Quantcast
Channel: AREL-ARTE
Viewing all 117 articles
Browse latest View live

MARIO LEVRERO: "LA CIUDAD"

$
0
0
O Curioso Impertinente me envía una interesante colaboración que transcribo literalmente y que agradezco muchísimo. El libro que presenta y la imagen de su portada son muy oportunas en relación con las últimas entradas del blog. Como él mismo afirma "todo conspiraba para hacer esta aportación."

 

RENÉ MAGRITTE “O universo desenmascarado”, 1932
 

LA CIUDAD EN LA PINTURA DE EDWARD HOPPER Y BALTHUS

$
0
0
 
HOPPER: "Entrando en la ciudad", 1946

"La ciudad", 1927

El pintor de la ciudad 
Edward Hopper (Nyack, 1882-Nueva York,1968). Pintor estadounidense que fue uno de los principales representantes del realismo del siglo XX. Su obra muestra una perfecta captación de la soledad del hombre contemporáneo. A través de su pintura nos acercamos a la América de la Gran Depresión que para él simbolizaba la crisis de la vida moderna.
 "Temprano en la mañana de Domingo", 1930
"Nighthawks", 1942
 El tratamiento cinematográfico de las escenas y el personal empleo de la luz son los principales elementos diferenciadores de su pintura. 
 
"AMANECER EN PENSILVANIA", 1942
Alejado de las modas y tendencias artísticas, su estilo recibe múltiples influencias, pero suele encuadrarse en el llamado “realismo americano”. Sus pinturas son lacónicas, en ellas se aprecia el vacío y el silencio. Las escenas que crea están invadidas por una leve acción, como el rumor de la brisa suave de una cortina.

 "Yonkers", 1916


“Tejados de Ciudad”, de 1932
 
"La luz del sol en una cafetería", 1958
"Domingo", 1926


La vida cotidiana en la mirada de Balthus
BALTHUS: "La calle", 1935

 
Nacido en París en 1908 en una familia de intelectuales y artistas de origen polaco, el conde Baltasar Klossowski de Rola, Balthus, fue amigo de Bonnard, Derain, Giacometti y Picasso, de Malraux, Artaud y Camus, de Fellini. Admiró a Mozart, a Pascal, al Rousseau de las Confesionesa Poussin y a los pintores italianos del trecentoGiotto, Massaccio y, sobre todo a Piero della Francesca. A éstos les debe, en parte, la atmósfera que persigue en sus cuadros, pintados con tiempo y luz, gracias a los efectos del color y a la geometría interna del dibujo.
Tuvo un patronazgo excepcional en el poeta Rainer Maria Rilke, íntimo amigo de su madre, quien prologó e hizo publicar en 1919 el ciclo de dibujos que, con 11 años, Balthus había realizado en memoria de su gato Mitsou.
Herido en la Segunda Guerra Mundial, Balthus se refugió en Suiza hasta los años cincuenta, cuando André Malraux, entonces Ministro de Cultura bajo el gobierno de Charles 
De Gaulle, le dio el puesto de director de la Villa Médici en Roma, lugar donde vivió durante años.


BALTHUS: "La calle del comercio en Saint André", 1954
“Hay que aprender a atisbar la luz. Sus inflexiones. Sus fugas y sus filtraciones. Por la mañana, después del desayuno, después de leer el correo, informarse sobre el estado de la luz. Saber si es posible pintar hoy, si el avance en el misterio del cuadro será profundo. Si la luz del estudio será buena para penetrar en él
Siempre me ha parecido indispensable esa modestia ante los grandes, captar algo de su pericia, de su generosidad, y así ir avanzando”.  BALTHUS
 
 
También en el blog
"Referencias en el arte de Hopper"
"Edward Hopper: el arte de la sugerencia"

RICHARD ESTES: LA CIUDAD REFLEJADA

$
0
0
RICHARD ESTES: "Cabinas telefónicas", 1967
RICHARD ESTES, pintor nacido en Illinois, es uno de los fundadores del movimiento fotorrealista, surgido a finales de la década de 1960 en los Estados Unidos. Movimiento que se basa en la reconstrucción plástica o pictórica de la imagen fotográfica. En ocasiones se ha considerado esta tendencia como heredera del Pop Art por hacer de lo cotidiano y popular, protagonista del cuadro. Pero el Pop Art tiene una mirada irónica y humorística de la que carece el fotorrealismo.

                  RICHARD ESTES: "Urban Landscapes Suite-Grants"



Grand Luncheonette New York City 1960
Estudió en el Art Institute de Chicago desde 1952 hasta 1956 y trabajó en publicidad en Nueva York y en España.
En 1966 su situación económica le permitió pintar a tiempo completo, y dos años después tuvo su primera exposición individual en Nueva York, donde también ha expuesto en el Museo Metropolitano.
El artista persigue una iconografía en perfecto equilibrio entre la lucidez visual impersonal de la fotografía y la práctica pictórica.
RICHARD ESTES: "Bridge"

"34th Street Cross Town Bus"

"Broad Street New York City", 2003

"Columbus Circle", 2009

"Staten Island Ferry Getting Close to Manhattan Dock", 2008
"View of Manhattan from Staten Island Ferry", 2008


"People's Flowers 1971"
 (Ver animación)
Este cuadro, en particular, se podría considerar el más pop de todos los cuadros de Estes porque su propio título, originado como en tantos otros de sus cuadros por el nombre del edificio o del establecimiento que representa, es, sin duda, el más "popular" de todos los nombres posibles. Para que no quede la menor duda al respecto, existe un efecto de repetición, pues el nombre aparece en el rótulo superior de la tienda, debajo de éste en el volante del toldo y, aún por debajo de éste, en el rótulo luminoso tras el cristal del escaparate. Este último rótulo luminoso lo vemos una vez más, aunque al revés y duplicado por el reflejo, tras el cristal de la otra fachada, la que se aleja del observador." (Para seguir el comentario:MUSEO THYSSEN





"Ciudad reflejada"
 "Urban Landscapes III, Manhattan", 1981

ROBERTO GONZÁLEZ FERNÁNDEZ: VISIONES DE LA CIUDAD

$
0
0
“CONFUSION XXIX”, Cascais, 2011. CASA DAS HISTORIAS
Enorme y espléndida la labor creativa de este pintor gallego, nacido en Monforte de Lemos en 1948.
Estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1977 se instala en Edimburgo y a partir de 1982 comparte residencia entre esta ciudad y Madrid. En 1984 es becado por “The New York Foundation for the Arts”.
Su obra se puede encontrar en las colecciones de numerososmuseos e instituciones nacionales e internacionales. 
Su plástica es el medio de expresión donde exterioriza sus sensaciones, su estado emocional, su manera de ver el mundo. En ella se mezclan el realismo y la expresión conceptual, con una importante carga simbólica. 
Su creatividad le lleva a la práctica de diferentes modos de expresión artística: fotografía, litografía, carteles, dibujo a carboncillo y a tinta, pintura al óleo, obra gráfica y recientemente fotografía y collages digitales además de escultura.
"Ha comenzado la hora del abismo", 1987
La soledad, el deseo, el aislamiento, el miedo, el compromiso forman parte de su bagaje conceptual. En esta obra diríamos que incluso tiene carácter premonitorio.
La preocupación del artista por el espacio y por el tiempo se hace evidente tanto en el estilo narrativo de su obra como en la organización seriada de su trabajo. Entre esas series reflejaré las que están relacionadas con el mundo urbano:
“ELEPHANT    WALK" en la que recrea un barrio de la ciudad de San Francisco, Castro. 
"ARQUITECTURAS" en que representa una serie de fachadas en las que apenas aparece o se intuye la figura humana.
AZULES, fachadas y patios

"Bien", 1975 (lápiz sobre papel teñido)
CAJA DE VIAJES es otra serie que muestra la pasión viajera de RGF.
                                              LA CORUÑA

UN CARTEL
"Lo que queda del aire", 1987 (cartel en lápiz y tinta sobre cartón)



























IRREALIDADES  
En 2002 comienza una serie de "collages" llena de contenido, con títulos explícitos que, juntos, forman un pequeño discurso verbal visualizado a través de las imágenes. Selecciono tres obras pero para leer la serie ir a la página web de RGF.
Algunas de las obras de RGF nos hacen recordar a Edward Hopper e incluso a Hockney y a Magritte.
SERIE CONFUSIÓN
CONFUSIÓN VII, LA CORUÑA
Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa. MACUF
RGF realiza esta serie entre el 2005 y el 2011. Se supone que la Torre de Babel estaba situada en la llanura de Mesopotamia entre el Eúfrates y el Tigris, lo que hoy es Irak.  En esta serie, la confusión (Babel) se relaciona con la amenaza del terrorismo internacional a los pilares de la civilización occidental representadas en este caso por edificios emblemáticos, Museos, y Centros de Arte Contemporáneo. (Fuente:página web de RGF)

CIUDADES CON NOMBRE PROPIO

$
0
0
OSKAR KOKOSCHKA: "Londres, vista del Támesis ", 1959
Más allá de la representación genérica de la ciudad, la creación artística se detiene en muchas de ellas que, a lo largo del tiempo, han adquirido una personalidad propia. Así son retratadas, poetizadas, fotografiadas o cantadas como si fueran un ser vivo con sus gestos, sus formas y su peculiar lenguaje.
Retratadas, poetizadas...
Dresde, Londres, Venecia, Madrid… Los retratos de ciudades forman un importante capítulo de la obra del pintor expresionista Oskar Kokoschka. Fue el único artista capaz de renovar en la edad contemporánea la experiencia de Canaletto, Guardi y Bellotto.
OSKAR KOKOSCHKA: "Dresde"
Boccioni, antes de convertirse en el impulsor del movimiento futurista, realizó parte de sus obras siguiendo la tendencia divisionista. Interesado por la vida moderna surgida con la industrialización, la temática urbana será uno de sus temas preferidos. En el caso de la pintura del Gran Canal, se aprecia la quietud y serenidad que desaparecerá en sus obras futuristas, en que el dinamismo será esencial.

BOCCIONI: Gran Canal", 1907
EDUARDO ÚRCULO: "Nueva York"

EDUARDO ÚRCULO: "Sky line. La gran tentación.", 1988

SALVADOR MONTÓ: "Nueva York"
La obra del pintor valenciano Salvador Montó se puede englobar dentro de la neofiguración, y se caracteriza por una pintura que juega entre el realismo y las manchas de color.

De lo genérico a lo particular: 
un ensayo sobre la ciudad


El pintor Ricardo Galán Urréjola refleja el mundo urbano con enorme sensibilidad. Funde la realidad con la pincelada expresionista. Las manchas de colores tenues muestran la ciudad solitaria, en penumbra. Londres y Madrid son sus protagonistas más frecuentes.
RICARDO GALÁN URRÉJOLA: "Vista sobre el Támesis"
Ricardo Galán Urréjola "Torre del Círculo iluminada"

Ricardo Galán Urréjola: "Así vi la Gran Vía"
ANTONIO LÓPEZ: "Gran Vía"

La ciudad: un organismo vivo
        
Metropolis by Rob Carter - Last 3 minutes from Rob Carter
You've Got to Love London from Alex Silver on Vimeo.
En la fotografía
HINE:Old Timer Keeping up with Boys, Empire State Building,1930



 
                                  Benedek Gabor,  BuranoIV y Venecia

ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO: BRUNELLESCHI

JACK VETTRIANO: LA OBRA ABIERTA

$
0
0
"Mad-Dogs", 1992
"El artista y la modelo", 1998 
Jack Vettriano es un pintor escocés nacido en 1951. Se crió en la ciudad costera de Methil, File, Escocia. Dejó la escuela a los 16 años para convertirse en aprendiz de ingeniero de minas. De formación autodidacta, no empezó a pintar hasta la década de 1970, cuando una amiga le compró un conjunto de acuarelas por su 21 cumpleaños. Sus primeras pinturas, con el nombre de Jack Hoggan, eran copias o pastiches de las pinturas impresionistas. El pintor pasó de los 25 a los 39 años copiando a El Greco, Dalí, los impresionistas o cualquier gran nombre del arte que se le pusiera por delante.
"Copiaba a otros hasta que caí en la cuenta de que, al hacerlo, me estaba enseñando a mí mismo, no tengo reparo alguno en confesar que soy autodidacta y que durante años combinaba el arte con trabajos de todo tipo“ Jack Vettriano
En 1988, había comenzado a desarrollar su estilo, inspirado libremente en el cine negro. Su método de  pintura siempre comienza a partir de una fotografía.
Desde el punto de vista técnico quizá sea la luz con sus contrastes y el color lo que más llama la atención. Las composiciones son equilibradas y comprensibles.
 "Right Time, Right Place", 1993
"Bañistas narcisistas", 1992
Rechazado por la crítica y adorado por sus fans. Su obra”El mayordomo cantante”,1992, se vendió en una subasta en Sotheby's en 2004 por £ 744.800 

”El mayordomo cantante”,1992
Más de dos millones de carteles y tres millones de naipes que presentan las pinturas de Vettriano se han vendido por todo el mundo. En los últimos veinte años, el interés por el trabajo de Vettriano ha crecido de forma constante. Ha habido exposiciones individuales en Edimburgo, Londres, Hong Kong y Nueva York.


