo de visión más sencillo.
"Ciudad a orillas del río Azul", 1910

"Paisaje en Krumau", 1916
"Stein on the Danube with Terraced Vineyards"
"Cuatro árboles",  1917













En hemeroteca
"Horas más tarde, cruzando la Ringstrasse frente a la mole de la Ópera, sorteando tranvías y bajo una ventisca de dimensiones bíblicas, uno se seguía haciendo preguntas, preguntas baladíes en torno a lo que somos y lo que decimos que somos, lo que pensamos y lo que en realidad decimos que pensamos, lo que deseamos y no somos capaces de revelar... y entonces volvían a aparecer, repetida, obsesivamente, los espejos atormentados de EgonSchiele, sus retratos y autorretratos de angustia y búsqueda, todo ese abanico de interrogantes que uno de los tipos menos clasificables de la historia del arte lanzó al aire en la efervescencia modernista de la Viena de principios del siglo XX. Alguien que hacía preguntas y, desde sus pinturas, trataba de responderlas. Sin rodeos.
Misión condenada al fracaso, horas después de contemplarlos, la de quitarse de la cabeza esos cuerpos dislocados y esas miradas alucinadas, esos pobres diablos desnudos y desafiantes, terribles, esos prohombres de la cultura o las finanzas sabedores de su poder, esos niños en escorzo que posan con ojos de gente mayor, esas mujeres tan plagadas de sexualidad pero tan tristes, esa desolación, toda esa negrura..." 
(...) Un pintor de culto y de trazo poderoso que, casi un siglo después de su muerte, cuenta con legiones de apasionados seguidores que rastrean y olisquean las páginas de sus biografías y de sus catálogos como si buscaran a uno de esos escasos autores que, con su existencia y sus creaciones, rompieron el molde e hicieron saltar en mil pedazos cualquier posibilidad de encasillamiento. 
Porque EgonSchiele se zambulló conscientemente, sí, en las aguas turbulentas del expresionismo, donde tras la bendición de Klimt abrazó la obra de otros artistas de la Secesión vienesa como su amigo Max Oppenheimer y OskarKokoschka
 "Él pensaba que para poder adentrarse a fondo en los entresijos del alma humana, tenía que conocer primero a la perfección la suya, y por eso se pintó a sí mismo tantas veces... Schiele sentía una gran ansiedad ante la vida, ante la sexualidad, ante los misterios del hombre, su vocación irrefrenable era la exploración de la psyche, y al mismo tiempo creía con mucha fe en la capacidad del arte de trascenderlo todo", explica Jane Kallir , máxima especialista mundial en la obra del artista 
Arrogante, orgulloso, melancólico, oscuro, triste, iracundo, solitario... así se muestra Schiele en sus autorretratos, donde parece presentarse a sí mismo como el emisario de otro mundo, como alguien que se ha asomado a algún lugar horrible y ha visto cosas que los demás hombres no han visto." BORJA HERMOSO: "El espejo atormentado de Schiele" ... leer el artículo completo

EGON SCHIELE EN VÍDEO

EXPOSICIÓN DE HOPPER EN EL THYSSEN

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Estupenda la exposición de Hopper. La selección de cuadros expuestos es muy completa y representa los distintos temas que abordó: marinas, paisajes rurales y urbanos. Estos últimos me gustan en especial, sobre todo aquellos en que el pintor nos introduce en el interior de un edificio, en la intimidad de una habitación, en una oficina o en un bar de copas y nos muestra un instante de vida cotidiana en el que nada es explícito pero todo es sugerente. 
Eché de menos uno de sus cuadros emblemáticos: "Nighthawks", aunque esa ausencia estuvo compensada por "Habitación de hotel" que está entre mis cuadros preferidos.

"Nighthawks"
Me sorprendió muchísimo una colección de carteles e ilustraciones de revistas que realizó antes de adquirir fama como pintor. Ya apuntaba maneras... ¡son preciosas! Es una pena que apenas encuentre imágenes de esta etapa.
Smash the Hun (1919). Primer premio en el concurso de carteles de guerra.


"El niño y la luna", 1907
Interesante especial de El Paíssobre la exposición de EDWARD HOPPER que se está exhibiendo en el Museo Thyssen desde el día 12 de junio hasta el 16 de septiembre de 2012.
Información muy detallada en la página del Museo Thyssen.

