ALEX KATZ: DIÁLOGO CON LA NATURALEZA

April 20, 2014, 2:01 pm

≫ Next: EL ARTE POP I: LA REALIDAD ES EL MENSAJE

≪ Previous: ALEX KATZ: LA ALEGRÍA DE VIVIR

$

0

0

"Gris marino", 2000

Junto con el retrato, el paisaje es el otro género pictórico predilecto de Alex Katz. Para el artista, la naturaleza es un conjunto de espacio y luz en constante evolución. La luz es un elemento fundamental para el artista, actúa como elemento modulador de las superficies cuyas composiciones se articulan por medio de colores planos y brillantes, en un intento por capturar, según sus propias palabras, “esa sensación inmediata de lo que uno ve antes de enfocar la mirada”.

Vistas nocturnas, marinas, paisajes, bosques, flores.

En la década de los ochenta, desarrolló un nuevo estilo pictórico que incorporaba grandes extensiones de paisaje, sin abandonar los retratos. En las dos últimas décadas, las obras de Katz han evolucionado hacia la abstracción y en algunas composiciones la iconografía se reduce a una pequeña parte de toda la superficie de la obra.

“La luz de Maine me gusta mucho, es diferente, muy diferente a la de Nueva York. Desde la primera vez que fui allí decidí que no quería dejar de verla el resto de mi vida”.

"La pintura se quedará con usted, pero la puesta de sol desaparece."Alex Katz

”Mi trabajo es muy reduccionista. Se ajusta muy bien a mi personalidad. Creo que yo soy así: analítico y reduccionista. El exceso siempre me pareció de mal gusto.” Alex Katz  

"Opté por la luz, los espacios abiertos"

"Nieve de marzo", 2000

En sus paisajes, Katz nos muestra el paso del tiempo a lo largo de las estaciones del año o en los distintos momentos del día.

Al igual que a los pintores impresionistas, al artista le interesa la representación de lo efímero, de la fugacidad del tiempo reflejada en el paisaje. Y al igual que aquellos artistas corta la imagen, dejándola incompleta.

"Rosas blancas"

Las flores de Alex Katz recuerdan la grafía de la pintura tradicional japonesa, con su búsqueda de la armonía en la composición. Se simplifican tanto que se aproximan a la abstracción.

"Rosas", 2001

"Pensamientos", 1967

Flores estilizadas, de brillantes manchas cromáticas sobre campos planos. Katz las considera fruto del instinto más que de la descripción.

Estas flores evocan las de Georgia O'Keeffe. Las de Alex Katz tienden mucho más a la abstracción mientras que las de Georgia O'Keeffe son más descriptivas.

---

EL ARTE POP I: LA REALIDAD ES EL MENSAJE

June 19, 2014, 4:49 pm

≫ Next: EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS: ANDY WARHOL

≪ Previous: ALEX KATZ: DIÁLOGO CON LA NATURALEZA

$

0

0

POP ART EN INGLATERRA de Ana Rey

Interesante vídeo realizado por el Museo Reina Sofía con motivo de la exposición dedicada a Richard Hamilton (27 de junio - 13 de octubre de 2014)

RICHARD HAMILTON: "  Adonis en los frentes y ",  1963

Frente al Informalismo que se había convertido en un academicismo reiterativo, surgen nuevas tendencias artísticas que confirman el declive de las vanguardias históricas que dominaron la primera mitad del siglo XX.

INDEPENDENT GROUP

"Los movimientos contraculturales de los 50 y 60, expresión de una rebeldía que pretendía superar los traumas de la II Guerra Mundial, encontraron su cauce en la música rock y pop, con sus ídolos de masas o en movimientos literarios como la generación “beat”; en el ámbito de las artes plásticas, supondrían el final del desarrollo lineal de la vanguardia con sus sucesivos “ismos”, encarnados en una generación de jóvenes norteamericanos y británicos que dieron lugar al nacimiento de un arte que plasmaba las imágenes de la sociedad en la que habían crecido: el arte pop." JUAN F. RUÍZ (Revista MEMORIA)

David Hockney : "Hombre duchándose en Beverly-Hills", 1964 HOCKNEY: "A Bigger Splash", 1967 David Hockney: " . .. Sr y Sra. Clark y Percy ", 1970

ALLEN JONES: “Sun Plane”, 1963

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS: ANDY WARHOL

August 9, 2014, 6:38 pm

≫ Next: EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS: ROY LICHTENSTEIN

≪ Previous: EL ARTE POP I: LA REALIDAD ES EL MENSAJE

$

0

0

ANDY WARHOL: "Autorretrato", 1967

    

RAUSCHENBERG. “Retroactive I”, 1964  ROBERT RAUSCHENBERG: "Coca-Cola Plan", 1958 ROBERT RAUSCHENBERG: "Dylaby", 1962

RAUSCHEMBERG: “Arquitectura” (Tribute 21), 1994 Andy Warhol por Ana Rey El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción.                                              Retratos

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS: ROY LICHTENSTEIN

August 20, 2014, 5:45 am

≫ Next: EL ARTE POP II: ESTADOS UNIDOS

≪ Previous: EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS: ANDY WARHOL

$

0

0

Roy Lichtenstein: "Mujer en el baño", 1963

     

 Mujeres de miradas melancólicas 

"Whaam!", 1963

El templo griego como símbolo de una atracción turística estereotipada.

Entre los años sesenta y noventa Lichtenstein realiza una serie de obras en que recrea la abstracción, el cubismo e incluso el surrealismo. Entre ellas se encuentran imágenes de paisajes compuestas principalmente de puntos Benday.

"Sea-Shore", 1963

Lichtenstein realizó también pinturas murales y paisajes minimalistas, de influencia japonesa.

 Los artistas miran al pasado de forma inevitable rechazando o admirando las obras de sus predecesores, recreándolas a través de sus reinterpretaciones, filtrando aquello menos afín a sus gustos y resaltando lo que les resulta admirable.  

Lichtenstein se apropia de géneros existenes. En sus obras se aprecia su predilección por Picasso y experimentará con el cubismo, pero también con el surrealismo, futurismo y expresionismo.  Adaptará al lenguaje del cómic obras de sus artistas preferidos. 

Versión de “El Jinete Rojo” de Carrá de 1913,  adaptado  al 
lenguaje del comic.

EL ARTE POP II: ESTADOS UNIDOS

October 9, 2014, 4:46 am

≫ Next: EQUIPO CRÓNICA: ÉTICA Y ESTÉTICA

≪ Previous: EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS: ROY LICHTENSTEIN

$

0

0

JAMES ROSENQUIST:"Painting for the American Negro", 1962

JAMES ROSENQUIST: Flores, peces y mujeres de las cuatro estaciones", 1984

    

GEORGE SEGAL "Depresión Pan Line", 1991. Bronce 108 x 148 x 36 cms. Retazos de realidad Segal utilizó el yeso como medio para dar rienda suelta a un realismo poético e introspectivo. La adaptabilidad del material no sólo sirve para reflejar la fisonomía del hombre sino también para plasmar su individualidad, sus estados de ánimo. La vida cotidiana irrumpía en sus montajes. Una parada de autobús, un semáforo, una silla recrean el escenario para sus figuras fantasma con las que realiza instalaciones al aire libre en numerosas ciudades.

GEORGE SEGAL: "Bailarinas", 1971 GEORGES SEGAL: "La cortina", 1974

GEORGE SEGAL: "Jacob y los ángeles", 1984

Las huellas personales de Oldenburg: 

Esculturas blandas

Esculturas de objetos cotidianos sobredimensionados  

Estas dos manifestaciones del artista son sus señas de identidad. Oldenburg refleja objetos triviales de la realidad confiriéndoles un gran sentido del humor. Quizá sea uno de los atractivos de su obra.

"Herramientas en Equilibrio",   Vitra company, Weil am Rhein, Alemania

Es conocido, sobre todo, por estas instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. En estas esculturas el sentido del humor reside en el contraste de las dimensiones gigantescas con la banalidad del objeto. 

CLAES OLDENBURG: “Dropped Cone”, 2001

CLAUS OLDENBURG: “Shuttlecocks”, 1994

Oldenburg calcula geometrías que funcionan a distancia. En un mundo en el que todo lo que aparece en la pantalla de la televisión es pequeño y todo lo que aparece en la pantalla del cine es grande, nuestro sentido de la escala es confuso.

Esculturas blandas

TOM WASSELMANN: "Collage en la bañera“, 1963. Óleo sobre lienzo, plástico y diversos objetos (puerta, toalla y cesto para la ropa A finales de los cincuenta Wesselmann comenzó a explorar las posibilidades del collage. Para ello, utilizó papeles y folletos de publicidad, constituyendo estas obras una de las primeras expresiones del mundo publicitario que luego serían tan utilizadas por el resto de artistas pop norteamericanos.

Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962

En su serie de naturalezas muertas -Stilllife-, recreaba los productos sacados de la vida cotidiana que caracterizaron al arte pop, a los que presentaba como símbolos de la sociedad del consumo: frigoríficos, radios, cajetillas de tabaco, latas de cerveza, periódicos, helados, botellas.

Tom Wesselmann: “Desnudorecostado al sol con manzanas de Matisse sobre mantelrosado», 2003. Óleo sobre tela. 205.7 x 315 cm.