En febrero del 2009, Vettriano lanzó su propia editorial Heartbreak Publishing, para publicar y distribuir el trabajo de otros artistas y sus propias obras publicadas directamente para sus fans y coleccionistas. "Hay pocos artistas que controlan comercialmente su obra; todos mis ingresos van a una fundación, el día que muera se gastarán en becas para estudiantes necesitados", explica. Le importa el papel de los intermediarios, que otros hagan dinero con su trabajo. Sin embargo, zanja así la conversación: "Sé que ahora mismo, en China o en Tailandia están copiando mis cuadros, eso me da igual, si te plagian es porque gustas. En Nueva York vi la copia de uno de mis cuadros; se vendía por cien dólares". PÚBLICO


“Tension, Timing, Triumph”, 2008

“Tension, Timing, Triumph”, 2008
En 2009, el Yacht Club de Mónaco le encargó una serie de pinturas para conmemorar el centenario del yate de fama mundial, Tuiga. 
"Masthead", 2009
"Debajo de la Cubierta", 2009
"Luz del sol y Champán II", 2009


Cada obra tiene su leit motiv, son canciones de rock, arias de ópera y jazz, como en el caso de la ambientada en el Yacht Club de Mónaco en un velero de época, con tanto gramófono traído a bordo tocando las notas del boogie woogie Train Bleu. 
"El peso", 2010 (autorretrato)
En diciembre de 2011, Vettriano realiza un autorretrato,“El peso”, para la exhibición en la Galería Nacional de Retratos de Escocia en Edimburgo, cuando se volvió a abrir después de su remodelación.
"Las llamadas de la noche", 2010
La narración
Sus obras son como momentos atrapados en el tiempo. Escenas de elegantes hombres y mujeres en tránsito, que se insinúan. Invitan al espectador a completar la narración. 
"De vuelta a casa", 1996
"En mis pinturas quiero mostrar el momento en que todo queda por suceder." 
Al igual que en las pinturas de Edward Hopper, el relato siempre se concentra en unos pocos detalles reveladores. Sus cuadros cuentan la historia de una pasión inminente. El artista prefiere hacer hincapié en los primeros momentos del encuentro, dejando la historia en suspenso, para estimular al espectador.
"Mi trabajo se basa principalmente en la narrativa para permitir al espectador  componer sus propios escenarios, tal vez más personales.”

¿Sabor hopperiano?
La crítica de arte no ha sido muy favorable con Vettriano por su sabor retro, hopperiano.
La réplica de Vettriano no se hizo esperar:
"El modista Devoto II", 2010
"Los inocentes", 1993
"Es cierto, no traigo ninguna innovación en el lenguaje pictórico. Además, no tengo ningún deseo de ser "contemporáneo", la pintura debe ser un gesto con el corazón intacto, y es muy agradable ser seguido por la audiencia. 
Agradezco especialmente a la italiana: el amor a la sensualidad de la pintura ", 
Y si el reproche es seguir las huellas del pintor estadounidense Hopper, dice, 

"Elegía por el almirante muerto", 1994
“esto es una maravillosa coincidencia, pero he descubierto mucho tiempo después de “El mayordomo cantante” su pintura. 
En la obra de Hopper domina la desesperación del sentimiento, la soledad. Aunque en mis pinturas no hay felicidad, los hombres y mujeres tienen relaciones sexuales y viven una pasión desesperada ". Jack Vettriano

Vettriano representa el eterno tema de las emociones, el erotismo, la compleja relación entre el hombre y la mujer, haciendo que cada imagen pintada sea como un fotograma de una película, silencioso. Los protagonistas no hablan. "Mis pinturas son una cuestión de interpretación, de literatura, moda y música. “ J.V.

Los escenarios
Barras de bar y clubes, playa e hipódromos, salas de baile y dormitorios.
"The Twilight Zone", 1995 
Las mujeres de Vettriano
"Mujer de azul y negro", 2010
La misteriosa, seductora, bella, lánguida, apasionada y poderosa. La mujer ha sido la protagonista de muchas de sus obras más populares. Ya sea descansando en una playa, recostada en un bar o bailando.
"Sólo el más profundo rojo II", 2010
"La seductora", 2006
“Siempre he buscado la compañía de las mujeres sobre la de los hombres. Esto no es una tarea puramente sexual, como compañeras, poseen una serie de cualidades que superan con creces las de un simple hombre.
En la elección de las pinturas de “Women In Love”, he evitado deliberadamente mis mujeres fatales y su comportamiento manipulador. He elegido aquellas pinturas que creo que el mejor ejemplo de mi definición del amor y contienen los aspectos de las mujeres que me atraen” Jack Vettriano
"Días de vino y rosas II", 2010
"Días de café", 1995
"Morning News", 2010
"Morning News", 2010
"Baby, bye bye II", 2004
La imagen masculina
Representados en un contexto de bares, discotecas, pistas de carreras y dormitorios, los hombres son a menudo misteriosos, de aspecto duro y en ocasiones vulnerables. 
La pasión, los encuentros secretos y el hedonismo, donde los hombres apuestan fuerte en la persecución de los sueños.


"Incidente en el Paseo", 1992
"Una prueba de amor verdadero", 1992
"Autorretrato después de Swannell", 2004
Pintura y jazz

Paul Desmond (San Francisco, 1924 – Nueva York 1977) tampoco gozó en vida de los elogios de los articulistas especializados, aunque con el paso del tiempo se le ha ido haciendo justicia. Lo mismo que ocurre con Vettriano, el arte de Desmond es fácilmente asimilable por cualquier tipo de público que tenga un mínimo de sensibilidad o cultura artística, entre otras cosas porque en su modo de expresión prima el aspecto narrativo y comunicativo por encima de cualquier otra consideración estética. Los trabajos de ambos, creo yo, comparten un halo de glamour, de cierto misterio, de claro romanticismo y de turbia sensualidad. "Cosijazz mías"
The Singing Butler
Jack Vettriano ha realizado también numerosas colaboraciones, como el cameo realizado para el vídeo de la banda escocesa indie TheSinging Butler realizado por la BBC Escocesa. El vídeo fue filmado en Portobello Beach, en Edimburgo, e incluye referencias visuales a dos famosas pinturas de Vettriano: Elegyfor a DeadAdmiral y TheSinging Butler. La letra de la canción escrita por el miembro de la banda Grant Campell, refleja el estado de ánimo nostálgico al estar lejos de Rotterdam mientras ve las pinturas de Vettriano en la pared de un pub. El pintor se convertirá en un fan de la banda después de escuchar el primer álbum, y se inspirará en la canción Goodbye Jack Vettriano para crear una pintura que servirá de portada para su segundo disco.

En portada
"Billy Boys", 1994

"Valentinerose"

RAFAEL MONEO: DIÁLOGO CON LA HISTORIA

$
0
0
                     PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS DE LAS ARTES


BIOGRAFÍA
Rafael Moneo Vallés es uno de los representantes más notables de la arquitectura española contemporánea. Nació en Tudela, Navarra, en 1937. Cursó sus estudios en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y colaboró en varios proyectos con Francisco Javier Sáenz de Oiza. Cuando obtuvo el título de arquitecto, trabajó con Jorn Utzon en Hellebaek (Dinamarca), el autor del famoso edificio de la Ópera de Sydney.
La concesión de una beca le permitió estudiar durante dos años en la Academia Española en Roma (1963-1965).
Durante 5 años se instala en Madrid dondecomienza su carrera en el mundodelartecontemporáneocomoarquitecto y comoprofesor en la Escuela de Arquitectura.
De 1970 a 1980, vive en Barcelona dondeabre su estudio de arquitectura.  Cuando regresa a Madrid ya es aclamadointernacionalmentepor sus modernosdiseños y ha sidoinvitado a dar cursos en las grandes universidades de Europa y EstadosUnidos.


Ex-decano de la Universidad de Harvard, ha sido ganador de diversos premios:


SU ESTILO
Museo de Arte Romano de Mérida, 1986
Aunque Moneo ha rechazado definir su propio estilo arquitectónico, en su obra aúna la tradición nórdica, posiblemente por influencia de Jorn Utzon y la grecolatina, la vanguardia y el clasicismo.
Su interés por la ciudad le lleva a realizar una arquitectura que enlace con el pasado, con el contexto urbano en que se encuadra. En este sentido se deduce que busca la armonía frente al contraste, intenta dar una visión personal de la edificación pero respetando el valor de las obras antiguas que han ido conformando la ciudad.En sus edificios se aprecian referencias de los grandes maestros de la historia de la arquitectura.
“Lo hermoso del trabajo del arquitecto es la capacidad de despojarse por completo de su obra. El arquitecto transfiere a su edificio una condición instrumental, de uso. 
(…) Creo que la grandeza de la arquitectura es la capacidad de dotar de vida propia a aquello que se construye”. Rafaeo Moneo
La arquitectura dialoga con la Historia...                                 Edificio Bankinter en Madrid
Ampliación de la sede principal de Bankinter, Paseo de la Castellana (Madrid),1972-1976 

"Quizá la más destacada de las constantes de mi trabajo sea la importancia que tiene el pensar que los edificios no son episodios aislados y que siempre viven en un marco más amplio que hay que tener en cuenta“ Rafael Moneo
“Esta obra, realizada junto a Ramón Bescós, ha de resolver el difícil encaje entre el protegido palacete decimonónico el Paseo de la Castellana y los edificios de vivienda posteriores con sus servidumbres obligadas. Moneo resuelve el problema con extraordinaria sencillez, con su acostumbrada lectura y respeto por el contexto urbano, al no abrumar a ninguna de estas dos construcciones, es más, da continuidad y dignidad a las viviendas posteriores respetando la altura y las hileras de balcones y ventanas, y recrea un muro-telón de fondo para el palacete principal. La sutileza con la que el edificio se dobla y se abre en su cara posterior, visible desde la calle del Marqués de Riscal, es un gesto preciosista que resume parte del carácter constructivo de Moneo, alejado desde siempre de la arquitectura espectacular y singular, para preferir "hacer ciudad". El Paseo de la Castellana en la web: http://www.madrimasd.org
Museo de Arte Romano de Mérida 

El Museo de Arte Romano de Mérida (1986) es un claro ejemplo de este modo de entender la arquitectura. Moneo quiso, desde el principio, crear un marco arquitectónico que compartiera su carácter con los objetos expuestos allí. 


Para ello da a su obra una atmósfera de romanidad eligiendo un modelo de edificación que recuerda a las basílicas romanas y un sistema constructivo también romano basado en los materiales clásicos: ladrillo y argamasa.