"La exposición reúne la más amplia y ambiciosa selección de la obra del artista estadounidense que se haya mostrado hasta ahora en Europa, con préstamos procedentes de grandes museos e instituciones como el MoMA y el Metropolitan Museum de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, la Addison Gallery of American Art de Andover o la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Filadelfia, además de algunos coleccionistas privados, y con mención especial al Whitney Museum of American Art de Nueva York, que ha cedido 14 obras del legado de Josephine N. Hopper, esposa del pintor."
El pintor del silencio
Entradas relacionadas:
Referencias en el arte de Hopper  La ciudad en la pintura de Edward Hopper y Balthus 

LA ESTÉTICA DEL DEPORTE

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Ritmo, tensión, movimiento...todo ello fue objeto de estudio de los grandes artistas de la Historia. Para plasmar la realidad de las figuras, era necesario analizar la anatomía corporal, su estructura ósea, su musculatura, el cuerpo humano en reposo y en movimiento; las relaciones de equilibrio e inestabilidad; el movimiento en potencia, su desarrollo y su culmen. 
Los artistas griegos fueron los primeros que se acercaron a la realidad en la representación de los atletas que participaban en las Olimpiadas pero será el momento del regreso de la cultura clásica, en el Renacimiento, cuando se realice un estudio científico del cuerpo humano y Leonardo da Vinci, uno de sus principales artífices.
A partir del siglo XIX, con la aparición de la fotografía, se buscan nuevos caminos en el arte... los artistas debieron pensar que nada era mejor que la fotografía para captar la realidad y se fueron alejando de ella. Así llegó el Impresionismo y Postimpresionismo, el Cubismo o la Abstracción. Más tarde, muchos de ellos, volvieron a mostrar la realidad -Hiperrealismo- con tal maestría que incluso fueron más allá de lo visible... entrando en el terreno de lo psicológico: captando estados de ánimo, relaciones entre el hombre y el medio, la fragilidad del ser... Recordemos a Antonio López, Richard Estes o Edward Hopper...
Creo que para captar una imagen del movimiento, la fotografía y el vídeo no tienen nada que los sustituya hoy. Incluso los artistas hiperrealistas recurren a aquella. Esta entrada es un pequeño homenaje a las extraordinarias tomas fotográficas de la actividad deportiva que alcanza en muchas ocasiones una calidad artística espectacular.
Coordinación, color y ritmo
Equilibrio
Efectismo visual






¿Vuela?
Concentración y fuerza


Compitiendo
La imagen duplicada

Estrategia de un triunfador
A favor del viento





Iniciando el movimiento
Máximo esfuerzo
Al fin... la meta
Precisión
Cuerpo a cuerpo

Energía


Fuentes: la mayoría de las imágenes proceden de La Voz de Galicia y El País

BORJA BONAFUENTE GONZALO: HIPERREALISMO DEL SIGLO XXI

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"Amanda II"
Borja Bonafuente Gonzalo (1978, Madrid). 
Pintor, ilustrador y diseñador que vive en Madrid.
Como pintor toma lecciones de dibujo durante unos meses en la Art Students League de Nueva York con Nelson Shanks y David Kassan. Principalmente autodidacta, comienza su etapa hiperrealista con una serie de retratos autobiográficos pero usando a amigos como modelos. Pinta siempre con óleo sobre tabla de madera. El retrato tiene un papel fundamental en su obra. Le interesa mostrar los rostros de su entorno afectivo.
En su obra destaca...
La calidad y transparencia de la piel a través de la cual se perciben incluso los huesos, esa piel con sus tonos diferentes, el pelo, las pestañas, las venas, la barba incipiente... todo podría sugerir que estamos ante fotografías, pero las texturas nos llevan a apreciar el óleo, esta técnica de secado lento que permite recrearse en la representación de cada rasgo. A ello se añade el gesto, la mirada y la luz. Sin duda estamos ante un pintor en el comienzo de una carrera prometedora. Su vinculación con la música se aprecia incluso en los títulos de sus cuadros.
  "There’s a grey stonechapelhere at Folsom"
“Descubrió que quería dedicarse a pintar el día que se imaginó al Felipe IV de Velázquez con una camiseta de AC/DC y se puso a ver qué salía de aquella idea.”RAI ROBLEDO
"AÑO CERO"
Comienza exponiendo en shows minoritarios y temáticos hasta que empieza a trabajar con la Galería MS (Madrid) donde consigue su primer "sold out" con su serie llamada "AÑO CERO".  
"WhenWeWasFab"
 Instinto creador.
“Llevo dibujando toda la vida (cómics, carteles… lo que pillase) pero lo que se dice pintar con óleo y lienzo o tabla, empecé a los 27 (como Van Gogh). Un día te despiertas pensando lo bien que quedaría un cuadro con base clásica de esos que ves en el Prado pero con camiseta y vaqueros y esa misma tarde te pones a probar que sale. Al final me gustó el experimento y continué con ello. Hasta hoy que puedes ver y juzgar lo que salió de aquello.”
"Amanda"
Borja Bonafuente pinta a sus amigos.
"Un día volví al óleo para pintar a la gente cercana al estilo de un retrato de siglo XVIII, pero de un modo contemporáneo (vaqueros, camiseta etcétera)..."