“Yo creo que mi obra se debe mirar con ojos de niño, sin ningún prejuicio ni intencionalidad. Los libros de historia se suelen referir a la evolución de mi obra como a algo que se desliza en un entorno de ‘flashes’: un taxista come un ‘sandwich’ y, al mismo tiempo, por la ventanilla de su coche, ve unas piernas bonitas. Quizá el peligro con mi obra es que la mirada se pierda en ese tipo de fogonazos, pero es algo que responde a la experiencia de la fragmentada vida de hoy en día, tanto en Europa como en Estados Unidos.”  JAMES ROSENQUIST

Grandes formatos

"Pensé, ¿cómo puedo hacer un nuevo tipo de cuadro? Si puedo tomar un fragmento de algo realista, y situarlo en el espacio, de gran tamaño, podría hacer una pintura en la que la gente reconocería algo con rapidez. El fragmento más grande sería el más cercano, y el más difícil para reconocer. Por lo tanto, yo podría hacer una pintura misteriosa."  JAMES ROSENQUIST

Obra realizada a base de pintura y relieve con piezas prefabricadas (contraventanas) que constituye un detalle de la pared de una casa, un típico muro de cemento informe en una casa prefabricada.

“Hice una serie de cuadros titulada ‘La velocidad de la luz’. Se referían a la teoría de Einstein según la cual las cosas no se perciben igual si estamos quietos o nos movemos a aquella enorme velocidad. Todo depende de quién vea las cosas. ¿Quién ve como bello qué cosa? Muchas veces, los espectadores que se creen sofisticados tiene en realidad un mal gusto espantoso; mientras que aquellos a los que se considera vulgares son los verdaderamente inteligentes. Si empleo elementos de cada día es porque permiten al público una identificación inmediata del objeto; pero si los reproduzco a gran escala, ya no son tan reconocibles. Por ahí empieza la ironía.”  JAMES QOSENQUIST

EQUIPO CRÓNICA: ÉTICA Y ESTÉTICA

February 1, 2015, 10:07 am

≫ Next: VAN GOGH: LA PASIÓN POR EL ARTE

≪ Previous: EL ARTE POP II: ESTADOS UNIDOS

$

0

0

Manuel Valdés y Rafael Solbes

El Pop art no fue un movimiento exclusivamente británico, donde se originó,  o estadounidense país en el que tuvo una fuerte implantación. A partir de la década de los sesenta el interés por la estética pop se extendió por todos los rincones del planeta. Incluso por la España franquista. 

Entre los artistas españoles que se adscribieron a este nuevo movimiento artístico destaca el “Equipo Crónica”

"El sublime acto de la creación", 1970

El contexto histórico condicionó el arte hasta el punto que forma y contenido fueron inseparables. La obra del “Equipo Crónica” abre un nuevo camino en las artes plásticas que estimula al espectador a la reflexión a partir de la sugerencia de sus imágenes rompedoras, llamativas e irónicas. El arte pop estadounidense es directo, surge en el ámbito de una sociedad democrática, no tiene nada que esconder. En España, en plena dictadura franquista, tiene que “sugerir“ no mostrar, debe interpretarse. Por eso utiliza el sentido del humor, la ambigüedad, la imagen popular, divertida que atraiga al espectador y le haga pensar. Por otra parte, en muchos de los pintores estadounidenses del Pop-art como Warhol la relación entre la obra de arte y el mundo real se ignora por completo y para Equipo Crónica es vital. 

"El espectador de espectadores", 1972

Era un arte comprometido, repleto de mensajes revolucionarios, de denuncia de las situaciones opresivas que caracterizaron a la España franquista. Mensajes subliminales que soslayaban la censura.

La actividad artística del Equipo Crónica surge en la etapa del desarrollismo. Atrás va quedando la autarquía de la posguerra y el aislamiento y, en el país, poco a poco se va introduciendo la sociedad de consumo. Esta situación favoreció al mercado del arte. Junto a las manifestaciones artísticas tradicionales surgen aires de renovación, con una clara intención de acercamiento a la realidad.
Su obra es figurativa y parte de la óptica Pop, pero con objetivos diferentes.No pretenden mostrar los iconos de la sociedad de consumo sino lanzar una mirada crítica al entramado social para poner de relieve sus desequilibrios.El contenido de denuncia social domina su actividad artística aunque el tono desenfadado e irónico y la utilización de recursos de la cultura popular lo acercan más al pop.

"La comida", 1972

Los recursos espaciales y cromáticos muestran su método de trabajo y los materiales empleados. De los recursos compositivos, iconográficos y narrativos podemos extraer e identificar rasgos concretos de intención y actitud artística.

En el cuadro se observa un conjunto de periodistas entrevistando al Conde Duque de Olivares y detrás de ellos algunos de los soldados que pintó Velázquez en «La rendición de Breda»

 LA CITA

La TÉCNICA del momento ponía a su alcance el linóleum, la serigrafía o la litografía. Con esto se conseguía en primer lugar, facilitar la difusión de su trabajo, y segundo, obras a precios asequibles para alcanzar al gran público, al que querían transmitir su mensaje. Buscaron la claridad y la sencillez en la expresión de los temas para que las imágenes llegaran al espectador de forma directa e inmediata.

Utilizan combinaciones de imágenes que llaman la atención por su anacronismo. Se apropian y reelaboran obras de grandes artistas del pasado: personajes, bodegones, animales, arquitecturas, logotipos, etc., extraídos del mundo de la pintura, la escultura, la arquitectura, los tebeos, el cine, la publicidad comercial y la propaganda política. Con ellos construyen sus cuadros, adaptándolos y organizándolos, según convenga a sus objetivos.

El Equipo Crónica organizaba muchas de su obras por medio de series pictóricas. La serie es un conjunto de obras, compuesta principalmente por lienzos pero en la que en ocasiones se podía incluir esculturas, dibujos y serigrafías, que guardan entre sí una unidad cronológica, iconográfica y temática. Es el conjunto el que configura la narración.

Estas series se fundamentarán no tanto por sus similitudes formales como por sus similitudes argumentales. 

"Juegos peligrosos",1969

"La visita",1969

"La salita", 1970

Artistas contemporáneos y modernos de la talla de Goya, Picasso, Dalí, Saura… se han inspirado en este icono artístico por el que se han sentido fascinados. También el Equipo Crónica que realizó numerosas obras a partir de las nuevas formas de arte. Su reinterpretación de las Meninas de Velázquez, en la que los artistas se autorretratan, mientras se coloca un flotador de baño y un balón en primer plano, resume su visión de una España de playas y campos de fútbol.

Continúan con las tintas planas pero, en ocasiones, incorporan colores fluorescentes e imágenes de Walt Disney para darle cierta atmósfera kitsch al tratamiento de Velázquez. 

En la obra se distinguen elementos procedentes de famosos cuadros de las Vanguardias europeas: los girasoles de Van Gogh o la reinterpretación de su autorretrato con pipa, las bailarinas de Toulouse Lautrec, el Pífano de Manet, los bodegones cubistas de Picasso o de Gris, las arquitecturas o las llaves de la Mona Lisa de Lèger, las naturalezas muertas de Cezanne o las nubes y el árbol entresacados de los exóticos paisajes de Gauguin.

"Los impactos", 1972

“Paredón 2”, 1976

 «Esta serie la hicimos como consecuencia de los sucesos del 27 de septiembre de 1975 (el fusilamiento de los cinco jóvenes que Franco ordenó efectuar poco antes de su muerte) [...] Las referencias pictóricas y la ordenación simbólica del espacio pretendían describir los acontecimientos citados desde una óptica que descartase tanto la neutralidad aséptica como el documentalismo sentimental. La vía elegida podría clasificarse como un documentalismo simbólico.» EQUIPO CRÓNICA

"Él", 1977 “Escena bucólica”, 1978 Respuesta de Picasso a un periodista que lo entrevistó tras la II Guerra Mundial:

VAN GOGH: LA PASIÓN POR EL ARTE

April 7, 2015, 5:32 am

≫ Next: FOLK AMERICANO DESDE LA OTRA ORILLA

≪ Previous: EQUIPO CRÓNICA: ÉTICA Y ESTÉTICA

$

0

0

"El sembrador", 1888

"Campo de trigo bajo un cielo nublado", 1890 En una reciente entrevista a Jorge Wagensberg, físico, escritor y museólogo, afirmaba que la creatividad exige un cierto desequilibrio. La trayectoria vital de Van Gogh confirma hasta que punto esa afirmación es certera. Su pasión por el arte, por el color, por la luz, su obsesión por la creatividad, dieron lugar a una de las trayectorias artísticas más fecundas en un espacio de tiempo tan corto. Para el artista todo giraba en torno al hecho de pintar. El 29 de julio de 2015 se cumplen 125 años de la muerte de Vincent van Gogh. Vaya esta entrada como homenaje a este pintor único.            VAN GOGH from Ana Rey

"Campo de trigo con cuervos", 1890

"Calle del pueblo en Auvers", 1890

-Pinceladas cortas, vibrantes y sinuosas que 
 en su última etapa llegan a   ser llameantes    (cipreses que se retuercen como llamas).

"Cosecha en la llanura de La Crau, cerca de Arlés, con Montmajour al fondo (1888)

-El color es fundamental en su pintura. Violencia en los colores.  Yuxtaposición y superposición de colores puros, sin mezclar.

“Siento un interés apasionado por las leyes de los colores... ¡si nos las hubieran enseñado en nuestros años juveniles! (…) Porque no hay la menor duda de que las leyes del color -que Delacroix fue el primero en determinar- trajeron la luz. Los verdaderos pintores son los que no emplean colores locales (…). He aquí las grandes verdades sobre el color en las que creía Delacroix.” 

"Autorretrato", 1889

“Noche estrellada sobre el Ródano”, 1888

- Se expresa y se libera a través de la pintura, el tema es a menudo él mismo, su propio mundo interior. Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal. Su vida atormentada se refleja en su pintura.