Estación de Atocha
Interior de la Estación de Atocha
Ampliación del Museo del Prado
La fórmula de ampliación ingeniada por Moneo propone, respetando el antiguo edificio, su entorno y las arquitecturas colindantes (la Iglesia de los Jerónimos y la Academia Española), unir el Museo con un complejo formado por una construcción de nueva planta y el Claustro restaurado de los Jerónimos.
Ampliación del Museo del Prado (Madrid), 2007

Gráfico interactivo                                  
Restauración del claustro de los Jerónimos, 2007

...con el vidrio
Además de la piedra y el ladrillo, el vidrio también está incorporado a su edificación. Así afirma:
“Tengo claro que el material del fin del siglo XX es el vidrio, porque es el que se ha adaptado mejor a lo que son las técnicas modernas de construcción que están ligadas al montaje".Rafael Moneo
Biblioteca de la Universidad de Deusto




Hospital Materno infantil Gregorio Marañon, Madrid



Estación de Atocha, terminal del AVE


L’Auditori, sala de conciertos y escuela de música de Barcelona, 1999



(…) Por mucho que se denigre, la ventana sigue siendo un elemento propio de los espacios en los que el hombre se ha sentido cómodo y sospecho que en el futuro se seguirá sintiendo cómodo. En el fondo esta dualidad de los edificios entre exterior e interior, encuentra su límite y frontera en la ventana y no me asusta el que mucha de mi arquitectura tenga que resolverse en un elemento tan tradicional y no recurra a visiones más abstractas de las figuras volumétricas”. Rafael Moneo

...y con la luz 
Kuursal (San Sebastián), 1999



"La arquitectura contribuye a que una ciudad se mantenga viva". "Quien quiera analizar la transformación social de España en las últimas décadas tendrá que estudiar cómo la arquitectura ha ido evolucionando al ritmo de la sociedad", Rafael Moneo

Iglesia de Riberas de Loiola (San Sebastián), 2010

"La luz filtrada a través del alabastro crea una atmósfera luminosa, difusa y envolvente, en la que flota lo construido, confiando en hacernos vivir una experiencia del espacio próxima a la que hay en algunas iglesias bizantinas". Rafael Moneo
Geometría y volumen

Sus edificios a menudo comprenden líneas rectas que se alargan en paralelo y forman una especie de enrejado. Sus conocimientos académicos y su creatividad se mezclan para crear edificios basados esencialmente en el grafismo.
Centro comercial L’illa Diagonal, 1993






LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS: AUGUST MACKE

$
0
0
"La joven de la chaqueta amarilla", 1913
August Macke. Autorretrato, 1906
En un pueblo del valle del Rhin, en Meschede, región de Westfalia, nace, en 1887, un artista cuya vida creativa será breve debido a su muerte temprana en 1914, en el frente de batalla, durante la Primera Guerra Mundial. Se trata deAUGUST MACKE. Interesado por la pintura, estudia en Bonn en la Academia de Bellas Artes y en Düsseldorf en la Escuela de Artes y Oficios. Su vida transcurre en Bonn y ocasionalmente en el Lago de Thun, en Suiza. También realiza algunos viajes a París, Italia, Holanda y Túnez. 
Todos ellos marcarán su actividad artística  al tomar contacto con pintores de la talla de CezanneMatisse y Robert Delaunay en París en los primeros años del siglo XX. En 1910, a través de su amigo Franz Marc, conoce a Kandinsky y durante una época compartió la estética no-objetiva y los intereses simbólicos y místicos del movimiento expresionista Der Blaue Reiter ("El Jinete Azul").
La única obra expresionista concebida desde postulados más abstractos fue "La tormenta" realizada en 1911 y reproducida en el catálogo de la primera exposición del grupo Der Blaue Reiter: 
"La tormenta", 1911
Macke, frente a los demás artistas del grupo,  planteó la fusión entre forma y color en términos más plásticos que espirituales. 
El contexto histórico
Entre las últimas décadas  del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. El contexto histórico en que vivió Auguste Macke fue un período especialmente innovador del arte alemán con el desarrollo del Expresionismo y la llegada de los sucesivos movimientos de vanguardia que estaban apareciendo en el resto de Europa.

¿Cómo es su pintura? 
Pintura tranquila, amable, alejada de rasgo alguno de agresividad y tensiones propiciada por su espíritu optimista. Sin prescindir nunca de la figuración, salvo en alguna ocasión excepcional, sus creaciones se basaron en la materialización de acciones estrictamente cotidianas a partir de las cuales logró la definición de un estilo propio. La fuerza del color es vital en su obra. El artista afirmaba: "Lo que más valoro es la observación del movimiento de los colores" 
Las obras de Macke son una síntesis de todas las referencias asimiladas e interpretadas desde una óptica subjetiva y personal. 
Tras unos primeros cuadros de corte impresionista y postimpresionista, integró en su pintura aquellos aspectos que más le interesaban de las vanguardias:













"Naturaleza muerta con begonia, manzanas y pera en agosto"
EL FAUVISMO a partir de la obra de Matisse que conoció en París en 1910. Las palabras de Matisse sintetizan el objetivo de este movimiento que consiste en "trasponer los sentimientos en forma de color"
"Retrato de su esposa con sombrero", 1909
"Casa de Staudach en Tegernsee.", 1910
Como afirma Hauser, los grandes maestros independientes desde un principio frente a sus predecesores…“los jóvenes titanes y rebeldes, los precoces y autodidactas, se expresan primeramente en el lenguaje formal de la vieja generación. Esencial y decisivo para el papel de la convención en la historia del arte es que también la oposición tiene que servirse de los medios de expresión de las direcciones que combate para llegar a la formulación de sus objetivos e ideales.”
También Macke comienza su incursión en el arte mirando hacia atrás, evocando la obra de impresionistas, postimpresionistas y fauvistas. Incluso un puntillista como Seurat y  su obra "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte" le inspira en sus cuadros expresionistas de paseos por el parque.












"Dama con chaqueta verde", 1913
EL EXPRESIONISMO ALEMÁN:en 1911 fundó, en Munich, junto a Franz Marc, Klee, Kandinsky y Alexey von Jawlensky, la asociación expresionista Der BlaueReiter ("El jinete azul“) , grupo que celebró la primera exposición ese mismo año.
Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera.
La  meta de esta pintura es"hacer vibrar la secreta esencia de la realidad en el alma, actuar sobre ella con la pura y misteriosa fuerza del color liberado de la figuración naturalista"Marío de MicheliLas vanguardias artísticas del siglo XX
"Húsares al galope", 1913 
“Húsares al galope” nos muestra el fuerte impacto de la simultaneidad futurista en la pintura de AugustMacke. 
La imagen de jinetes en acción era un motivo especialmente apreciado por los futuristas, que en su manifiesto se referían al galope de los caballos con las siguientes palabras: «Por culpa de la persistencia de la imagen en la retina, las cosas en movimiento se multiplican, se deforman, sucediéndose, como si de vibraciones se tratara, en el espacio que recorren. Así, un caballo a la carrera no tiene cuatro patas, sino veinte patas, y sus movimientos son triangulares.» MUSEO THYSSEN
Aunque participó en las exposiciones de “El jinete azul”, Macke se mostró distante y opuesto a los planteamientos y supuestos teóricos y especulativos que manifestaban sus compañeros. 
El expresionismo perseguía hacer emerger la realidad interior, aunque para ello hubiese que deformar hasta el extremo la fachada externa.
Macke se aleja del dramatismo que la época convulsa del primer tercio del siglo XX  imprimió en la obra de los demás artistas expresionistas. Así podemos observar en el cuadro "Muchachas bajo los árboles" el tono alegre y distendido de una escena cotidiana.








Para Macke, la materialización de las emociones, la exteriorización íntima de sentimientos debía realizarse a través de la concreción de imágenes tomadas del mundo material, visible, cotidiano, El hombre expresa su vida en formas. Cada forma artística es la expresión de su vida interior.“Los sentidos son nuestro puente entre lo incomprensible y lo comprensible”.
"Gente que se encuentra"
"Camino soleado", 1913
"Muchacha con peces en un recipiente de cristal", 1914









La abstracción: "Formas coloreadas I-II-III", 1913
EL CUBISMO CROMÁTICO:el encuentro de Macke con Robert Delaunay en París en 1912, supuso una revelación para él hasta el punto de asimilar en su pintura los principios del Cubismo cromático -Orfismo- del artista francés. Así sus ”Escaparates de Tiendas” pueden ser considerados una interpretación personal de las ”Ventanas” de Delaunay, combinadas con las imágenes futuristas que vio en Italia. 
"Sombrerería", 1914

"Tienda de modas", 1913

































TÚNEZ, EL COLOR Y LA LUZ
En su etapa final muestra una serie de acuarelas en las que al color, protagonista en sus obras, se une la luz  del norte africano, del  ambiente exótico de Túnez que tanto le atrajo cuando lo visitó con Paul Klee en 1914. Ambiente en que se mueven unos personajes anónimos cuyo rostro se reduce a una simple mancha de color. Formas muy simples con volúmenes básicos.
"Kairuan III", 1914
 “El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre… el color y yo somos una sola cosa. Soy pintor”. Auguste Macke
"En el bazar", 1914
"El Café Turco", 1914
"Vista de una calle", 1914


"Mercado en Argel", 1914
El estallido de la Gran Guerra pareció dar un final brutal a lo que era en ese momento el movimiento de vanguardia más importante de Alemania, pero su influencia continuó imparable e inspiró a generaciones enteras de artistas internacionales a crear utopías similares.
“El pueblo de Alemania, embriagado por las ideas de victoria, no sospecha lo terrible que es la guerra”. AugustMacke.
De hecho la carrera de Macke fue interrumpida bruscamente por su temprana muerte en 1914, en el frente de batalla. Entre sus últimos cuadros se encuentra esta escena en los andenes de una estación antes de la salida del tren que llevará las tropas a pelear.
"Despedida", 1914
Lo llamativo y meritorio es observar cómo los cambios de estilo del artista se producen en una vida tan corta (vivió 26 años) y cómo logró crear un arte tan personal que uno, al contemplar una gran parte de su obra, pueda reconocerla como “un Macke”.

ALEXANDER DEINEKA: REALISMO SOCIAL

$
0
0
A lo largo de la historia del arte son muchos los momentos en que la creación artística se convierte en vehículo de propaganda política, religiosa, de exaltación de la personalidad individual o colectiva. Nos hallamos entonces ante numerosas situaciones en que el artista no es plenamente libre y tiene que adaptarse a las prescripciones marcadas por los grupos de presión dominantes en cada  época y lugar. Grandes artistas como Miguel Ángel o Velázquez tuvieron que someterse a las imposiciones de sus mecenas, la Iglesia o la monarquía absoluta.
De algún modo, los artistas geniales supieron dar forma a los encargos con tal maestría que sus obras trascendieron a toda imposición.
Más tarde, ya en el siglo XIX, cuando los creadores se fueron librando de las imposiciones de los poderes dominantes, de sus mecenas, se encontraron con un nuevo condicionante, el mercado, cuyo sentido de la estética estaba condicionado por las normas del arte académico. El arte tuvo que luchar por emprender caminos nuevos.
El siglo XX trajo aires de libertad al arte, surgen las vanguardias, se rompe toda huella del academicismo pasado y se buscan nuevas vías para la creación. Ya no vale la mímesis pictórica. La fotografía comenzó a ocupar el papel de representación de la realidad que durante siglos se reflejó a través de la pintura y la escultura.
Pero en algún lugar, el arte estaba predestinado para convertirse en fundamental instrumento de exaltación ideológica utilizando la fuerza de la imagen. Para ello era necesario volver al realismo.
"Interrogatorio de comunistas", 1933







1917: LA REVOLUCIÓN RUSA
La Revolución Rusa marcará una nueva orientación estética oficial a los artistas, unas directrices y unas limitaciones censoras cuya finalidad no era otra que crear un arte revolucionario paralelo al nuevo gobierno. El arte reflejará las conquistas de la clase trabajadora, los logros del Partido Comunista y los éxitos militares del ejército. Surge un movimiento pictórico que vuelve de nuevo su mirada a la realidad: el Realismo Socialista. Uno de sus máximos representantes fue ALEXANDER DEINEKA (1899-1969), artista que compartió los objetivos del Partido Comunista pero que consiguió dar a sus obras un sello personal y diferenciador.