  Su visión de la pintura
"Cualquier cuadro bueno que veo, ya sea en un museo o en una revista, me lleva a ponerme a pintar con ganas. Ves la expresión de ese modelo o como han pintado ese vestido en ese otro cuadro y necesitas llegar a casa para jugar con ello. No es un superar ni compararte con nadie, por supuesto que no, simplemente es ver algo bueno y tener unas ganas irrefrenables de ponerme a pintar. No es controlable. Si hablamos de otros pintores que me hayan hecho sentarme a pintar, podemos hablar del tremendísimo Eloy Morales, gran pintor y gran amigo que pincelada que da, boca abierta que me deja. Increíble, echadle un ojo".
"Yoko for one day"

                                                  "Shhhh"

"Master"
Velázquez, Picasso, Antonio López, Eloy Morales, David Kassan, Richard Estes... están entre sus pintores favoritos.
Le gusta el “aire” de los cuadros de Velázquez.
En una entrevista que le hicieron para la página "Beat On The Blue", le preguntaron ¿A quien consideras el mejor artista del Siglo XX? Su respuesta fue "Hablando en general y no sólo por su pintura: Picasso. Por todo lo que llegó a hacer, hasta donde llegó y la de puertas que abrió con su arte y personalidad. Un todoterreno que arrasó con todo lo que se le puso por delante. Si podemos salirnos del tema pintura, no dudaré en decir que The Beatles."
De Antonio López opina que…”es el pintor actual más internacional y que más va a perdurar en el tiempo de todos los que tenemos. En pocas décadas Antonio López va a ser el nuevo Velázquez. Hasta ese nivel va a ser tratado sin la más mínima duda.”
"Año Uno".
 En 2012 se monta su primera exposición individual (llamada "Año Uno") también en la Galería MS llamando la atención de varias revistas y magazines que le dedican varios artículos como la revista Rolling Stone o Calle 20 (entrevista en issuu). Aunque las dos exposiciones estén separadas por un año de diferencia, ambas están conectadas por esa misma historia autobiográfica detrás de los cuadros. Tras esta individual, comienza a trabajar con la galería Rayuela/Fernández Braso cuando los galeristas le llaman para ser parte de su exposición "Diálogos", exponiendo al lado de artistas como Andrea Santolaya o Pablo Genovés.
          "I ge by with a little help from ny friends"
De su primera exposición en España, la revista “Rolling Stone” en su nº del 1 de marzo  destacó sus últimos trabajos. "El artista e ilustrador Borja Bonafuente Gonzalo muestra sus trabajos basados en iconos del rock. Un prisma hiperrealista para un creador que necesita The Beatles para vivir y coger el pincel. No se equivoque, estas son pinturas, no fotografías".
En la portada de la revista, de la que es habitual colaborador, aparecía la imagen de uno de sus mitos musicales, PaulMcCartney.
     "Remember New York staring outside"
                                   "I just wanna"
                                 "I will be there"
"Talk to me"
                     "See you in your dreams"
Dos pasiones: la música y la pintura 
BBG une las dos formas de expresión..."no puedo vivir sin la música, ni pintando".
"He sido un gran fan de los Beatles desde la primera vez que vi a Paul McCartney cuando yo era un niño. Lo que hicieron, como lo hicieron y como influyeron en tantas personas y todavía lo hacen hoy. Pienso que ellos han cambiado tantas cosas con sus canciones y lo que decían y el modo de interpretarlo".

El proceso creador
"Con el éxito primero viene el trabajo. Ensuciarse y agotarse. Cubierto de pintura y cansado = éxito. Esta imagen, para mí, representa todo lo que significa ser un artista. Levantando una mano para decir “He aquí, esto ha terminado” con la última cantidad de fuerza que uno tiene. Hay que darlo todo y será recompensado por ello."
"Uno no debe rendirse, debe continuar hasta que consiga su objetivo y aun cuando esto pueda doler, o parecer imposible o esté completamente cubierto de pintura durante el proceso, hay que continuar hasta conseguir lo que uno quiere. Nadie le dijo que esto iba a ser fácil. Tal vez se termine completamente destruido a lo largo del camino pero al final se alcanzará el éxito si uno se lo propone y trabaja para ello."
 Diseños para la industria musical .
BBG ha diseñado las portadas de discoscomo el de Amaral: "Hacia lo salvaje", el de Antonio Vega:"Antes de haber nacido"el último album de Christina Rosenvinge: "La joven Dolores"o el de The Mockers:"Hombres de la Mancha".

Para el album de Christina Rosenvinge: "La joven Dolores".
En esta representación de Cristina hay una evocación del cuadro de Ofelia, del pintor prerrafaelista Millais, pero no se representa moribunda como aquella (tumbada mirando hacia arriba), sino de frente al espectador como intentando sobrevivir.





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