- En la obra de Vincent los objetos adquieren un valor simbólico cada vez más acentuado (cipreses, girasoles... etc.). En la etapa de Arlés, predominan las sillas desocupadas, los objetos abandonados, las habitaciones vacías... probablemente un símbolo de su soledad y de la búsqueda de un ideal imposible como lo demuestra el fracaso de su intento de formar una colonia de artistas.

"Girasoles", 1887

"Ramas de almendro en flor", 1890

FOLK AMERICANO DESDE LA OTRA ORILLA

May 21, 2015, 6:39 am

≫ Next: REFERENTES DE VAN GOGH

≪ Previous: VAN GOGH: LA PASIÓN POR EL ARTE

$

0

0

En esta orilla atlántica, en un entorno privilegiado de Galicia, en las Rías Bajas, surge una fuerte atracción por la música. En Pontevedra cristalizó en una serie de grupos y en un festival consolidado, el "Surfing de Lérez" que inicia su andadura en septiembre de 2011.  El grupo que presento ha participado en ese lugar de encuentro en varias ediciones.
Gold & Colt es el alter ego de Dany Moure antes perteneciente a la banda "100 Demonios Blues Band" y Roberto Fernández que formó parte de los grupos "Tractor Troy" y de "Os Fervellasverzas". Los dos músicos se juntan en el año 2013 con el único propósito de interpretar canciones de la madre de todas las músicas modernas, el Blues. 

Una guitarra acústica y un dobrofueron sus únicos acompañantes en su primer año de vida, en el que defendían un repertorio que combinaba temas propios con composiciones de los más grandes de este estilo: Robert Johnson, RL Burnside, John Lee Hooker, etc.

Concierto en “A ILLA DAS ESCULTURAS” en Pontevedra,  en el “Surfing the Lerez Festival”

En junio de 2014 se unen al dúo Michi Castro como batería y Juyma Estevezal contrabajo. El dúo se convierte en banda y su estilo gira hacia el folk americano.

Abren un abanico de sonidos que se sitúan en un punto intermedio entre el folk y el blues al estilo de Jonhy Cash  o la Creedence Clearwater.

Su repertorio se basa sobre todo en composiciones propias y alguna versión de standards de blues.

Entre marzo y abril graban su primer LP: Gold & Colt. Un trabajo con seis temas propios, totalmente autoeditado y producido por ellos mismos. Fue grabado de forma acústica por Michi Castro en los estudios Sonart, con mezcla y mastering por Isaac Millán (Estudios A Lagarteira). El disco se presentó en la Sala Aturuxo (Bueu, Pontevedra) el 26 de abril del 2015.
Algunas de sus canciones se pueden escuchar en su bandcamp

Dejo su página en facebook donde se puede consultar todo lo relativo a sus conciertos.

---

REFERENTES DE VAN GOGH

June 14, 2015, 4:02 am

≫ Next: TRAS LA HUELLA DE VAN GOGH EN EL ARTE Y EN LA LITERATURA

≪ Previous: FOLK AMERICANO DESDE LA OTRA ORILLA

$

0

0

PAUL GAUGUIN: “Retrato de Van Gogh pintando girasoles”, 1888 Los cambios de residencia de Van Gogh, permitieron al artista el contacto con la obra de grandes pintores a través de museos y galerías de arte. A los 16 años empieza a trabajar como aprendiz en la filial de la Haya  de la galería de Arte parisina, Goupil una sociedad de comerciantes de arte fundada por su tío Vincent. Allí conoce las obras de la Escuela de Barbizon y se interesa de un modo especial por la pintura de Millet que recreará de un modo casi obsesivo.  Los Países Bajos le acercan a los pintores holandeses contemporáneos de la Escuela de la Haya. En 1873 va a trabajar a Londres, a la sucursal de la galería Goupil. Allí admira la obra de Turner y Constable; y de nuevo su trabajo le lleva a París. En 1886 se reunió con su hermano en París; allí, en la capital artística de Europa, el contacto con el impresionismo reorientó visiblemente su estilo. Se relacionó con los impresionistas y postimpresionistas en la tienda de colores del "père Tanguy" y descubrió el arte japonés. Su hermano le presentó a Camille Pissarro, Georges Seurat y Paul Gauguin; conoce también a Toulouse-Lautrec y Émile Bernard, y en ese nuevo ambiente comienza a definir su pintura. Su paleta se vuelve clara y colorista y sus composiciones menos tradicionales, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Comienza a experimentar con el uso arbitrario del color para lograr mayor expresividad. El primer gran encuentro con Millet fue en 1875 en París, en la exposición de 95 dibujos y pasteles pertenecientes a uno de los mecenas de Millet. Se trataba de la primera gran exposición antológica del pintor tras su muerte. Tras la visita a la exposición Van Goghdescribe la impresión que le causó: “Sentí algo así como: “Quitaos vuestras sandalias, pues estáis pisando tierra santa” Van Gogh ahondó en su conocimiento de la obra de Millet, a partir de grabados que empezó a coleccionar con ayuda de su hermano Theo. Desde el punto de vista de su trayectoria técnica, Van Gogh se sirvió de Millet para aprender a dominar el dibujo. En él encontró estudios para ir adquiriendo el dominio de la línea de los contornos.

“... Ahora estando enfermo, trato de hacer algo para consolarme, para mi propio placer. Como motivo, pongo frente a mí el blanco y negro de Delacroix o de Millet o según ellos. Y luego improviso el color por encima, pero por supuesto no siendo yo mismo, totalmente sino buscando recuerdos de sus cuadros, pero el recuerdo, la vaga consonancia de colores que están dentro del sentimiento es una interpretación mía. Un montón de gente no copia, un montón de otros copian, yo me puse a hacerlo por casualidad, y me parece que eso enseña y, sobre todo, a veces consuela. Entonces mi pincel se desliza entre mis dedos como un arco sobre el violín, y absolutamente para mi placer..” VAN GOGH

VAN GOGH: La resurrección de Lázaro", 1890

En su estancia en Paris, entre 1886-1888, descubrió de la mano de los impresionistas las posibilidades del color, y del color contrastado como lo llamaba él. Estudió a conciencia el recurso del color, lentamente, meditando las lecciones de DELACROIX, al que nunca dejó de tener como referencia, la luz de REMBRANDT y las posibilidades de una paleta que permitiera enfrentarse a dos colores contrarios sin mezclarlos para lograr efectos cromáticos desconocidos, totalmente personales.

«Y no me extrañaría mucho que dentro de un tiempo los impresionistas se pusieran a criticar mi manera de trabajar, más bien fecundada por las ideas de Delacroix que por las suyas. Pues en lugar de reproducir con exactitud lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza.»  VINCENT VAN GOGH

¿Por qué consideró imprescindible EugèneDelacroix, el colorista más grande de todos, el marcharse al Sure incluso llegarse también hasta Africa? Sin duda porque allí -y no sólo en Africa, sino ya desde Arles- en la misma naturaleza se encuentran los más bellos contrastes de rojo y verde, azul y naranja, azufre y lila.”                                                                                 VINCENT VAN GOGH

TRAS LA HUELLA DE VAN GOGH EN EL ARTE Y EN LA LITERATURA

July 19, 2015, 3:28 pm

≫ Next: XAIME QUESSADA: "CUENTOS CRUELES"

≪ Previous: REFERENTES DE VAN GOGH

$

0

0

VAN GOGH… con una vida tan dramática, intensa y apasionada hasta la locura, trazó una obra que ha sido un estímulo para la sensibilidad de numerosos artistas. Las vanguardias históricas pusieron en él su mirada. Abrió el camino a un movimiento de gran potencia creativa e innovadora como el Expresionismo. Los pintores expresionistas admiraron las cualidades formales de la pintura de Van Gogh:  la  pincelada vibrante, los colores vivos y la línea definidora de la forma, la fuerza psicológica de sus retratos y autorretratos, el encanto de sus paisajes.

GUSTAV KLIMT, EGON SCHIELE, ERNST LUDWIG KIRCHNER Y MAX PECHSTEIN, EMIL NOLDE, LUDWIG MEIDNER Y KARL SCHMIDT-ROTTLUFF  fueron algunos de los expresionistas que rindieron tributo a Van Gogh.

NAZARIO LUQUE: “Gran ramo de girasoles”, litografía. 1999

VAN GOGH: "Iris", 1889 Otros movimientos modernos del siglo XX, como el FAUVISMO Y EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO recibieron también la impronta de Van Gogh.

La huella de Van Gogh sigue presente en muchas manifestaciones artísticas tanto en el arte como en la literatura. Entre los pintores actuales, destacan: DAVID LEE TILLER, pintor irlandés, uno de los destacados impresionistas contemporáneos que continúa con la tradición establecida por los maestros del impresionismo. Los nuevos impresionistas modernos se esfuerzan en demostrar que el impresionismo no es un arte muerto y que todavía está creciendo y cambiando con los tiempos.  STEFAN DUNCAN, artista que admira profundamente a Vincent Van Gogh y lidera el movimiento de los impresionistas contemporáneos en un esfuerzo por llegar a ser “El VAN GOGH” de Estados Unidos. VITALI KOMAROV, pintor ruso nacido en 1968, fuertemente inspirado por Van Gogh.Muestra un mayor desarrollo de las técnicas pero los colores son los introducidos por el maestro.

Van Gogh admiraba la creación literaria y a su vez la literatura rindió homenaje al artista. La carga expresiva y la emoción de su obra pictórica suscitó numerosas referencias en la narrativa y en la poesía.

Los poetas traducen al lenguaje verbal lo que es propio del lenguaje pictórico.