"En los talleres nuevos", 1926


                                   "Defensa de Sebastopol", 1942
"Donbas", 1947

                                               "Soberanía del koljós", 1934
El Estado se hace el socio comanditario y único juez de las obras de arte. Alexandre Deineka resuelve el problema más importante del arte soviético de la época: elabora la imagen del "héroe colectivo". 
                                             "As derribado", 1945

EXPRESIONISMO AUSTRÍACO: EGON SCHIELE

$
0
0
Referencias con la pintura de Klimt
KLIMT: Judith II,
Schiele siempreadmiró aKlimt. Esto supuso una reacción frente al dogmatismo de la formación académica. En lugar del dibujo naturalista del cuerpo y un estilo pictórico en perspectiva, fue adoptando progresivamente los principios creativos de Klimt: la acentuación de la superficie pictórica, sirviéndose tanto del hermoso carácter lineal del dibujo, como de la utilización de ornamentos en sustitución del espacio.
ParaKlimt la línea es siempre la que define el espacio de los cuerpos, incluso cuando en su belleza se independice, se vuelva melódica o rítmica estilizando las figuras. La línea de Schiele, sin embargo, se convierte en un instrumento autónomo de la interpretación; en cierto sentido es inmaterial y en su angulosidad oculta valores emocionales y expresivos. La línea de contorno en la obra de Klimt es fluida y suave, fija el cuerpo como un todo y los dibujos raras veces tienen el carácter de un esbozo. La línea en los dibujos de Schiele, por el contrario, parece frágil y forzada, a menudo es quebradiza, casi nunca recta o curva, se interrumpe y se acentúa o debilita según se acentúe un detalle permaneciendo siempre tan segura y magistral que hasta los críticos más escépticos no pudieron dejar de reconocer la genialidad de los dibujos del artista.
E. SHIELE: "Retrato de Gerti Schiele", 1909            "Muchacha de pie con tela de cuadros", 1910

Las teorías de Kandinsky sobre el valor psicológico de la línea sirvieron para entender la importancia que Schiele dio a la línea y al dibujo. Para Kandinsky los grados de los ángulos (agudo, recto y obtuso) son como la propia actividad artística: la agudeza y la actividad suprema de la visión, la frialdad y la moderación de la realización de la debilidad al terminar el trabajo.
EgonSchiele, junto con OskarKokoschka, es el pintor que ha ejercido la influencia más larga y duradera en el mundo artístico de Viena después de que la gran época de Klimtfinalizara. Tras un leve flirteo con el estilo de Klimt, Schiele cuestionó pronto la orientación estética de la bella superficie del Art Nouveau vienés con sus pinturas escabrosas y difícilmente accesibles. REINHARD STEINER: "SCHIELE"
El narcisismo de Egon Schiele
Autorretrato con la mano a la mejilla, 1910
"En los primeros autorretratos, realizados entre 1905 y 1907, se expresa en principio el deseo imperioso de compensar la pérdida sufrida por la muerte de su padre, que siempre había alabado sus dibujos, mediante una exaltación grandiosa y exhibicionista del propio yo. La temprana admisión en la Academia de Viena a la edad de dieciséis años tuvo que haber confirmado sin duda alguna su ego artístico; consciente de sí mismo, aparece a partir de entonces con la paleta y el aspecto de un dandy. Tras la "Fase Klimt", a partir de 1910, aumenta progresivamente la tensión de los autorretratos. Desde entonces hasta 1913 la mayoría de las representaciones se caracterizan por el exceso de valores expresivos que dificultan su comprensión como simples autorretratos. Estas representaciones niegan el perfil claro de un individuo que siempre es el mismo a pesar de la apariencia múltiple." REINHARD STEINER: "SCHIELE"
                                                                         Profetas (Autorretrato doble). 1911
La duplicidad
"El espejo se convierte en espejo deformante, el reflejo de su propia imagen en un alter ego, en otro yo extraño. Los rasgos dominantes de esta nueva fase, son la delgadez de la figura, las contorsiones virtuosas del cuerpo, una mímica entre estrafalaria y tétrica que no está dominada por ninguna regla comprensible de la afectividad, y un cabello corto y rebelde que se levanta como electrizado. La pose ante el espejo ha desarrollado progresivamente una dinámica propia enajenadora que se corresponde con una forma en el medio dibujo y la pintura, la cual se aparta del modelo natural, es decir de la reproducción en sentido realista.  
Al margen de toda influencia directa, muchos de sus cuadros y poemas están muy cercanos a las ideas de Nieztsche. Por ejemplo, aquellas ideas sobre el cuerpo que se formulan en un capitulo de "Así hablo Zaratustra»: "Hermano, detrás de tus pensamientos y sentimientos se encuentra un poderoso soberano, un sabio desconocido que se llama Yo Mismo. Vive en tu cuerpo y es tu cuerpo." A partir de 1910 el cuerpo desnudo va adquiriendo importancia progresiva como tema central en los autorretratos de Schiele

Con su desnudo se enfrenta de forma programática al encubrimiento ornamental del cuerpo en Gustav Klimt y los partidarios del Sezessionismo lo convierte eb la forma expresiva más consecuente del
autorretrato, no como exposición del cuerpo desnudo, sino como renuncia completa al propio yo. 


El abandono y el aislamiento del yo representado por el propio cuerpo, se corresponde con una supresión radical de toda alusión espacial. Schiele neutraliza el "fondo" mediante superficies monócromas que hacen que el cuerpo se vuelva inestable y los movimientos parezcan erupciones o sacudidas nerviosas. El contorno irregular y anguloso de la figura, cuya aparición resalta todavía más expresiva en contraposición a la superficie neutra, contribuye a alejar la representación del aspecto natural de la imagen del espejo y permite que sobre la superficie del cuerpo aparezcan rasgos expresivos. REINHARD STEINER: "SCHIELE"
La técnica
HeinrichBenesch  conocía la forma de trabajar y el virtuosismo del dibujo de Schiele por haberlo contemplado personalmente y los describió con énfasis:  "La belleza que Schiele nos regala en la forma y el color, nunca existió antes de él. Su dibujo era algo único. La seguridad de su mano era casi infalible. (…) Si alguna vez cometía un fallo, lo que ocurría raras veces, tiraba la hoja; no sabía lo que era una goma de borrar. Schiele creaba sus dibujos solo del natural. En esencia eran contornos que adquirían su plasticidad a través del color. Realizaba el coloreado siempre sin modelo y de memoria.  Schiele, antiacadémico por completo y radicalmente subjetivo, "inventa" ángulos visuales y perspectivas que desfiguran las figuras desde el punto de vista compositivo, mostrándolas contraídas y deformadas.
Autorretratos realizados entre 1910 y 1914
"No hay arte nuevo. Hay artistas nuevos. El artista nuevo tiene que ser completamente fiel a sí mismo, ser un creador, ser capaz de construir sus propios cimientos directamente y solo, sin apoyarse en el pasado o la tradición.... la fórmula es su antítesis." EGON SCHIELE
Una especie de ...¿"sacerdote del arte"? 
"Cuando me vea en mi totalidad, tendré que verme yo mismo, saber yo mismo qué es lo que quiero, no solo lo que me ocurre sino hasta dónde llega mi capacidad de ver, cuáles son mis instrumentos, cuáles son las sustancias misteriosas que me configuran y cuáles son las que predominan, que es lo que reconozco y lo qué hasta ahora he reconocido en mí mismo. Me veo evaporarme y expirar cada vez con más fuerza, las oscilaciones de mi luz astral se aceleran, se vuelven más repentinas, sencillas y similares a un gran reconocimiento del mundo. Así produzco a partir de mi mismo siempre más, siempre cosas más amplias, ilusiones eternas, siempre y cuando el amor, que lo es todo, me enriquezca de este modo y me conduzca allí donde instintivamente me siento atraído, lo que quiero arrancar de mí mismo para aportar otra vez algo nuevo, lo que he percibido a pesar de mí mismo."
“¡Reprimir al artista es un delito, es asesinar la vida cuando germina!”, 1912
"La verdad se ha desvelado", 1913
Autorretrato como San Sebastián (Cartel), 1914-1915
"Mi ser, mi descomposición, trasplantado a valores permanentes, tiene que producir mi fuerza en otros seres desarrollados o más desarrollados, más pronto o más tarde como una religión aparente. Los más avanzados me prestarán atención, los más alejados me mirarán y ¡los que me nieguen vivirán de mi hipnosis! Soy tan rico que me tengo que regalar a otros." EGON SCHIELE
Figuras femeninas



"Los desnudos femeninos de Schiele sugieren al espectador una situación íntima en la cual las figuras se comportan como si en realidad estuvieran solas y nadie las observara. Relajadas por completo y en poses placenteras, parecen abandonarse a sueños y fantasías eróticas. Precisamente por ello el espectador se convierte en voyeur: penetra en la esfera íntima de una persona, ve algo que no está dirigido a él y, no obstante, permanece como espectador secreto." REINHARD STEINER: "SCHIELE"

Imágenes simbólicas: Eros y thanatos
El amor, el erotismo, la soledad, la muerte y la maternidad son representadas simbólicamente por Schiele. Representaciones como “El abrazo”, “La familia”, “Madre e hijo”, "Agonía" “La embarazada y la muerte”, "La doncella y la muerte" muestran el mundo de sus obsesiones.
“El abrazo”, 1917

"Madre con dos niños", 1917
"Cardenal y monja", 1912

"La doncella y la muerte", 1911
"Agonía", 1912

"Vidente" (la muerte y un hombre), 1911

Alejarse de Viena
A Schiele la ciudad le ahogaba. El ambiente puritano de Viena, lleno de prejuicios morales, no encajaba con su libertad expresiva. Necesitaba alejarse de vez en cuando:
“Quiero paladear aguas oscuras y árboles que se quiebran, ver vientos salvajes; quiero mirar asombrado verjas mohosas, Como viven todos ellos, escuchar bosques jóvenes de abedules y las hojas tiritando, quiero ver luz y sol y disfrutar al atardecer de los húmedos valles de color azul verdoso. Sentir como brillan los peces dorados, ver como se forman las nubes blancas, quiero hablar con las flores. Ver con cariño los prados y las gentes sonrosadas, conocer iglesias antiguas y dignas y pequeñas catedrales, quiero correr sin parar por redondeadas colinas y amplias llanuras, quiero besar la tierra y oler las suaves y cálidas flores del musgo; después crearé con tanta hermosura: campos de colores. . .»
Schiele plasma una naturaleza casi de carácter antropomórfico: “Ahora observo sobre todo los movimientos corporales de las montañas, el agua, los árboles y las flores. Por todas partes le recuerdan a uno movimientos similares a los del cuerpo humano, sentimientos similares de alegrías y penas en las plantas.”
Tras la Gran Guerra, realizará una serie de cuadros de vistas urbanas y paisajes en que muestra un modelo de visión más sencillo.
"Ciudad a orillas del río Azul", 1910

"Paisaje en Krumau", 1916
"Stein on the Danube with Terraced Vineyards"
"Cuatro árboles",  1917













En hemeroteca
"Horas más tarde, cruzando la Ringstrasse frente a la mole de la Ópera, sorteando tranvías y bajo una ventisca de dimensiones bíblicas, uno se seguía haciendo preguntas, preguntas baladíes en torno a lo que somos y lo que decimos que somos, lo que pensamos y lo que en realidad decimos que pensamos, lo que deseamos y no somos capaces de revelar... y entonces volvían a aparecer, repetida, obsesivamente, los espejos atormentados de EgonSchiele, sus retratos y autorretratos de angustia y búsqueda, todo ese abanico de interrogantes que uno de los tipos menos clasificables de la historia del arte lanzó al aire en la efervescencia modernista de la Viena de principios del siglo XX. Alguien que hacía preguntas y, desde sus pinturas, trataba de responderlas. Sin rodeos.
Misión condenada al fracaso, horas después de contemplarlos, la de quitarse de la cabeza esos cuerpos dislocados y esas miradas alucinadas, esos pobres diablos desnudos y desafiantes, terribles, esos prohombres de la cultura o las finanzas sabedores de su poder, esos niños en escorzo que posan con ojos de gente mayor, esas mujeres tan plagadas de sexualidad pero tan tristes, esa desolación, toda esa negrura..." 
(...) Un pintor de culto y de trazo poderoso que, casi un siglo después de su muerte, cuenta con legiones de apasionados seguidores que rastrean y olisquean las páginas de sus biografías y de sus catálogos como si buscaran a uno de esos escasos autores que, con su existencia y sus creaciones, rompieron el molde e hicieron saltar en mil pedazos cualquier posibilidad de encasillamiento. 
Porque EgonSchiele se zambulló conscientemente, sí, en las aguas turbulentas del expresionismo, donde tras la bendición de Klimt abrazó la obra de otros artistas de la Secesión vienesa como su amigo Max Oppenheimer y OskarKokoschka
 "Él pensaba que para poder adentrarse a fondo en los entresijos del alma humana, tenía que conocer primero a la perfección la suya, y por eso se pintó a sí mismo tantas veces... Schiele sentía una gran ansiedad ante la vida, ante la sexualidad, ante los misterios del hombre, su vocación irrefrenable era la exploración de la psyche, y al mismo tiempo creía con mucha fe en la capacidad del arte de trascenderlo todo", explica Jane Kallir , máxima especialista mundial en la obra del artista 
Arrogante, orgulloso, melancólico, oscuro, triste, iracundo, solitario... así se muestra Schiele en sus autorretratos, donde parece presentarse a sí mismo como el emisario de otro mundo, como alguien que se ha asomado a algún lugar horrible y ha visto cosas que los demás hombres no han visto." BORJA HERMOSO: "El espejo atormentado de Schiele" ... leer el artículo completo

EGON SCHIELE EN VÍDEO

EXPOSICIÓN DE HOPPER EN EL THYSSEN

$
0
0
Estupenda la exposición de Hopper. La selección de cuadros expuestos es muy completa y representa los distintos temas que abordó: marinas, paisajes rurales y urbanos. Estos últimos me gustan en especial, sobre todo aquellos en que el pintor nos introduce en el interior de un edificio, en la intimidad de una habitación, en una oficina o en un bar de copas y nos muestra un instante de vida cotidiana en el que nada es explícito pero todo es sugerente. 
Eché de menos uno de sus cuadros emblemáticos: "Nighthawks", aunque esa ausencia estuvo compensada por "Habitación de hotel" que está entre mis cuadros preferidos.