VAN GOGH: "Campo con el sol naciente", 1889

Vincent Van Gogh produjo 864 pinturas, 150 acuarelas y 1037 dibujos en el término de sólo 10 años. Fue su hermano menor Theo la única persona que lo comprendió y lo asistió económicamente y a quien dirigió cientos de cartas. A su muerte sólo había logrado vender un par de cuadros, y toda la colección quedó en manos de Theo, quien falleció poco tiempo después. La viuda de Theo, JOHANNA VAN GOGH-BONGER, heredó la colección y fue gracias a ella que la obra de Vincent se hizo conocida. Apoyó las primeras exposiciones de Van Gogh, prestando obras del patrimonio del artista y publicando las cartas de Vincent.

El periodista y escritor Camilo Sánchez reconstruye en la novela "La viuda de los Van Gogh" la historia hasta ahora poco conocida de Johanna, cuñada de Vincent y esposa de Théo Van Gogh.

XAIME QUESSADA: "CUENTOS CRUELES"

May 5, 2013, 1:24 pm

≫ Next: XAIME QUESSADA PORTO, LA PASIÓN POR EL ARTE I

≪ Previous: TRAS LA HUELLA DE VAN GOGH EN EL ARTE Y EN LA LITERATURA

$

0

0

He recibido una nueva colaboración de "O Curioso Impertinente" sobre una obra literaria de Xaime Quessada: "Cuentos crueles" cuya portada está ilustrada por el propio autor. Resulta especialmente interesante la trayectoria de este magnífico y comprometido artista gallego cuya obra se desarrolla en diversos ámbitos, tanto en las artes plásticas -pintura, grabado, escultura- como en la literatura. Otras obras anteriores son: “La singular historia del Recristo de Baraña”, “Lucenza” y “El Olvido”.

“Cuentos crueles” se compone de cinco relatos: “Una noche en el Museo de Prado”, “Luzdivina”, “El Hombre de la Lluvia”, “El barquero” y “El Ataúdes”.

En su primer relato recrea un tema que ha seducido a varios escritores: el hacer revivir a los personajes de algunos cuadros en una noche de museo (Mújica Láinez, Zoe Valdés, Javier Sierra...).

Contraportada

BRUEGHEL: "El triunfo de la muerte", 1562

Transcribo literalmente esta colaboración para "Imágenes y palabras". La ilustraré con algunas de las obras que se citan.

"Este libro de Xaime Quessada, que podemos empezar a desfrutar dende a ilustración da portada, a cal, xunto coas ilustracións interiores son do propio pintor, compóñeno cinco contos dos cales o que nos interesa aquí é o primeiro deles UNA NOCHE EN EL MUSEO DEL PRADO. Como noutros libros xa comentados, a acción ten lugar no interior dun museu onde varias das personaxes dos lenzos materialízanse para, neste caso, levar a cabo unha requisitoria, esperpéntica e feroz, contra os desvaríos da arte nas últimas décadas, da arte e dos seus axentes: artistas, público, teóricos, galeristas, etc. E os críticos de arte, un deles cuio nome, Washington Serraller, e a cabeceira onde publica, EL TERRUÑO, son ben fáciles de descobrir, vai ser o "cabeza de turco" desta tremenda diatriba. 

Perseguido polas Gracias de Rubens ( "En aquel instante la gran sala se iluminó, al irrumpir gozosas, lozanas y dicharacheras las tres Gracias, seguidas de la Eva de Durero, la Venus de El Veronés y las irresistibles doncellas de la Bacanal de Poussin.

Todas ellas capitaneadas por la cimbreante y tremenda Maja desnuda de Goya.

GOYA: "La maja desnuda", 1795 - 1800

Y ya no hubo tregua. El pobre y desorbitado Manolo Serraller se negaba histérico a ver lo que estaba viendo."), acosado polos borrachos de Velázquez e os soldados franceses de Goya ("En consecuencia, los fusileros de Napoleón saltaron inmediatamente del lienzo y se llevaron a rastras al horrorizado director, volviendo otra vez al cuadro con aquel madrileño insolente para ponerlo entre las futuras víctimas de la montaña del Príncipe Pio") e derrubado e devourado, finalmente, polo monstruoso Saturno, tamén de Goya.

VELÁZQUEZ: "Los borrachos", 1629

GOYA: "El 3 de mayo  en Madrid", o "Los fusilamientos", 1814

GOYA: “Saturno devorando a su hijo”, 1820 - 1823

Quessada emprégase a fondo no seu ataque e arremete, con toda a incorrección política de que é capaz, contra un PSOE sen sustancia, contra a crítica de arte ensarillada e vendida, contra o mercantilismo do mundo da pintura e os artistas vacuos, e faino poñendo en boca do mesmísimo Francisco de Goya un par de peroratas demoedoras: 
"-Pero, ¿ cómo puede decir eso, si fueron ustedes siempre los grandes maniqueos y fariseos astutos ? Si, sí, venerable censor y lacayo. Fue toda esa mayoría de críticos, filósofos y teóricos, esos mismos sicarios al servicio ideológico de la sociedad capitalista, quienes en su metamorfosis mintieron y seguirán mintiendo ante la historia. Pues, si fue bien cierto que ese realismo socialista fue una basura, no lo fueron menos los movimientos que ocultaron y manipularon lo que ustedes estuvieron siempre glorificando en el siglo XX, desde el futurismo fascista al primer expresionismo, en el que figuraban muchos militantes nazis como Munch y los de la Bauhaus con Gropius a la cabeza. 
  ¿ Por qué ocultaron ustedes que hasta el mismo Kandinsky firmó manifiestos en París a favor de ese pintorzuelo llamado Adolfo Hitler ? ¿ Y qué me dice de ese prestidigitador y gran profeta de los resentidos, ese mediocre pintor y gran emperador de los teóricos que llamaban Marcel Duchamp, que con su objetualismo, con su Read-made degradó el arte para convertirlo en clónicos objetos escatológicos industriales en beneficio de toda esa plusvalía depredadora del arte del negocio ? Mas, sigamos con sus amigos ideólogos, los grandes apologistas de la sociedad de consumo como ese nuevo redentor del neocapitalismo, ese gran estratega del marketing, ese diosecillo del Pop-art y de la subcultura llamado Andy Warhol, el milpelucas exaltador de los mitos de la cultura capitalista." 
ou dándolle voz a unha personaxe da Extracción da pedra da tolemia de O Bosco: "(...) fíjese bien en El jardín de las delicias.

EL BOSCO: "El jardín de las delicias", 1480-1490

Le aseguro que ahí está toda la cosmovisión del mundo, todo el jeroglífico filosófico que estuvieron buscando ustedes, los teóricos tautológicos e invidentes, así como tantos críticos conceptuales y objetuales desde el suprematismo al Art Autre y, como no, los del concretismo a Fluxus. Esos infinitos pedantes son los mismos estrategas que en el pasado siglo XX, agrupados en mafias culturalistas y en nombre de la categoría del rechazo, sin duda provocado también por el ávido mercantilismo del arte, quisieron asesinar la realidad empírica y objetiva, degradándola burdamente a una representación mimética para monopolizar las formas inconmensurables de la belleza tan sólo con la clónica dimensión abstracta y decorativa. La decadencia creativa de la última mitad del siglo XX fue originada por ustedes con su reduccionismo estético, glorificando lo insignificante para silenciar lo trascendente en el arte." 

e consegue un relato absorbente, barroco e plástico. 
Xaime Quessada é outro deses pintores que escribe co pincel ou escritor que pinta coas palabras. " La prosa de Quessada, dixo Darío Villanueva, rezuma pintura. Tanto en un plano puramente estilístico como en el semántico, por los temas o asuntos que toca. Su adjetivación actúa como pinceladas desde su misma primera página ..." 
UNA NOCHE EN EL MUSEO DEL PRADO é un espléndido festín que podemos coroar xogando ás adiviñas cos nomes que aboian ó longo do conto: Ángela Piastras de Aizpuro, Rosamunda Gestión de Baeza, Marilyn del Corral, Maximiliano del Bozal, ...

XAIME QUESSADA PORTO, LA PASIÓN POR EL ARTE I

June 1, 2013, 5:28 am

≫ Next: XAIME QUESSADA PORTO: ARTE Y COMPROMISO

≪ Previous: XAIME QUESSADA: "CUENTOS CRUELES"

$

0

0

"Polo Miño", 1957 “Quessada Porto, un pintor verdadeiro, diantedo que se poden acendertódalaschamas do amor e do odio e tódolossentimentos, menos as frases e os paralelismos. A terrible metafísica do ser foille desvelada para semprepolassoidades da néboae dos soles ourensánsmáisalá da paisaxe”. RAMÓN OTERO PEDRAYO “La pintura es una ventana abierta al mundo”  Xaime Quessada

PRIMERAS OBRAS: ENTRE 1950 Y 1970

La obra pictórica de Quessada es enorme. Sorprende su capacidad creativa. Haré dos o tres entradas para mostrar las distintas etapas por las que pasó su obra.  Abarca distintas corrientes artísticas, desde el impresionismo, el arte abstracto, el figurativismo o el expresionismo. Es discípulo reconocido por Picasso. Investiga en las diversas vanguardias artísticas sin olvidar los conceptos más clásicos del arte.

"Todo aquilo que parece modernidade, para minnon o é. Desta forma eu considéromeun artista multiforme. Para min os dous maiores pintores multiformes de todos os tempos foronGoya e Picasso. Considéromeun discípulo destes dous singulares artistas, pero non só destes dous...". Xaime Quessada.

"Aos 14 anos coñecin a Picasso e cambioume a vida. É un xenio. Eu definoo como o gran desertor porque cada día fai unha creación. O importante é que o home domine os estilos e non ao revés." X. Quessada

La influencia de Picasso tanto en las formas y colores como en el tema es muy clara. El propio Picasso llegó a afirmar:
"¡Venid, venid y ved!, por fin tengo un auténtico discípulo en España...PABLO PICASSO (Notre Dame de Vie, 1967. Francia)

"Arlequines", 1960 "Nai pobre", 1963

"Estío", 1960 “Aínda que teña só 22 anos este pintor, o seucadro“Estío” seguirá exposto entre os grandes da pintura española do século XX”. CHUECA GOITIA, 1961 "A pombiña", 1963 "A ceguiña", 1963 "Cabeza de Chus", 1966  "El dictador", 1962 “De esquerda a dereita, coma na lectura dun verso localizado dentro da súa tradición; desde a violencia do trazo ata o etéreo dos corposque se disolvensen vida, ata a total permeabilidade da morte.. Transparencia da tea, pero tamén dos ollos que perderon, como o resto da figura, a harmonía, planetas desorbitados que aceptan o seusenrumbonaestraña violencia da duplicidade repetida no xogo cruel dos espellos. Un home abraza a súa amada xacente: o Amor sería o primeiro plano a pesar de que a morte confunde o vivo cooutro, a pesar de que o Amor o era, éo, impulso cara á sabedoría. Unha patética naialeita, nunaceno ritual, o seufillo: o feitosacralízasena precisión das ausencias. Coma o simulacro de bailarina –a mullernos brazos do amado, triste arlequín, o home- a naiignora se será posible continuar tralaescena múltiple narrada en tres espacios pero nasincronía dos tres tempos. (…) Destacando sobre o demais, o touro, o Minotauro centro os pés do cal transcorre atemporal a barbarie: o crucuficado.” Mª FERNANDA SANTIAGO BOLAÑOS: “Contemplo “O dictador”, e pensona“arte comprometida” (artículo en “Quessada. Arte e compromiso”)  Se adentra también en el EXPRESIONISMO   "Genocidio", 1964 "Holocausto", 1968 . PAISAJES Y ABSTRACCIÓN “Estas fermosas e turbadoras paisaxes son tan exquisitas que parecen estar pintadas con po de ás de bolboretas”. EDUARDO BLANCO AMOR,1974 "Paisaxe telúrico", 1960 Ya en esta primera etapa de su obra se adentra en la pintura abstracta. A pesar de su compromiso con la realidad no huye de las últimas tendencias. Nunca dejó de experimentar nuevas formas de expresión y de reinterpretar a los grandes maestros. "Grises", 1961  "Abstracción en rojos", 1958 "Materia", 1961 “Siendo siempre él mismo, poseía una de las personalidades más vigorosas y polifacéticas que puedan imaginarse. Era tal su versatilidad que, gracias a él, recreamos la pintura flamenca, el muralismo mexicano, el Renacimiento, el surrealismo, la pasión de Goya, el realismo mágico, el naif, el pop-art y el pop-ficción, el constructivismo, la figuración esquemática, el minimalismo o el informalismo. DARÍO VILLANUEVA: Xaime Quessada, ciudadano de la cultura.

XAIME QUESSADA PORTO: ARTE Y COMPROMISO

June 24, 2013, 2:15 pm

≫ Next: XAIME QUESSADA PORTO: ENTRE EL CLASICISMO Y LA ABSTRACCIÓN

≪ Previous: XAIME QUESSADA PORTO, LA PASIÓN POR EL ARTE I

$

0

0

"TORTURA POP-AMERICANA", 1968 En la pintura de Quessada además de apreciar una enorme variedad estilística, con numerosas referencias a grandes maestros de la Historia del Arte, se advierte un recorrido temático que va del lirismo al dramatismo más absoluto, de la complacencia en la belleza a la crudeza de unas imágenes que denuncian la crueldad del poder. El artista llegó a implicarse en la política. Quessada fundó junto a MendezFerrín y Celso Emilio Ferreiro la Unión do Pobo Galego de Ourense. En 1968, abandonó la U.P.G. para ingresar en el Partido Comunista de Galicia. A la muerte de Franco, abandonó también el P.C.   "Terrorismo de estado",  2002 El arte como testimonio de la Historia "Un día, sendo moi novo, e logo de abri-los ollos á realidade do mundo, o artista comprendeu que non podía ser un mero esteta, con ser tanto esa posibilidade, e decidiu loitar contra a inxustiza coa arma que posuía: o seu talento plástico. O esforzo, por intenso e continuado, é case que inabarcable. Os resultados, estarrecedores. De aí que a súa obra sexa referencia obrigada na historia sociopolítica contemporánea, tanto como da concreta da pintura. El é o que o pintor decidiu ser, ademáis de artista, algo para el irrenunciable, un home do seu tempo, namorado da liberdade, inimigo acérrimo da inxustiza, paladín da dignidade humana, por riba dos credos, sistemas, relixións. Francisco Pablos. Catálogo, 1997-2000 "Palestina", 2002 Aunque muchas de sus obras tienen un claro sentido de denuncia política, el considera que por encima de todo reivindica la justicia y afirma: Forma y contenido “…Quessada responde ó retrato robot do artista que ó final do milenio segue a ser consciente da orixe das súascadeas e de tódalasmaneiras posibles de relativizalas, no país que acuñou o berro ¡Vivan as cadeas! Benvida sobre todo agora, ante a tentación rexeracionista do máis casposo retrogadismo, unha exposición que restablece a periódica necesidade de recuestiona-lo todo síndrome das cadeas”. MANUEL  VÁZQUEZ  MONTALBÁN, 2000 (Catálogo de la exposición en Barcelona: “Arte y compromiso”)  La imagen frente al franquismo Goya, Picasso o Bacon son clara referencia en la tendencia beligerante y comprometida de muchas de sus obras. Durante la dictadura estuvo varias veces en prisión: en 1968 fue procesado por injurias al General Franco y al Tribunal de Orden Público (T.O.P.), siendo encerrado en Carabanchel. "Los sótanos de la Gobernación", 1968 "A bandeira", 1969 "Protesta", 1976 Por los derechos humanos Temas dramáticos relacionados con la pena de muerte y la tortura. Muestran la impotencia y el dolor del ser humano. Las figuras son anónimas, sufren, están solas, hundidas física y espiritualmente. "Fundamentalismo islámico", 2002 Llega la democracia En 1977 se celebran las primeras elecciones democráticas tras cuarenta años de dictadura. Comienza entonces la propaganda electoral. Quessada se implica de nuevo en la política y realiza una serie de carteles para el P.C. con un fuerte carácter simbólico. Ya en democracia continua creando una serie de murales en los que se advierte su preocupación por el ser humano.

XAIME QUESSADA PORTO: ENTRE EL CLASICISMO Y LA ABSTRACCIÓN

July 31, 2013, 7:11 am

≫ Next: GEORGIA O'KEEFFE: FLORES EN PRIMER PLANO

≪ Previous: XAIME QUESSADA PORTO: ARTE Y COMPROMISO

$

0

0

"O baño", 1982

Del clasicismo figurativo, 

"O diván", 1980

"Hermanas", 1966

y del surrealismo,

"Nena mozartiana", 1982

"Desnudo con luna romántica", 1980

"O neno de Siriux", 1976

"Paraguas geológico", 1983

del expresionismo y el cubismo...

“Quessadacolleu figuras inmersas na música, a danza e o carnaval e filtrounas a través dun cristal roto coa resultante fractura da forma que é parte da herdanza cubista”.  BOOKBINDER

"Entroido II", 1995

"Entroido IV", 1994-97

"Entroido", 1995

"La danza", 1991

"El ensayo", 1991

"Danza"

"El Piano", 1980

"La música", 1996

"La piel de la música", 1995-1997 ...al Pop Art...

...y a la abstracción

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

En estas obras se puede apreciar la influencia de Rothko. Quessada abandona la figuración y recurre a la abstracción geométrica, con cuadros de gran formato. 

"Concepto en rojo", 1989

"Espacio y Tiempo", 1975

"Los Oextrinnios", 1995

(…) “el informalismo impregna las nueve tablas de Los Oextrinnios.Tan enigmático título de Quessada, que reaparecerá en su última novela “El Olvido”, procede del poeta latino y navegante Avieno. En su Ora marítima describe Oestrimnnia como la cuenca que comprende Galicia, el golfo de Gascuña, las Islas Británicas y la Armórica, a quien los celtas llamaron "país del mar" para referirse a parte de la Galia y primordialmente a la Bretaña. Quizá con ello, con este leitmotiv a la vez pictórico y literario, nuestro artista quisiera rendir homenaje a los lazos que desde el Finisterre de su viejo país se tienden desde tiempo inmemorial hacia el resto de la Europa atlántica.”  DARÍO VILLANUEVA: Xaime Quessada, ciudadano de lacultura.

GEORGIA O'KEEFFE: FLORES EN PRIMER PLANO

August 26, 2013, 4:20 pm

≫ Next: GEORGIA O'KEEFFE: ENTRE ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN

≪ Previous: XAIME QUESSADA PORTO: ENTRE EL CLASICISMO Y LA ABSTRACCIÓN

$

0

0

"Lirio Blanco nº 7", 1957

Su obra
A pesar de los avances del movimiento feminista en el siglo XX y de la lucha por los derechos de la mujer, la obra de Georgia O’Keeffe permaneció durante mucho tiempo a la sombra de la de su marido, el fotógrafo Alfred Stieglitz.

En 1913 tuvo lugar el famoso "Armory Show", exposición internacional celebrada en Nueva York, cuando los artistas de Estados Unidos se pusieron al corriente de los estilos vanguardistas europeos. Los artistas más destacados de ese periodo fueron Marsden Hartley, Joseph Stella, Arthur Dove, Georgia O'Keeffe y Stuart Davis. 