"Nighthawks"
Me sorprendió muchísimo una colección de carteles e ilustraciones de revistas que realizó antes de adquirir fama como pintor. Ya apuntaba maneras... ¡son preciosas! Es una pena que apenas encuentre imágenes de esta etapa.
Smash the Hun (1919). Primer premio en el concurso de carteles de guerra.


"El niño y la luna", 1907
Interesante especial de El Paíssobre la exposición de EDWARD HOPPER que se está exhibiendo en el Museo Thyssen desde el día 12 de junio hasta el 16 de septiembre de 2012.
Información muy detallada en la página del Museo Thyssen.

"La exposición reúne la más amplia y ambiciosa selección de la obra del artista estadounidense que se haya mostrado hasta ahora en Europa, con préstamos procedentes de grandes museos e instituciones como el MoMA y el Metropolitan Museum de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, la Addison Gallery of American Art de Andover o la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Filadelfia, además de algunos coleccionistas privados, y con mención especial al Whitney Museum of American Art de Nueva York, que ha cedido 14 obras del legado de Josephine N. Hopper, esposa del pintor."
El pintor del silencio
Entradas relacionadas:
Referencias en el arte de Hopper  La ciudad en la pintura de Edward Hopper y Balthus 

LA ESTÉTICA DEL DEPORTE

$
0
0
Ritmo, tensión, movimiento...todo ello fue objeto de estudio de los grandes artistas de la Historia. Para plasmar la realidad de las figuras, era necesario analizar la anatomía corporal, su estructura ósea, su musculatura, el cuerpo humano en reposo y en movimiento; las relaciones de equilibrio e inestabilidad; el movimiento en potencia, su desarrollo y su culmen. 
Los artistas griegos fueron los primeros que se acercaron a la realidad en la representación de los atletas que participaban en las Olimpiadas pero será el momento del regreso de la cultura clásica, en el Renacimiento, cuando se realice un estudio científico del cuerpo humano y Leonardo da Vinci, uno de sus principales artífices.
A partir del siglo XIX, con la aparición de la fotografía, se buscan nuevos caminos en el arte... los artistas debieron pensar que nada era mejor que la fotografía para captar la realidad y se fueron alejando de ella. Así llegó el Impresionismo y Postimpresionismo, el Cubismo o la Abstracción. Más tarde, muchos de ellos, volvieron a mostrar la realidad -Hiperrealismo- con tal maestría que incluso fueron más allá de lo visible... entrando en el terreno de lo psicológico: captando estados de ánimo, relaciones entre el hombre y el medio, la fragilidad del ser... Recordemos a Antonio López, Richard Estes o Edward Hopper...
Creo que para captar una imagen del movimiento, la fotografía y el vídeo no tienen nada que los sustituya hoy. Incluso los artistas hiperrealistas recurren a aquella. Esta entrada es un pequeño homenaje a las extraordinarias tomas fotográficas de la actividad deportiva que alcanza en muchas ocasiones una calidad artística espectacular.
Coordinación, color y ritmo
Equilibrio
Efectismo visual






¿Vuela?
Concentración y fuerza


Compitiendo
La imagen duplicada

Estrategia de un triunfador
A favor del viento





Iniciando el movimiento
Máximo esfuerzo
Al fin... la meta
Precisión
Cuerpo a cuerpo

Energía


Fuentes: la mayoría de las imágenes proceden de La Voz de Galicia y El País

BORJA BONAFUENTE GONZALO: HIPERREALISMO DEL SIGLO XXI

$
0
0
"Amanda II"
Borja Bonafuente Gonzalo (1978, Madrid). 
Pintor, ilustrador y diseñador que vive en Madrid.
Como pintor toma lecciones de dibujo durante unos meses en la Art Students League de Nueva York con Nelson Shanks y David Kassan. Principalmente autodidacta, comienza su etapa hiperrealista con una serie de retratos autobiográficos pero usando a amigos como modelos. Pinta siempre con óleo sobre tabla de madera. El retrato tiene un papel fundamental en su obra. Le interesa mostrar los rostros de su entorno afectivo.
En su obra destaca...
La calidad y transparencia de la piel a través de la cual se perciben incluso los huesos, esa piel con sus tonos diferentes, el pelo, las pestañas, las venas, la barba incipiente... todo podría sugerir que estamos ante fotografías, pero las texturas nos llevan a apreciar el óleo, esta técnica de secado lento que permite recrearse en la representación de cada rasgo. A ello se añade el gesto, la mirada y la luz. Sin duda estamos ante un pintor en el comienzo de una carrera prometedora. Su vinculación con la música se aprecia incluso en los títulos de sus cuadros.
  "There’s a grey stonechapelhere at Folsom"
“Descubrió que quería dedicarse a pintar el día que se imaginó al Felipe IV de Velázquez con una camiseta de AC/DC y se puso a ver qué salía de aquella idea.”RAI ROBLEDO
"AÑO CERO"
Comienza exponiendo en shows minoritarios y temáticos hasta que empieza a trabajar con la Galería MS (Madrid) donde consigue su primer "sold out" con su serie llamada "AÑO CERO".  
"WhenWeWasFab"
 Instinto creador.
“Llevo dibujando toda la vida (cómics, carteles… lo que pillase) pero lo que se dice pintar con óleo y lienzo o tabla, empecé a los 27 (como Van Gogh). Un día te despiertas pensando lo bien que quedaría un cuadro con base clásica de esos que ves en el Prado pero con camiseta y vaqueros y esa misma tarde te pones a probar que sale. Al final me gustó el experimento y continué con ello. Hasta hoy que puedes ver y juzgar lo que salió de aquello.”
"Amanda"
Borja Bonafuente pinta a sus amigos.
"Un día volví al óleo para pintar a la gente cercana al estilo de un retrato de siglo XVIII, pero de un modo contemporáneo (vaqueros, camiseta etcétera)..."











  Su visión de la pintura
"Cualquier cuadro bueno que veo, ya sea en un museo o en una revista, me lleva a ponerme a pintar con ganas. Ves la expresión de ese modelo o como han pintado ese vestido en ese otro cuadro y necesitas llegar a casa para jugar con ello. No es un superar ni compararte con nadie, por supuesto que no, simplemente es ver algo bueno y tener unas ganas irrefrenables de ponerme a pintar. No es controlable. Si hablamos de otros pintores que me hayan hecho sentarme a pintar, podemos hablar del tremendísimo Eloy Morales, gran pintor y gran amigo que pincelada que da, boca abierta que me deja. Increíble, echadle un ojo".
"Yoko for one day"

                                                  "Shhhh"

"Master"
Velázquez, Picasso, Antonio López, Eloy Morales, David Kassan, Richard Estes... están entre sus pintores favoritos.
Le gusta el “aire” de los cuadros de Velázquez.
En una entrevista que le hicieron para la página "Beat On The Blue", le preguntaron ¿A quien consideras el mejor artista del Siglo XX? Su respuesta fue "Hablando en general y no sólo por su pintura: Picasso. Por todo lo que llegó a hacer, hasta donde llegó y la de puertas que abrió con su arte y personalidad. Un todoterreno que arrasó con todo lo que se le puso por delante. Si podemos salirnos del tema pintura, no dudaré en decir que The Beatles."
De Antonio López opina que…”es el pintor actual más internacional y que más va a perdurar en el tiempo de todos los que tenemos. En pocas décadas Antonio López va a ser el nuevo Velázquez. Hasta ese nivel va a ser tratado sin la más mínima duda.”
"Año Uno".
 En 2012 se monta su primera exposición individual (llamada "Año Uno") también en la Galería MS llamando la atención de varias revistas y magazines que le dedican varios artículos como la revista Rolling Stone o Calle 20 (entrevista en issuu). Aunque las dos exposiciones estén separadas por un año de diferencia, ambas están conectadas por esa misma historia autobiográfica detrás de los cuadros. Tras esta individual, comienza a trabajar con la galería Rayuela/Fernández Braso cuando los galeristas le llaman para ser parte de su exposición "Diálogos", exponiendo al lado de artistas como Andrea Santolaya o Pablo Genovés.
          "I ge by with a little help from ny friends"
De su primera exposición en España, la revista “Rolling Stone” en su nº del 1 de marzo  destacó sus últimos trabajos. "El artista e ilustrador Borja Bonafuente Gonzalo muestra sus trabajos basados en iconos del rock. Un prisma hiperrealista para un creador que necesita The Beatles para vivir y coger el pincel. No se equivoque, estas son pinturas, no fotografías".
En la portada de la revista, de la que es habitual colaborador, aparecía la imagen de uno de sus mitos musicales, PaulMcCartney.
     "Remember New York staring outside"
                                   "I just wanna"
                                 "I will be there"
"Talk to me"
                     "See you in your dreams"
Dos pasiones: la música y la pintura 
BBG une las dos formas de expresión..."no puedo vivir sin la música, ni pintando".
"He sido un gran fan de los Beatles desde la primera vez que vi a Paul McCartney cuando yo era un niño. Lo que hicieron, como lo hicieron y como influyeron en tantas personas y todavía lo hacen hoy. Pienso que ellos han cambiado tantas cosas con sus canciones y lo que decían y el modo de interpretarlo".

El proceso creador
"Con el éxito primero viene el trabajo. Ensuciarse y agotarse. Cubierto de pintura y cansado = éxito. Esta imagen, para mí, representa todo lo que significa ser un artista. Levantando una mano para decir “He aquí, esto ha terminado” con la última cantidad de fuerza que uno tiene. Hay que darlo todo y será recompensado por ello."
"Uno no debe rendirse, debe continuar hasta que consiga su objetivo y aun cuando esto pueda doler, o parecer imposible o esté completamente cubierto de pintura durante el proceso, hay que continuar hasta conseguir lo que uno quiere. Nadie le dijo que esto iba a ser fácil. Tal vez se termine completamente destruido a lo largo del camino pero al final se alcanzará el éxito si uno se lo propone y trabaja para ello."
 Diseños para la industria musical .
BBG ha diseñado las portadas de discoscomo el de Amaral: "Hacia lo salvaje", el de Antonio Vega:"Antes de haber nacido"el último album de Christina Rosenvinge: "La joven Dolores"o el de The Mockers:"Hombres de la Mancha".

Para el album de Christina Rosenvinge: "La joven Dolores".
En esta representación de Cristina hay una evocación del cuadro de Ofelia, del pintor prerrafaelista Millais, pero no se representa moribunda como aquella (tumbada mirando hacia arriba), sino de frente al espectador como intentando sobrevivir.