"Iris luz", 1924

Alguno de sus trabajos caen en manos de Alfred Stieglitz quien impresionado por ellos los describe como “los más puros, bellos y sinceros trabajos que han llegado a la “291”, desde hace tiempo.

"Light Iris", 1924 "La mayor parte de la gente en la ciudad corre tanto, que no tiene tiempo de mirar las flores. Quiero que las miren, lo quieran o no. (…)Voy a pintar lo que veo, lo que significa la flor para mi. Pero voy a pintarla grande para persuadir a la gente de que se tome el tiempo necesario para contemplarla. Conseguiré incluso que lo hagan los atareados neoyorquinos." Georgia O´Keeffe

Entre sus cuadros predominan los de plantas y flores que la artista representa de un modo muy personal, alejado de las imágenes convencionales. Georgia O'Keeffe muestra el interior de las flores y lo refleja hasta en los mínimos detalles mediante ampliaciones. Son obras, en ocasiones casi abstractas, de gran elegancia y vitalidad, cuyas formas muestran una sensualidad encubierta. Iris, calas y arceas, petunias, amapolas, aves del paraíso, orquídeas, camelias, flor del plátano, de la piña... 

"Iris II", 1936

“Los primeros planos de flores que O’Keeffe introduce en la pintura se oponen a la totalidad de la tradición anterior de los cuadros de flores. La mirada que dirige a la flor desde la máxima cercanía, semejante a la perspectiva de una mariposa o una abeja, se puede comparar con los primeros planos fotográficos.

(…) La belleza de las flores de O’Keeffe puede interpretarse como expresión de la fuerte relación de la pintora con el mundo vegetal.

(…) La insistencia sobre la forma individual, su interés por la flor única, centrada, ampliada en una escala desmesurada corresponden a una visión romántica exaltada, que otorga a la flor categoría humana.”

BRITTA BENKE: “O’Keeffe”. Taschen

"Rellenar el espacio de modo hermoso. Eso es lo que el arte significa para mí". Georgia O'Keeffe

También pinta cañas, árboles, maíz...

---

GEORGIA O'KEEFFE: ENTRE ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN

September 29, 2013, 12:38 pm

≫ Next: EL SURREALISMO: EL SUBCONSCIENTE SE HACE VISIBLE

≪ Previous: GEORGIA O'KEEFFE: FLORES EN PRIMER PLANO

$

0

0

Georgia O’Keeffe, a partir de las ideas artísticas de Dow, creará un repertorio de formas geométricas y orgánicas con las que llegará a la cumbre de su arte en el que combinaba su profunda intuición con una gran capacidad de abstracción. O'Keeffe no separaba figuración de abstracción. 

"La pintura figurativa no es buena mientras no lo sea en un sentido abstracto. Una colina o un árbol no crean por sí mismos un buen cuadro, tan solo porque se pueda ver una colina o un árbol. Todo depende de la interrelación de líneas y colores, con ella se crea expresión. Para mÍ esto es justamente la base de la pintura" G. O'Keeffe

Georgia O’Keeffe se interesó por el estudio de las analogías entre la pintura y la música. La música representaba para O’Keeffe la forma suprema de arte. Uno de sus profesores, Arthur Dow, consideraba la capacidad abstracta de la música como modelo para todo el arte no figurativo.

Algunos de los cuadros de O’Keeffe retoman las ideas de Dow para el que la armonía de un cuadro debe estar basada en la disposición cuidadosa y equilibrada de todos los elementos de la composición: color, forma, línea, volumen y espacio…

"Era azul y verde", 1960

“El mundo suena. Es un cosmos de seres que obran espiritualmente. Así la materia inerte se convierte en espíritu vivo” Vasili Kandinsky

La pintura de Georgia O'Keeffe va haciéndose más abstracta y en consonancia con las posiciones del arte norteamericano del siglo XX. "Por un lado la tendencia de la pintura hacia los puros planos de color y por otro la tradición romántica con el sentimiento enfático hacia la naturaleza exterior y la intuición en sí misma." BRITTA BENKE: O'KEEFFE. Editorial Taschen

“Era rojo y rosa”, 1959

El interés por la gran ciudad caracteriza el arte de los años veinte. La complejidad y animación de lo urbano son considerados más interesantes y dignos de acercamiento artístico que la ingenuidad y carácter originario del campo.

La visión de la ciudad muestra su aspecto bajo diferentes condiciones temporales y climatológicas.

O’Keeffe muestra el edificio Shelton desde abajo, con una perspectiva que resalta la verticalidad de Nueva York.

En la traza se advierte una simplificación de los detalles que destaca el carácter formal del edificio.

EL SURREALISMO: EL SUBCONSCIENTE SE HACE VISIBLE

November 15, 2013, 4:08 pm

≫ Next: “LA ESCUELA DE ATENAS”, UN SÍMBOLO DEL SABER

≪ Previous: GEORGIA O'KEEFFE: ENTRE ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN

$

0

0

MAGRITTE: "El arte de la conversación", 1963

CAMBIOS HISTÓRICOS, CAMBIOS ARTÍSTICOS
A partir del siglo XIX se produce un cambio trascendental en la trayectoria de la creación artística paralelo a los profundos cambios políticos -a partir de la Revolución Francesa-, sociales -revoluciones burguesas- y económicos -Revolución industrial y desarrollo del capitalismo-.

El arte académico ligado al mecenazgo de la nobleza y de la iglesia empieza a agotarse ante el empuje de una nueva sociedad cuyo lema se fundamenta en la idea de “libertad, igualdad y fraternidad” y que representa el triunfo de la burguesía.

EL ARTE AL COMPÁS DE LOS AVANCES TÉCNICOS

Los avances científicos y técnicos serán decisivos como estímulo de cambio en el terreno artístico. La fotografía y el cine representan fielmente la realidad visible y el arte ve ocupado parte de su espacio. Comienza a buscar nuevas formas de expresión cada vez más alejadas de la tradición. Surgen movimientos artísticos nuevos que anticipan el arte rompedor de la primera mitad del siglo XX.

LA REVOLUCIÓN ARTÍSTICA DEL SIGLO XX

PARÍS, CENTRO DE LA REVOLUCIÓN DEL ARTE

Los movimientos artísticos de comienzos del siglo XX se desarrollaron fundamentalmente en Europa y, sobre todo, en Francia cuya capital se convirtió en lugar de encuentro de los artistas que configuraron las vanguardias históricas. De nuevo París fue el centro donde se fraguó un cambio decisivo en la trayectoria del arte. En 1900 se celebra en la capital francesa la Gran Exposición Mundial. 
Se produce una verdadera revolución estética en las artes plásticas que tenían precedentes próximos en el siglo XIX.

UNA REALIDAD NUEVA Y CAMBIANTE

Las nuevas formas artísticas son un reflejo de la realidad circundante: incertidumbres sociales, revolución científica, la filosofía de Nietzsche y Bergson, el psicoanálisis, cambios políticos, las guerras mundiales, el desarrollo de las ideologías… todo ello da lugar a la aparición de una nueva sensibilidad en los artistas que buscan diferentes respuestas ante una realidad convulsa. Así surgen una serie de movimientos artísticos cuyo conjunto recibe la denominación de "Vanguardias históricas". 

Una de las corrientes que más influencia tuvo en Ernst, Tanguy, Dalí y Magritte, será la pintura metafísica de Giorgio de Chirico que será una de las bases culturales más importantes del Surrealismo.

GIORGIO DE CHIRICO: "El mal genio de un rey",  1914

Xavier Rubert de Ventós en su ensayo “El arte ensimismado”, interpreta la evolución del arte en el siglo XX como un camino en busca de su propia esencia, rechazando todo lo accidental y fenoménico en la búsqueda de su mismidad.
Los distintos movimientos de pensamiento se reflejan en el arte a través de numerosas escuelas pictóricas -las vanguardias históricas- que luchan contra la falta de fuerza del arte académico y decorativo, tradicional. 
Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética. Abandonan la imitación de la naturaleza para centrarse en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. 

Entre 1905 y 1930 se producen los movimientos de vanguardia:

EL SURREALISMO

El gran teórico del movimiento surrealista fue ANDRÉ BRETON cuyos planteamientos quedan plasmados en el  primer "Manifiesto surrealista" (1924). En el define el nuevo movimiento como "un automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento"

En principio era un movimiento por y para escritores (fue el poeta Apollinaire el que acuñó el término), pero de inmediato se vislumbraron las posibilidades que tenía para la pintura y la escultura o el cine y la fotografía.

MAX ERNST: “La pubertad cercana a las Pléyades", 1921 MAX ERNST: "Las tentaciones de San Antonio", 1945

Alberto Giacometti: "Mesa surrealista", 1933

Una de las misiones del surrealismo consistirá en liberar el inconsciente reprimido, plasmar en la pintura el mundo interior, lo subconsciente: los miedos, las fobias, las obsesiones que anidan en lo profundo de la mente humana. Con esa perspectiva resulta crucial el papel desempeñado por el cine: en la sala oscura se producía el encuentro con lo insólito, con lo maravilloso. Era el ámbito del sueño con los ojos abiertos, mirando la gran pantalla.

"Un perro andaluz" (Luis Buñuel y Salvador Dalí), 1929

En las salas de cine es, en palabras de Breton "donde se celebra el único misterio absolutamente moderno"

Man Ray, fotógrafo que se unió al movimiento surrealista confirió a sus fotografías la capacidad de crear metáforas visuales y aportar a su actividad artística nuevas lecturas plásticas.