MusicPlaylistView Profile
Create a playlist at MixPod.com

Enlaces:

Referencias:


RENZO PIANO: EL CONSTRUCTOR HUMANISTA I

$
0
0

"FundaciónBeyeler", Basilea, Suiza (1992-1997)

 
Sobre la belleza en la arquitectura
“La belleza me intimida y la rechazaba. Me parecía una concesión, algo formal, elitista. Y era por una cuestión de educación, claro. Cuando de niño iba a las obras con mi padre me parecía que la arquitectura era construcción. Así de simple y sin dudar. Luego, cuando estudié, pensé que era política, un arte social. De nuevo, lo creí sin dudar. Hoy dudo de todo, pero creo que la parte artística es fundamental porque el arte mejora al ser humano. Un lugar pensado para la gente hace mejor a la gente. Eso obliga a que los arquitectos nos desdoblemos. Debemos ser constructores, sociólogos y poetas.”
"Trans National Place", Boston, Massachusetts, 2006
“La arquitectura es a la vez el arte de hacer edificios sólidos y permanentes para la gente y el arte de soñar con mejores ciudades. Las ciudades y los edificios deben entender a la gente, si no son fallidos. Pero hay más. Yo aprendí tarde que el objetivo de la arquitectura es el arte.”Entrevista en El País por
 Metabolizar la experiencia
“Si tengo que diseñar un lugar, ¿por qué debería olvidar que ya lo he hecho cien veces? (…)es la repetición de los gestos, como la del artesano o el pianista, lo que crea lo que denomino “estratificación de la experiencia”. Si rechazas esta sana continuidad en una trayectoria profesional, cometes el error de querer inventar algo nuevo a toda costa. Yo no busco el estilo, sino un metabolismo de la experiencia”.
Renzo Piano conoció a Richard Rogers en la "Architectural Association School" en Londres. Las afinidades entre ambos les llevaron a asociarse formando el estudio Piano & Rogers.
En 1970 RENZO PIANO y RICHARD ROGERS, ambos desconocidos en ese momento, colaboraron y erigieron uno de los edificios más famosos y radicales de nuestro tiempo, el CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO GEORGE POMPIDOU. El edificio se originó gracias al impulso del presidente Georges Pompidou, quien en 1970 lo ideó para revitalizar el barrio Les Halles. Convocó un concurso
 arquitectónico y el proyecto elegido fue el de Renzo Piano, Gianfranco Franchini y Richard Rogers.
En la construcción del Centro Pompidou. Piano cuenta con la colaboración de Peter Rice (ingeniero especializado en la construcción de estructuras de acero) con el cual crea el "Taller Piano et Rice" activo del 1977 al 1981.
Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou", París (1970-1977)
"(…) Su propuesta ejemplificaba el constructivismo y un moderno centro cultural con alta tecnología (high-tech), estructurado con un sistema de ménsulas y cerchas, diferente a todo lo visto en el mundo de la arquitectura hasta ese entonces. (…) Los arquitectos propusieron un contenedor flexible, en el cual todos los espacios interiores y elementos exteriores pueden ser modificados o cambiados según se requiera. Es así, como el centro es un mecano que cambia constantemente.
(…) La estructura forma una malla de acero que proporciona un marco estable, dentro delcual pueden colocarse y cambiarse permanentemente los suelos y tabiques para formar distintos tipos de espacios interiores. El recubrimiento exterior es de acero y vidrio, que incorpora elementos sólidos metálicos y que está separado de la estructura para permitir el recambio de partes fácilmente". Fuente: plataforma arquitectura.




Su relación laboral con hombres como Peter Rice dan fe del enriquecimiento que ha introducido en su arquitectura al ahondar en el rigor aplicado del ingeniero.
"Peter diseñaba estructuras como un pianista capaz de tocar con los ojos cerrados". Piano.

El arquitecto y el ingeniero 
RICE afirmaba que:"El arquitecto, al igual que el artista, está motivado por consideraciones personales, mientras que el ingeniero trata fundamentalmente de transformar el problema en uno que exprese las propiedades esenciales de la estructura, el material o cualquier otro elemento impersonal. Esta distinción entre creación e invención es la clave para comprender la diferencia entre el arquitecto y el ingeniero, y cómo ambos pueden trabajar en el mismo proyecto pero contribuir de formas muy distintas”.
En 1977, junto con el ingeniero Peter Rice, fundó un nuevo estudio en Génova. De ahí saldrían en los años siguientes, y hasta la muerte de Rice en 1993, trabajos altamente reflexivos. 
                               MUSEO DE LA MENIL COLLECTION



Entre las obras más relevantes de esta etapa destaca el MUSEO 
DE LA MENIL COLLECTION(Houston, Estados Unidos, 1981-1986), destinado a alojar una importante colección privada de arte primitivo y contemporáneo. La propietaria, Dominique de Menil, había impuesto el diseño. Insistió en la necesidad de utilizar toda la luz natural posible, lo cual llevó al arquitecto a buscar sistemas innovadores para controlar y aprovechar el sol de Texas.
MUSEO DE LA MENIL COLLECTION
Para ello se creó un edificio en el que los distintos volúmenes y planos se interrelacionaron entre sí y con el exterior a partir de una galería circundante. 
 Uno de los elementos más logrados fue la cubierta de las salas de exposiciones, creada mediante un entramado de finísimas placas de hormigón que, a la vez que dejaban penetrar la luz solar, impedían que los rayos ultravioletas, dañinos para la conservación de las piezas, se filtraran en el interior.  Piano y Rice resolvieron el problema de la luz con un sistema modular en forma de hoja. Para ello utilizaron materiales inusuales. 
Así lo expresó RICE: "El ferrocemento y el hierro dúctil fueron dos de esos materiales. Combinándolos, tratamos de entretejer la extrema fragilidad del hierro dúctil con la textura blanda y granulada del ferrocemento para crear un todo fusionado continuo"


MUSEO DE LA FUNDACIÓN BEYELER. BASILEA, SUIZA. 1992-1997 
En 1991 se encargó a Renzo Piano, la creación de una sede para la colección de arte contemporáneo de Ernst y HildyBeyeler. Piano realizó una obra espléndida, fundida con la naturaleza, con predominio de líneas horizontales y en la que el cristal de la techumbre y parte de los muros son protagonistas de la construcción.
Armonía entre arte y naturaleza 
El edificio se abre hacia el parque en calidad de terraza cerrada con cristales, y establece una relación directa entre lo interior y lo exterior. Todos los muros exteriores fueron revestidos de pórfido rojo de Patagonia. Piedra, acero y cristal son los materiales elegidos.
En las galerías, las paredes blancas y los suelos de madera clara crean la atmósfera de serenidad exigida por el fundador de la fundación, Ernst Beyeler, uno de los mayores coleccionistas de arte contemporáneo. 
En sus salas se pueden admirar obras de Giacometti, Rodin, Calder, Miró o Monet, entre otras. 
"Arquitectura sobria, capaz de fundir naturaleza, espacio, luz y arte con una elegancia intemporal".Floriana De Rosa FLOORNATURE

CENTRO CULTURAL JEAN MARIE TJIBAOU. NOUMEA
(NUEVA CALEDONIA, 1991-1998)
Tras la muerte de Jean-Marie Tjibaou, líder del movimiento independentista de Nueva Caledonia (colonia de Francia desde 1864 hasta 1946), Mitterrand promovió la creación de un centro para proteger la cultura indígena. Se realiza un concurso internacional que gana Renzo Piano.
Arquitectura sostenible
Piano realizó una especie de poblado, sede de exposiciones, congresos y actividades creativas. Alrededor de un atrio se disponen cáscaras curvadas, construidas con listeles de madera, siguiendo la estructura de la aldea tradicionalde la civilización Kanak.  Realizada por RP en colaboración con Paul Vincent.
El material es el iroko, madera importada de Ghana, resistente a la humedad y a los insectos.
Junto a la delicadeza de los materiales y la armonía con el medio ambiente, el proyecto no se olvida de aplicar la tecnología en el interior de las 10 chozas levantadas sobre un promontorio rodeado de árboles. A merced de los vientos, el conjunto transmite una serena vibración. Un sistema de tejado doble con paneles de madera laminada juega con las corrientes. Con la ayuda de ordenadores la brisa puede entrar. Cuando el aire arrecia, el sistema se cierra.
El conjunto se encuentra en Nouméa, la capital del archipiélago de Nueva Caledonia. Situado en una península que se extiende hacia el océano, rica en vegetación garantizando así un contacto directo con la naturaleza.

"Tenía cincuenta años cuando descubrí la cultura del Pacífico. Es la cultura de la ligereza y lo efímero. Aunque me crié en Europa, me siento mucho más cerca del Pacífico, donde la ligereza o el viento son mucho más resistentes que la piedra. (...) En Japón, no cabe la menor duda de que la cultura de lo ligero y lo efímero es mucho más estable que la solidez de cualquier piedra"
"Renzo Piano es un maestro de la mecánica de la ligereza. Sabe que la arquitectura está unida a la tierra, pero ha encontrado su lugar en el equilibrio de tensión entre la tierra y el cielo" PHILIP JODIDIO: PIANO. Editorial Taschen.
En el edificio aunó las culturas del Pacífico y la modernidad. En 1998, año en que finalizaron las obras del conjunto, Piano recibió en la Casa Blanca de manos del presidente de Estados Unidos, Bill Clinton, el prestigioso Premio Pritzker, considerado el Nobel de la arquitectura.





El Jurado de los premios Pritzker valora la arquitectura de Renzo Piano
 “La colección de edificios de Renzo Piano es sorprendente en alcance y completa en la diversidad de escalas, materiales y formas. (…) un arquitecto cuya inspiración parte de los maestros modernos que le precedieron y se remonta hasta el siglo XV de Brunelleschi. Piano ha sido fiel al concepto de que el arquitecto debe controlar todas las facetas del proceso de construcción, desde el diseño hasta la propia obra. Tan importante es para el él trabajo manual como la aplicación de técnicas informáticas, y hace gala de una gran sensibilidad por los materiales, ya utilice vidrio, metal, mampostería o madera. Dichos conceptos, valores y sensibilidades no son ajenos para alguien cuyo padre, tíos y abuelo fueron albañiles”.
Discurso de Renzo Piano tras recibir el Pritzker
 “Nací en el seno de una familia de albañiles y ello hizo que surgiera en mí una relación con el arte de hacer. Siempre me gusto ir a las obras de mi padre y ver crecer las cosas a partir de la nada, creadas por la mano del hombre. Para un niño es algo mágico; hoy ves un montón de arena y ladrillos, mañana una pared que se sostiene sola y al final aquello se convierte en un edificio alto y sólido en el que pueden vivir personas… he pasado la vida haciendo lo que soñaba de pequeño”.
La arquitectura es un arte. Utiliza la técnica para generar emoción y lo hace con su propio lenguaje, un lenguaje construido con espacio, proporciones, luz y materiales (para un arquitecto la materia es como el sonido para un músico o las palabras para un poeta). Hay una cuestión que tiene para mí, capital importancia: la ligereza (como es lógico, no referida únicamente a la masa física de los objetos)”. En mis obras trato de utilizar elementos inmateriales como la transparencia, la ligereza y la vibración de la luz. Creo que son una parte de la composición igual que las formas y los volúmenes”.

RENZO PIANO: EL CONSTRUCTOR HUMANISTA II

$
0
0
BUILDING WORKSHOP, PUNTA NAVE, ITALIA. 1989-1991
"Mi estudio rinde homenaje a mi patria ... recostado entre las montañas y la playa, una situación a la que nosotros, los ligures, estamos bastante acostumbrados".





"Ningún campesino equivoca la ubicación de su casa. En el Mediterráneo construían sus viviendas con materiales de la región y gruesos muros para resguardar del sol en el verano y mantener la calidez de los rayos invernales."

AEROPUERTO INTERNACIONAL DE KANSAI, OSAKA, JAPÓN (1988-1994)

El aeropuerto es una isla en la bahía de Osaka, a 5 kms de la costa, unida por un puente y un tren. Se comenzó a construir con dos equipos de 4.000 y 10.000 trabajadores cada uno, que iniciaron sus trabajos desde el norte y el sur, hasta encontrarse en el punto medio. Tardaron tres años y dos meses y precisaron deshacer tres montañas para conseguir tierra.
La estructura es de acero, con una forma dinámica. El diseño recuerda el de las alas de un avión.
La terminal del aeropuerto de Kansai, en Japón, es uno de los proyectos arquitectónicos más importantes del siglo XX. Cuando Renzo Piano se hizo cargo del proyecto, sabía que éste se iba a situar sobre una zona sísmica de las más activas del planeta. La terminal se construyó en el mar sobre un lecho de tierra inestable. Para ello hubo que asentar el terreno (aún hoy no ha terminado de hacerlo) y dotar a las instalaciones de una robustez a fuerza de huracanes y movimientos tectónicos. 
La principal innovación del proyecto fue la aerodinámica y ondulante cubierta de la terminal, que, lejos de ser un capricho estético, vino determinada por las investigaciones y los cálculos de resistencia estructural. El éxito de esta obra colosal se confirmó en 1995 cuando un fuerte terremoto sacudió el área de Osaka y en Kansai ni tan siquiera se rompieron las cristaleras. 

FÁBRICA DE FIAT EN LINGOTTO (1983-2003)  
La antigua fábrica de la FIAT, símbolo de la identidad de Turín en el siglo XX, "ilLingotto" fue el primer edificio industrial construido en Italia. En 1983, después del cierre definitivo de la fábrica, se decidió convertirla en un gran centro polifuncional.
Renzo Piano  ganó el concurso arquitectónico para crear unnuevo espacio público para la ciudad.
"Una vez finalizada, Lingotto será una auténtica máquina, capaz de interactuar con el clima y enlazar con todos los sistemas de comunicación existentes." Renzo Piano
Piano añadió a la antigua fábrica un helipuerto y una exclusiva sala de reuniones con forma de burbuja -”La Bolla”- y con una espectacular panorámica de Turín y los Alpes que la rodean. Además de un enorme Centro de Congresos, la antigua fábrica alberga una pinacoteca, un auditorium, un hotel, un centro de servicios, una zona comercial, una serie de oficinas de dirección y la sede de la Facultad de Ingeniería Automovilística del Politécnico.

PINACOTECA GIOVANNI Y MARELLA AGNELLI 


MAISON HERMES 1998-2001
Este proyecto representó un desafío doble, tantoestético como técnico: se trataba de concebir un edificio que, en la diversidad arquitectónica de Tokio, fuera un icono de la arquitectura y respondiera a las prescripciones parasísmicas estrictas que existían en Japón. El problema principal consistía en enfrentarse con conmociones ondulatorias laterales en un edificio cuyo espesor es sólo de 11 metros. El sistema antisísmico concebido se inspira en templos tradicionales japoneses. La espina dorsal del edificio está constituida por una estructura de acero.
Cada uno de 13 000 bloques de vidrio de la fachada puede  desplazarse hasta 4 milímetros absorbiendo así posibles movimientos sísmicos.

POTSDAMER PLATZ (DAIMLER-BENZ), BERLÍN, ALEMANIA  (1992-2000) 
Potsdamer Platz es una plaza publica del centro de Berlín, uno de los lugares más destacados de la ciudad. Desde el siglo XIX fue una zona de densa actividad comercial y cultural.
PotsdamerPlatz, como el resto de la ciudad, se vio sometida al bombardeo aliado durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, lo que llevó a la casi total destrucción de sus edificaciones. 

La naturaleza, el verdor y el agua han sido utilizados como elementos de conexión y engranaje. Se creó  un lago a partir de Landwehrkanal, que se encuentra en la frontera meridional del sitio.Entre los edificios se levanta una gran sala de cine, una torre, sede del grupo Daimler-Benz.
"… la Ciudad es una estupenda emoción humana. La ciudad es una invención; es más, ¡es la invención del hombre! La ciudad no es algo virtual, sino físico, porque está llena de humanidad. La ciudad es un continuo devenir: cuando tuve que reestructurar el viejo puerto de Génova, uno de losproblemas con los que me enfrenté fue la relación con la ciudad vieja, es decir, la relación entre una estructura estable y consolidada en el tiempo, y una estructura flexible construida a base de grúas y barcos que llegan y parten desde y hacia todo el mundo. 
Puerto de Génova
"Un trozo de ciudad no se fabrica en cinco años (y éste es el problema que tuvimos que afrontar en PotsdamerPlatz). Es como hacer un niño en nueve semanas en lugar de en nueve meses. Existen unas fases fisiológicas ineludibles. Por definición, una ciudad es “lenta”, crece homeopática y no quirúrgicamente, y sus tiempos fisiológicos son largos. Una ciudad no se diseña, simplemente se construye ella sola. Basta con escucharla, porque la ciudad es el reflejo de muchas historias. La ciudad está hechas de casas, calles, plazas y jardines que son el reflejo de la realidad, y cada uno de ellos narra una historia…" Renzo Piano, La responsabilidad del arquitecto. Conversación con Renzo Cassigoli


“Veo la torre como una pequeña ciudad vertical en la que trabajarán y disfrutarán unas 10.000 personas y por la que pasarán cientos de miles.
(…) La arquitectura consiste en narrar historias y expresar visiones, y la memoria es parte de ella. Nuestra memoria está impregnada de historia. Por ello el diseño hace alusión a los chapiteles. (…) la catedral de San Pablo es un monumento extraordinario y un elemento intrínseco del patrimonio de Londres. Creo que la nueva torre no mermará su majestuosidad. Ambos respiran el mismo aire, comparten la misma atmósfera y beben de la misma fuente.”
The Shard London Bridge Tower, 2004-2012

La estructura se integra en tres colinas artificiales. La primera contiene un auditorio y un museo infantil. La colina central acoge el espacio principal de exposiciones y el último volumen un centro para el estudio de la obra de Klee.
Debido a la sensibilidad a la luz de muchas de las obras del artista, la luz natural no entra libremente por el techo y parte del tejado se cubrió de vegetación, destacando así la simbiosis de la arquitectura con el paisaje.
NEMO (NATIONAL CENTER FOR SIENCE AND TECHNOLOGY), 1997
CENTRAL  SAINT GILES BUILDING, 2001-2010
Situado en Camden, en pleno centro de Londres, el proyecto forma parte de un complejo urbano de calles medievales, modernos edificios y tradicionales bloques urbanos.
El esquema se compone de volúmenes complejos, que son fragmentados y reducidos en escala para que coincida con los edificios circundantes. Estos volúmenes son una escultura arquitectónica impresionante, caracterizada por una combinación de fachadas brillantes. Compuestas por 134.000 placas de color verde, naranja, amarillo y lima de terracota vidriada.
“La idea del color llegó tras observar lo sorprendentes que resultan los colores brillantes en esa parte de la ciudad. Las ciudades no deberían ser aburridas o repetitivas. Uno de los motivos de que las ciudades sean tan hermosas es que están llenas de sorpresas, y la idea del color representa una alegre sorpresa.Quería construir un edificio que sonriese. Un día iba por una calle próxima y vi tiendas en las que vendían edificios musicales de colores muy bonitos: amarillos, rojos y azules” Renzo Piano
MORGAN LIBRARY, NUEVA YORK (2000-2006) 
SEDE DE THE NEW YORK TIMES, NUEVA YORK, ESTADOS UNIDOS(2000-2007)
“Piano no ha dejado que el éxito distorsione su método artesanal de trabajo, rehusando crecer, declinando la inmensa mayoría de los encargos o invitaciones a concursos, renunciando a enseñar fuera del estudio y limitando sus intervenciones públicas a dos o tres anuales, casi siempre vinculadas a exposiciones de su obra. Esta actitud reticente no ha impedido al genovés construir en todo el mundo, porque su popularidad reside precisamente en la universalidad de su lenguaje: geometrías precisas, detalles exquisitos y espacios luminosos.
Es difícil resistirse a una arquitectura basada en el orden, la construcción y la claridad, y no es extraño que esa combinación equilibrada de exactitud e invención fascine por igual a clientes y a colegas. (…)Los colegas, porque admiran la actitud permanentemente experimental del BuildingWorkshop, que hace de cada obra nueva un viaje de exploración, y el refinamiento tecnológico que consigue aunar el rigor pedagógico de los ensambles con la sensualidad táctil de los materiales”.Luis Fernández Galiano

HENRY MOORE: MATERIA, VOLUMEN, VACÍO...

$
0
0

La escultura regresa a sus orígenes
"Xochipilli" es el dios azteca de la belleza, la música, el amor y la danza. En esta obra se inspiró Moore para la obra de 1922, hoy en paradero desconocido.
 "El arte primitivo y abstracto es la respuesta espiritual al caos". WORRINGER
La Primera Guerra Mundial dejó una huella profunda en Henry Moore describiéndola como "el gran derramamiento de sangre y dolor, la insoportable agonía y la depravación, las lágrimas y la maldad humana de la guerra".El sentimiento general era que la guerra había mostrado una civilización en bancarrota moral. Solo una vuelta a los orígenes, a las formas y sentimientos primarios, podría volver a dar vida a las agotadas formas artísticas de un país agotado.
Aunque el artista siguió un aprendizaje académico, enseguida buscó un lenguaje propio y en los años veinte se unió a la corriente artística que volvió su mirada hacia las formas primitivas (Picasso, Derain, Brancusi...). La escultura de Gaudier-Brzeska, así como las de Jacob Epstein y las esculturas arcaicas, tendrán una influencia directa en el trabajo de Moore, que inicia en 1922 una de sus series más célebres, Madre e hijo.
Esta etapa de su obra surge por el contacto con Epstein -coleccionista de tallas africanas- y las visitas al Museo Británico cuyas piezas egipcias, precolombinas, cicládicas y africanas fueron una fuente de inspiración.
"Todo lo que yo necesitaba lo encontré en Picasso y en el Museo Británico". Henry Moore
En el Royal College of Art trabajó con los métodos de la escultura tradicional y a lo que le interesaba de verdad le dedicaba las vacaciones.
"Chacmol", escultura azteca. Museo Nacional de Antropología. Ciudad de México

(…) “Si Rodin buscó en el mito y la tradición literaria sus fuentes de inspiración, Moore las encontró en las formas maya-toltecas y mesopotámicas. Únicamente coincidieron en un punto, y éste fue magistral: su fijación en Miguel Ángel. Ambos creían que la verdad de la escultura era moral, y que ésta debía florecer desde el interior hacia fuera. "Parece como si la forma está presionando desde dentro para salir al exterior o liberar la fuerza que contiene", escribió Moore”. Ángela Molina
Henry Moore: "Figura reclinada", 1929
En esta figura se puede observar el bloque rectangular del que surge la obra. Puede ser una evocación precolombina -Chacmol azteca-. También recuerda monumentos funerarios de los etruscos que el artista conoció en su viaje a Roma. Asimismo,  la idea de mujer reclinada, podría arrancar de la figura de "la Noche" de una de las tumbas de los Médici y que impresionó al artista que admiraba profundamente a Miguel Ángel.

¿Cómo es la escultura de Moore?
Temas
Interés del artista por los problemas de la representación de la figura humana y sus posibilidades expresivas.Sus temas preferidos eran madres con hijos, grupos familiares, guerreros caídos y la figura humana reclinada.
Moore abandona suspostulados tradicionales a partir de la década de 1930 con su vinculación a la escultura abstracta.
Siguió experimentando y en su obra cultivó dos corrientes opuestas: la abstracción y el surrealismo. A mediados de la década recupera su interés por lo figurativo aunque aportando una reinterpretación personal.





Esculturas de formas fragmentadas: composiciones en varias piezas.







Materiales
Muy diversos:alabastro, madera, piedra y más tarde el bronce y el mármol. Superficies inacabadas.
Me interesa profundamente la figura humana, pero he descubierto leyes formales y rítmicas al estudiar formas naturales como guijarros, rocas, huesos,conchas,árboles y plantas.
(…) Los guijarros y las piedrasnos muestran cómo trabaja la piedra la naturaleza. Los guijarros pulidos por el mar nos muestran cómo puede alisarse o frotarse la piedra y los principios de la asimetría. Las secciones y hendiduras de las rocas, por otra parte, nos muestran el vigor de un bloque irregular. Los huesos tienen una fuerza estructural maravillosa y un gran interés formal; los troncos de los árboles nos muestran principios como el desarrollo y la fuerza de las articulaciones, que permiten pasar ágilmente de una parte a otra; las conchas muestran las formas duras pero huecas de la naturaleza (la escultura en metal) y poseen una plenitud formal absolutamente única”.