MAN RAY: "Le Violon d’Ingres", 1924

El surrealismo no es solamente un movimiento artístico más, sino una actitud ante la vida que tiene su clave principal en la visión de imágenes interiores a las que se llega a través del deseo. Sus planteamientos han influido de manera decisiva en todo el arte posterior y en la sensibilidad contemporánea. Museo Thyssen
Se produce la ruptura con una civilización dominada cada vez más por el pensamiento objetivo de la ciencia y el dogmatismo de los intelectuales.
BERGSON, FREUD Y EL SURREALISMO
El pensamiento de Bergson y Freud tuvieron gran influencia en los surrealistas. Bergson consideraba que el racionalismo objetivo y cientifista, con sus restricciones, amenazaba al espíritu humano y era necesaria la reeducación de lo intuitivo.

RENÉ MAGRITTE: “Golconda”, 1953 "He aquí una multitud de hombres, todos diferentes. Pero como al pensar en la multitud no se piensa en el individuo, los hombres están vestidos de la misma manera, con la mayor sencillez posible, para sugerir la idea de masa... Golconda era una rica ciudad indú, un sitio maravilloso. Yo considero una maravilla el andar sobre la tierra a través del cielo. Por otro lado el sombrero hongo no representa ninguna sorpresa, Es un sombrero poco original. El hombre con sombrero hongo es el hombre común y corriente. Yo lo uso también, no tengo el menor deseo de destacarme". René Magritte RENÉ MAGRITTE: "La gran familia", 1963 YVES TANGUY: "El sol en su joyero", 1937 YVES TANGUY: "Les jeux nouveaux", 1940 YVES TANGUY: "El mobiliario del tiempo", 1939 "The March of Summer", 1938 MAGRITTE opta por asociar elementos de lo más dispar en sus pinturas, como si se tratase de la célebre terapia llevaba a cabo por los psicoanalistas para sanar a sus enfermos. DALÍ, en cambio, prefirió adoptar la doble figuración para gran cantidad de sus pinturas que datan de su etapa surrealista, la que cubre desde 1928 hasta diez años después, aproximadamente.  DALÍ: "La metamorfosis de Narciso", 193

Dalí publica un poema con el mismo título que el cuadro, en París en el año 1937, en Éditions Surréalistes, donde manifiesta que debe leerse junto con la observación del cuadro, se trata de una especie de recurso pedagógico del pintor. Dejo aquí la parte final del poema:

SALVADOR DALÍ :“Tentaciones de San Antonio”, 1946

SALVADOR DALÍ :"Sueño causado por el vuelo de una abeja", 1944

DALÍ: "Construcción blanda con judías hervidas" ("Premoción de la Guerra Civil"), 1936

JOAN MIRÓ: "Hirondelle amour", 1933 Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, algunos de los surrealistas abandonan París y se trasladan a Estados Unidos. Allí dejarán su impronta que será el germen de los futuros movimientos de posguerra. KAY SAGE, pintora estadounidense que viajó durante varios años por Europa, se instaló en París en 1937 y se integró en el grupo surrealista. En 1939 regresa a Nueva York y allí organiza la llegada al exilio de Yves Tanguy y ayudará a otros surrealistas a desarrollar su arte en Estados Unidos. KAY SAGE: "I Saw Three Cities", 1944 KAY SAGE: "In the Third Sleep", 1944 En palabras de René Huyghe,"el surrealismo pretende deshelar la vida mediante una imaginación liberada de las cadenas impuestas por la religión, el mito y la literatura, revelando las vivencias del inconsciente. Se adentra en el terreno de la vida psíquica no explorada hasta el momento"

“LA ESCUELA DE ATENAS”, UN SÍMBOLO DEL SABER

December 30, 2013, 4:51 pm

≫ Next: PREMIO "DARDOS"

≪ Previous: EL SURREALISMO: EL SUBCONSCIENTE SE HACE VISIBLE

$

0

0

RAFAEL SANZIO: "La Escuela de Atenas", 1509-1510 Arte del Renacimiento: Cinquecento. Sala de la Signatura, Vaticano UN MANIFIESTO SOBRE EL CLASICISMO “La Escuela de Atenas” no solo es una obra de arte extraordinaria desde el punto de vista técnico y estético sino que es un verdadero cuadro histórico en el que la Antigüedad clásica y el Renacimiento se dan la mano. El arte, la filosofía y la ciencia se encuentran en un espectacular escenario renacentista.  Realizado por Rafael Sanzio a principios del siglo XVI.  BAJO EL MECENAZGO DE JULIO II Uno de los rasgos característicos del Renacimiento fue la aparición de la figura del mecenas, personaje con posibilidades económicas, de la nobleza, iglesia o alta burguesía que protegía a los artistas y les hacía encargos para sus palacios o iglesias.  “La escuela de Atenas” fue pintada por Rafael en 1509 -1510 por encargo del Papa Julio II para realizar un proyecto integral de renovación de sus propias estancias personales: la decoración de la LA ESTANCIA DE LA SIGNATURA convertida en su biblioteca privada. Fue el arquitecto Bramante el que aconsejó al Papa la elección de Rafael para realizar la obra. Pintura realizada al fresco sobre una de las paredes de la Estancia que sustituye la realizada por Pinturicchio para el Papa Alejandro VI.  Las cuatro estancias, llamadas de Rafael, eran parte de los aposentos situados en el segundo piso del Palacio Pontificio, escogidos por Julio II (pontífice desde 1503 hasta 1513) para su residencia personal y utilizados también por sus sucesores. La decoración pictórica fue realizada por Rafael y sus discípulos entre 1508 y 1524 y supone el comienzo del pleno Renacimiento. PROGRAMA ICONOGRÁFICO DE LA ESTANCIA DE LA SIGNATURA RENACE EL SABER DE LA ANTIGÜEDAD El saber racional como principio de la mentalidad antropocéntrica de los siglos XV y XVI se muestra a través de sus protagonistas.  Los intelectuales del Renacimiento vuelven su mirada fascinada hacia la polis ateniense, centro del conocimiento del mundo antiguo, para avanzar reformulando y transformando sus teorías. La atención del artista se dirige, en especial, a la FILOSOFÍA GRIEGA. Platón y Aristóteles vertebran el cuadro y a su alrededor los grandes artífices de esa gran "escuela de conocimiento" que fue Atenas. LOS PERSONAJES RAFAEL ENLAZA EL MUNDO CLÁSICO CON EL RENACIMIENTO En la obra están representadas las siete artes liberales. En primer plano, a la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica.Junto a los filósofos aparecen astrónomos, químicos, geógrafos, matemáticos… Rafael rinde homenaje al saber, alos padres del pensamiento pero enlaza el saber de la Antigüedad con el Renacimiento situando en dos nichos  del templo renacentista a Apolo y Atenea y tomando de modelo a personajes públicos de la época, como Leonardo da Vinci encarnando a Platón o Miguel Ángel como Heráclito.  Es un modo de subrayar la continuidad entre el presente renacentista y el mundo clásico antiguo.  La obra es un verdadero discurso racional.  Pitágoras, personaliza los valores de la Aritmética y la Música. Parece escribir sus teorías en un libro de acuerdo a las anotaciones que en una pizarra sostiene Telange, uno de sus discípulos.  ASPECTOS TÉCNICOS TÉCNICA Pintura mural al fresco. LA PERSPECTIVA Rafael aplica a la obra la perspectiva lineal por influencia de Leonardo. Fue uno de los hallazgos técnicos del Renacimiento para representar la profundidad sobre una superficie plana. Basada en la pirámide visual en la que los elementos del cuadro se relacionan con un punto de convergencia. Se observa un solo punto de fuga que coincide con el centro del arco, sobre las cabezas de Platón y Aristóteles. LA LUZ Y EL COLOR La luz proviene de la parte superior del cuadro. Se trata de una luz diáfana que ilumina toda la composición.  Los colores son suaves y armoniosos. Los contrastes de luces y sombras son equilibrados y en ellos se aprecia la influencia de Leonardo. Utiliza el color para definir formas y volúmenes, técnica que recuerda el "sfumato" de Leonardo. LA COMPOSICIÓN Y EL CÁNON De una gran simetría, los arcos de medio punto situados en el centro y el modo de distribuir los personajes, en grupos compensados, a partir de un gran eje axial que divide el cuadro en dos partes iguales, equilibran la composición. Los rostros están individualizados, serenos, bellos en su senectud y muy clásicos. Variedad de gestos. Influencia de Miguel Ángel en la monumentalidad de sus lienzos y figuras  de complicados escorzos. Cánon clásico en sus proporciones.

PREMIO "DARDOS"

January 9, 2014, 6:44 am

≫ Next: PEQUEÑAS GRANDES OBRAS. PATINIR, EL PRIMER PAISAJISTA

≪ Previous: “LA ESCUELA DE ATENAS”, UN SÍMBOLO DEL SABER

$

0

0

Agradezco a Alfredo García porque me ha otorgado el premio DARDOS que reconoce "la creatividad, el esfuerzo y la dedicación de los blogueros al conseguir una buena calidad de contenidos" y que, con gran acierto, se lo han otorgado previamente a él por sus magníficos blogs en los que desarrolla un enorme trabajo.

A su vez el premiado debe dar este premio a otros 15 blogs y páginas web a los que lanzar el dardo para que continúe esta cadena de confraternización en la red. Aunque, como Alfredo, no suelo seguir estas cadenas reconozco que en la red hay páginas estupendas que vale la pena dar a conocer y que merecen un reconocimiento aunque sea simbólico. Entre mis 15 elegidas repetiré una de las que citó Alfredo. En realidad volvería a nombrar algunas más (muy admiradas por mi) pero trataré de aportar páginas distintas. Como hay que seleccionar, daré el premio a:

1.-Blog emblemático para los estudiosos del Arte y cuyo creador, aunque ya no esté con nosotros, nos ha dejado un espléndido testimonio de su trabajo. 
2.-Blog de Geografía de un profesor del IESP "XoséNeira Vilas", muy completo, con material multimedia, con textos literarios e históricos en las entradas y buenos enlaces. Docente en una sección bilingüe de la que aporta importante material.