Las formas: proceso creativo 
"La diferencia entre modelar y tallar es que modelar es más rápido y proporciona la oportunidad de desprenderse de las ideas de uno“ (…) “Esto es lo que el escultor debe hacer: debe esforzarse continuamente por pensar en la forma y utilizarla en su plenitud espacial. El escultor posee la forma, tal como es, en la cabeza, la concibe independientemente de sus dimensiones, como si pudiese atraparla en la palma de la mano. Visualiza mentalmente una forma compleja desde todos los ángulos. Al mirar desde un ángulo sabe perfectamente como es el ángulo opuesto, se identifica con el centro de gravedad del bloque, con su masa, con su peso; calculo su volumen y el espacio que la forma desplaza en el aire.”
El vacío activo
Una de las características más significativas de su obra es el valor que da al hueco que se hace expresivo y forma parte esencial de la misma. La masa se destaca por contraste con los huecos.A partir de 1940 el hueco y la masa tendrán la misma importancia en su obra.Opone con maestría los volúmenes cóncavos y convexos. El espacio forma parte de la obra.

Composición
Composición definida por perfiles curvos y ondulados con los que se consigue un ritmo cerrado, envolvente, sensual, que da a sus maternidades una sensación de protección.
"Madre e hijo", 1983
“Actualmente la armadura es una cáscara exterior que, como la concha de un caracol está ahí para proteger las formas más vulnerables de su interior; como si fuera una armadura para humanos, que se coloca para proteger el cuerpo suave. Esto me ha llevado a veces a la idea de la Madre y el Niño que en su forma externa, la madre, le da protección a la forma interior, el niño, como una madre protege a su hijo.”  HENRY MOORE
Escultura al aire libre
"Double Oval", 1966. Fundación Henry Moore en Perry Green

Escultura al aire libre que muestra el interés de Moore por la figuración humana vinculada al medio natural lo que da como resultado una escala monumentalen estas esculturas.
"La escultura es un arte para mostrarlo al aire libre. Necesita la luz del día, los rayos del sol; para mí, su mejor escenario y completo es la naturaleza"

Gardens and fields at Much Hadham, England
Compromiso en la cultura y en la política
"Entre el grupo de sus obras menos conocidas, presenta las cabezas con cascos, símbolos de guerra, de la dualidad negativa, de la superficie que protege y a la vez ataca."Julieta Rudich
"Guerrero con escudo", 1954
"Cabeza-casco nº 4: interior-exterior", 1963

Henry Moore: un escultor plurifacético



AXEL PETERSSON, LA EXPRESIVIDAD DE LA TALLA EN MADERA

$
0
0
"El tribunal del distrito", 1910
"El tribunal del distrito", 1910 (detalle)

"El tribunal del distrito", 1910 (detalle)
Autorretrato
AXEL PETERSSON, DÖDERHULTARN
(1860-1925) fue uno de los más famosos maestros de la talla en madera de Escandinavia.
Cuando era niño su interés principal estaba en tallar y tallar figuras pequeñas. 
Firmó los primeros muñecos con el nombre Döderhultarn, evocador de la aldea donde había nacido y que se convirtió en su apodo.
Sus figuritas se vendían en el mercado local en Oskarshamn.  
Su entorno no dio valor a su  actividad, pero alrededor de 1900, comenzó a tallar en un estilo minimalista que le hizo famoso. 
En 1909, Petersson fue invitado a participar en una exposición en Estocolmo. La respuesta del público a su trabajo fue abrumadora. GeorgNordensvan escribió en el periódico DagensNyheter en  1909: "los viejos de Axel Petersson son irresistiblemente divertidos. Representados en un arte primitivo, hecho con contornos sencillos utilizando sólo un par de golpes, pero se trata de un artista con ojo certero y manos ágiles. Un nuevo concepto artístico con un toque personal... pequeñas obras maestras de arte completamente inconformista ". 
Después de su éxito de Estocolmo, algunos de los museos de Suecia comenzaron a comprar sus obras. Tenía muchas peticiones para exponer su obra en Europa y Estados Unidos. En 1911, cincuenta y siete de sus figuras se encontraban en exhibición en Oskarshamn, y se sentaron las bases para un Museo Döderhultarn .
Llegó a ser conocido como uno de los grandes artistas de Suecia. Su popularidad era tan grande que "figura Döderhultarn“ se convirtió en el término genérico para cualquier pequeña figura en estilo minimalista.
Sus temas 


Toscas esculturas de madera de personas y animales. 

Esculturas caricaturescas talladas en madera y que expresan plásticamente los tipos y costumbres de campesinos y aldeanos. 



Los grupos más famosos son: bodas, funerales, catequética y patrones. 
Supo captar con apenas unos trazos el folklore local.



“Petersson ha tratado de representar la figura del campesino sueco en ciertas actitudes de movimiento, sugeridas por una necesidad de distracción dominical después del pesado trabajo de los anteriores días de la semana; distracción musical, como en el “Organillero” o distracción deportiva, como en el excelente grupo de “¿Quién es el más fuerte?” 
"El organillero"

"Quién es el más fuerte"
Pero donde su arte, intensificado por un bonachón sentido satírico, ha alcanzado la excelencia, es en los cuatro grupos caricaturescos “Matrimonio”, “En el fotógrafo, “En torno al ataúd“ y “La visita de reclutamiento, de un humorismo sobrio aunque eficacísimo en el conjunto de la escena, en la naturalidad de las actitudes y en la embrutecida expresión de los rostros, tristes, preocupados o profesionalmente severos.” VITTORIO PICA: “Con navaja y tinta” FM
"Matrimonio"
"En el fotógrafo"
"En torno al ataúd", 1910
"En torno al ataúd", 1910 (detalle)

Los rostros son tratados de un modo expresionista
"En torno al ataúd", 1910 (detalle)
"En torno al ataúd", 1910 (detalle)
"La visita de reclutamiento"



"El tribunal del distrito", 1910 (detalle)
Su estilo

Perfección técnica, ingenuidad, sencillez formal. Estilo ágil, irónico y vivaz. 
Contempla a los hombres y a los animales con aquella mirada recién abierta a las revelaciones estéticas de su juventud. Captación psicológica de la malicia rústica y la socarronería de los aldeanos. 
No busca la trascendencia de la representación. El enorme poder emotivo o satírico de sus esculturas brota de la exactitud verdadera con que está interpretado el natural.

Axel Petersson: "La boda de los viejos"
Muestra un humor tranquilo, muy de gentes del Norte, envuelve esas escenas de dolor, como "La visita de pésame", "El entierro". "El responso". "La boda de los viejos". Con un estilo ágil, irónico y vivaz.

Relación con las ilustraciones de Albert Engström
Axel Petersson

Atendiendo a las caricaturas que realiza de los contemporáneos ("celebridades“ de Oskarshamn), se observa una clara relación con el ilustrador Albert Engström.
...........           

Siguiendo su influencia

Entrevista en un periódico local de 1915
"¿Qué nos dice del arte? 
Hay cosas que se ven, se hacen o se conocen, pero de las que es mejor no hablar; quisiera considerar el arte una de ellas. Además, no domino lo bastante la jerga "misteriosa" de la crítica de arte para poder expresarme bien. Quiero decir, no obstante, del arte lo que el autor de los Salmos dice de las Escrituras: "Si tu palabra no hubiera sido mi consuelo, hace ya tiempo que habría perecido en mi miseria". 
¿Qué piensa de los mil y un "Doderhultarn" que tratan de imitarlo? 
¡No me preocupan lo más mínimo! Si así logran proporcionar algún placer a sí mismos o a los otros, ¡adelante!. Pero si tuvieran que llevar la vida de perros que llevé yo gran parte de mi juventud, creo que se cansarían muy pronto. Por lo demás, me acuerdo de las palabras que escribió una vez un alma buena poniéndola en mi boca: "Hay diez mil fabricantes de tabaqueras, pero sólo un Doderhultarn."

FRANCISCO LEIRO

$
0
0





Tras exponer en Italia y Francia, en 1990 presenta su obra en la MarlboroughGallery de Nueva York, donde reside desde 1988 y donde volverá a exponer en 1992 y 1998. Desde finales de los años ochenta ha desarrollado una faceta monumental de su escultura, realizando varios encargos públicos en Santander, Vigo, Ferrol, Santiago de Compostela, Madrid...

"Simeón sentado" Jardines Cuatro Torres Business. Paseo de la Castellana. Madrid. 2007
La dilatada obra de Francisco Leiro está considerada desde los años ochenta una de las más representativas de la escultura española.
Estilo
El estilo inconfundible de Leiro, aunque ha atravesado diferentes etapas, siempre ha obedecido a una figuración expresionista, mantiene como referentes fundamentales la escultura tradicional gallega de talla en madera y las formas arcaicas de la escultura, y en sus creaciones participan el hieratismo egipcio-mesopotámico, la grandeza miguelangelesca y el expresionismo alemán. Su escultura yuxtapone formas figurativas con estructuras abstractas que dan origen a piezas de connotaciones alegóricas cuyas referencias narrativas se sitúan más allá de la historia y de la memoria, invocando una ficción irónica y atemporal. Su obra sorprende, irrita, interesa, entusiasma y apasiona. 
“Pigmalión”, 1998 
"Anónimo" III,  1997










Materiales
Aunque ha empleado en numerosas tallas granito, mármol u hormigón, acero inoxidable, hierro forjado, suele utilizar como soporte principalmente la madera ya que es un material que admite fácilmente distorsiones compositivas, y que presenta una calidad especialmente expresiva a la que aplica una talla ahondada, incisiva, a veces sencilla, a veces brutal. Ha investigado las cualidades expresivas del contraste de materiales (madera policromada, vinilo, poliéster). 


Los troncos de robles y castaños de Galicia son los materiales con los que mejor se expresa. El resultado es una galería de figuras humanas de fuerte dibujo, formas alteradas y movimiento exagerado. Para aumentar el efecto recurre a la policromía conectando ingeniosamente color y forma. Frente al estatismo que dominaba el espacio de sus obras anteriores, en sus piezas más recientes se produce un incremento de la sensualidad y el movimiento.



















TÉCNICA 
Para Leiro vale la expresión atribuida a Miguel Ángel de que escultura es quitarle al bloque lo que le sobra. 
A machadazos, a cuchilladas, a dentadas, trabaja la materia para darnos su peculiar visión trágica o irónica de la vida. Mutilaciones, rostros de ahogado, grito desgarrado, humanidades ciclópeas, ideaciones y conceptos humanizados. Figuras rotundas, poderosas y monumentales, realizadas en madera de una forma tosca, ruda, donde se aprecian las texturas que conservan la huella de la gubia, de los hachazos. La rudeza del acabado potencia el expresionismo de la escultura. Figuras realizadas en madera que nos muestran su peculiar visión trágica y a la vez irónica de la vida
Barbara's Barbeque. Madera policromada e hierro. 2006



Policromía

La policromía desempeña un papel expresivo fundamental ya que sirve para definir las distintas partes de la obra.



Obra pública
Leiro ha convertido sus gigantescas esculturas en hierro y madera en uno de los iconos más reconocibles del arte gallego en todo el mundo. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas y algunas de sus piezas son visibles en espacios urbanos, como la célebre escultura del Sireno que se ha convertido en uno de los símbolos de Vigo.



Entre lo atávico y lo moderno
"Mudanza", 2010




















Fuentes:
Francisco Calvo Serraller: "Los hijos del limo"
Antonio Muñoz Molina: "Leiro, sin Tribeca al fondo"
Antonio Muñoz Molina: "La biblioteca de madera"
J. Montero Pérez: "O bestiario de Francisco Leiro"
Revista "Galegos", Francisco Leiro: “As madeiras pénsoas en galego” (nº 5-2009)
Vigoenfotos

Enlaces:INICIARTE: "O Acarrexador"
INICIARTE:"As Portas da Torre de Hércules"
Viewing all 117 articles
Browse latest View live