3.-Antonio Martínez, profesor de Hria. del Arte del "IES Alfonso X O Sabio" de Cambre, tiene este blog, muy documentado, con numerosas citas textuales, material multimedia y muchos enlaces. Con un valor  añadido: presenta muchas fotos propias. 

4.-Blog de la Biblioteca del IES de Fene (en 2010 obtuvo 2º PREMIO do MEC no CONCURSO NACIONAL DE BUENAS PRÁCTICAS). Especial atención a la literatura. Blog muy activo. Aporta metodología para realizar trabajos y muchos enlaces. 

5.-Completísimo y muy trabajado blog de Historia del Arte al que echamos de menos y esperamos su regreso. 

6.-Al profesor Pepe Oliver, del Colegio Antonio Gala de Dos Hermanas, por su comprometido, riguroso y enorme trabajo en sus blogs.

7.-A la artista LucieGeffré cuyo blog es un disfrute, dada la calidad de sus retratos. Cada vez su obra es más reconocida.

8.-Blog de Arte de una profesora del IES "Los Sauces" de Benavente. Muy completo con diversidad de recursos y cuya autora tiene otros blogs de interés.

9.-Blog de un periodista gallego con interesantes artículos de opinión sobre la actualidad de la política española.

10.-Muy útil e interesante blog que pone en relación el cine con la Historia y promueve la incorporación del cine en el aula. Con mucha documentación sobre cine histórico, bibliografía...

11.-Blog de dibujo con una biblioteca online de recursos muy amplia y útil, relacionada con aspectos técnicos y artísticos.

12.-Blog de Vicente Camarasa, profesor de Ciencias Sociales  y Arte. Le envío este Dardo de premio por su trabajo en la página de Geografía, muy actualizada y completa. Muy didáctica y organizada. 

13.-Página dedicada a recopilar libros que hablan de historia. Ensayos, biografías, novelas históricas. Para  los aficionados a este tipo de literatura, la información es muy completa: fichas, resumen y opinión.

14.-Blog del profesor del IES Félix Rodríguez de la Fuente, Pedro Oña, orientado a la enseñanza de la Historia Contemporánea, con interesante documentación y comentarios de actualidad. 

15.-Estupendo y completísimo blog de Arte con apuntes con contextos históricos, imágenes, presentaciones, vídeos, comentarios de obras de arte…

PEQUEÑAS GRANDES OBRAS. PATINIR, EL PRIMER PAISAJISTA

January 21, 2014, 1:45 pm

≫ Next: IMÁGENES Y PALABRAS

≪ Previous: PREMIO "DARDOS"

$

0

0

JOACHIM PATINIR: “ Caronte atravesando la laguna Estigia” 1520-1524,  64 x 103 cm. M. del Prado

"El modo en que Patinir representa el alma, de estricto perfil, con el rostro y el cuerpo girado en dirección al camino fácil, que lleva a la perdición, confirma que ya ha hecho su elección y que esa es la vía que va a seguir. A fines de la Edad Media existía toda una serie de metáforas para expresar esta idea, tanto bíblica como clásica. De todas ellas, Patinir parece haberse inspirado en el Evangelio de San Mateo. No hay duda de que refleja en esta obra el pesimismo de una época tan turbulenta como la que le tocó vivir, en plena Reforma protestante.  Al llevar a cabo esta obra, Patinir la convierte en un memento mori, en un recordatorio, a quien la contemple, para que quede avisado de que es preciso prepararse para este momento e, imitando a Cristo, seguir el camino difícil, sin hacer caso de los falsos paraísos y tentaciones engañosas". Silva Maroto, P.: Patinir

JOACHIM PATINIR:“Paisaje con San Jerónimo”, 1516-1517. (74 cm x 91 cm.)

PATINIR Y QUENTIN MASSYS: "Las tentaciones de San Antonio Abad” 1515-1522. Óleo. 155 x 173 cm. Museo del Prado

PATINIR: "Descanso en la huida a Egipto", 1518-1520. Óleo. 121 x 177 cm. Museo del Prado

El Museo del Prado dedicó a Patinir su primera exposición antológica en 2007 y en 2013, uno de sus cuadrosformó parte de una exposición extraordinaria, “La belleza encerrada”, en la que se muestran grandes obras de pequeño formato. Con esta entrada quiero dar a conocer algunas de los cuadros expuestos para los que no la han visitado. Me centraré en aquellas obras en las que el paisaje adquiere un valor por si mismo. A partir de Patinir como pintor que trata el paisaje como género independiente, miraremos hacia atrás para advertir algunos precedentes y en una próxima entrada, señalaremos algunas obras sobre en las que se puede apreciar su estela.

Una serie de artistas comenzaron a dar relevancia al paisaje y ya no lo utilizaron como telón de fondo en que se desarrollaba la escena principal sino que le dieron valor por si mismo. La técnica de la pintura al óleo permitió a los artistas flamencos la representación con todo detallismo de cualquier elemento mínimo no solo de las figuras sino del paisaje... casi un cuadro dentro del cuadro.  Con estos pintores no se creó el género pero iniciaron él interés por la representación detallada del entorno natural. El paisaje dejará de ser un fondo para las figuras y se convertirá en el escenario donde tienen lugar las acciones.

En esta obra ya podemos observar una preocupación por representar el espacio natural con gran detallismo al modo en que lo trataban los pintores de la escuela flamenca.

JAN VAN EYCK : “La Virgen del canciller Rolin”, hacia 1435. Óleo sobre tabla. 66 × 62 cm. 

Aunque esta obra no estuvo incluida en la exposición, la he añadido porque su influencia en la pintura me parece esencial. Ese gran ventanal amplia el espacio del cuadro y se abre a un paisaje representado con todo el detallismo que permite la pintura al óleo. Es indudable que ejerció una gran influencia sobre Patinir y los pintores de paisajes.

 ROBERT CAMPIM  es considerado uno de los precursores de la llamada escuela de los primitivos flamencos.  En estas dos tablas del “TRÍPTICO WERL”  en el que se representanSanta Bárbara y San Juan con el donante, se muestra uninterior flamenco de la época, de gran realismo, rico en detalles y con una perspectiva de la habitación que continúa a través de una ventana abierta y se proyecta hacia un paisaje exterior. Este es uno de los recursos estilísticos que se repetirá en la escuela flamenca y que tendrá enorme repercusión posterior.

ANDREA MANTEGNA  es uno de los grandes creadores del Quattrocento italiano. El punto de vista bajo, que presenta en sus cuadros, contribuye a la monumentalidad que muestran sus figuras, a pesar del pequeño tamaño del cuadro.

ANDREA MANTEGNA: "Tránsito de la Virgen", 1462. Temple sobre tabla, 54.5 x 42 cm.

Andrea Mantegna es uno de los grandes creadores del Quattrocento italiano. El punto de vista bajo, da lugar a unas figuras monumentales a pesar del pequeño tamaño del cuadro. 

"El Tránsito de la Virgen" es una obra maestra por su perfecta composición, resuelta mediante una habilísima contraposición de horizontales (ventana y lecho de la Virgen) y verticales (apóstoles y pilastras); su dominio de la perspectiva; la individualización de las fisonomías de los apóstoles, y el tratamiento del paisaje, una de las primeras vistas topográficas de la pintura italiana, al mostrar el lago en torno a Mantua, el puente que lo cruza, y el Borgo di San Giorgio al fondo. Extraído de FalomirFaus, M.: Pintura italiana del Renacimiento. 

EL BOSCO
El Bosco, es uno de los pintores más apasionantes y enigmáticos de toda la historia de la pintura. Un precursor del surrealismo. Sus obras están abarrotadas de figuras, completamente al margen de la iconografía de la época, ambientadas en paisajes imaginarios y repletas de elementos fantásticos y monstruosos, tales como demonios o figuras medio humanas y medio animales, que conviven con figuras diáfanas y paisajes tranquilos y encantadores.

EL BOSCO: "La extracción de la piedra de la locura", 1490. 48,5 cm x 34,5 cm

El Bosco reprodujo la operación para extraer la piedra de la locura ante un amplio y bello paisaje, por el que sintió gran interés desde sus obras más tempranas, acorde con su origen en los Países Bajos del Norte. La elevación de la línea del horizonte permitió a El Bosco ampliar el espacio destinado al paisaje en esta tabla, que, a diferencia de lo habitual en él, no está poblado de figuras y objetos que complementen o expliquen la escena principal.

EL BOSCO: “Mesa de los pecados capitales”, finales del siglo XV. Óleo. 120 cm x 150 cm

EL BOSCO:“El carro del heno”, 1516.Óleo sobre tabla, 135 cm × 100 cm. Museo del Prado

ASPERTINI, AMICO; ASPERTINI, GUIDO: “La continencia de Escipión”, 1496. Óleo. 46 cm x 157 cm x 1,9 cm  Escuela italiana, boloñesa

ASPERTINI, AMICO; ASPERTINI, GUIDO: “El rapto de las sabinas”, 1496. Óleo. 47 cm x 153 cm

 AMICO ASPERTINI  es considerado un precursor del manierismo y en su obra combina un profundo conocimiento del arte grecorromano con la influencia de arte del norte, a lo que hay que unir su gran originalidad narrativa. Sus paisajes rocosos y vegetales oudieron ser un referente para Patinir.

GERARD DAVID  inicia una tradición que se extenderá entre los pintores holandeses de los siglos posteriores y que se centra en el paisajismo.